颜体楷书间架结构九十二法字帖 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨璐，杨敔 编

图书标签:

• 颜体楷书
• 楷书
• 字帖
• 书法
• 间架结构
• 书法技法
• 临摹
• 字体
• 书法练习
• 传统书法

出版社： 中国书店

ISBN：9787805686165

版次：1

商品编码：12313353

包装：平装

丛书名： 书法技法丛帖

开本：16开

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

页数：38

正文语种：中文

内容简介

　　《颜体楷书间架结构九十二法字帖》是在唐初四大书家之一欧阳询《结字三十六法》及明代李淳《大字结构八十四法》基础上系统、全面地研究剖析了汉字结构组合规律，归纳总结出九十二种汉字结体书写的方法，并各有典型例字。《颜体楷书间架结构九十二法字帖》是一本较为完整、实用的法帖，更对后世书者影响巨大，不仅适于初学书者临习，也可供书法爱好者参考欣赏。
　　它科学性的分析了楷书的间架结构，是学楷书者的入门法帖。相传作者为黄自元，清末书法家，实业家，他的书法是一种实用书法，对初学者了解间架结构有指导意义，是初学者的启蒙导师。在清末及民国初年达到了家喻户晓、人手一册、学书之人案头必备的程度。

内页插图

目录

前言
颜体楷书间架结构九十二法字帖
颜体楷书九十二法释文
古人论楷书间架结构
简体字对照表

前言/序言

　　千百年来，人们对美化楷书的法则和规律进行了不断的探索和研究，其贡献卓著者，隋有智永，唐有张怀瑾、欧阳询，元有陈绎曾，明有李淳、姜立纲，清有王澍、蒋衡，等等。至清末黄自元，掇集前人要论，著成《架结构摘要九十二法》（后称《黄自元楷书间架结构九十二法》）。它用精炼、对仗的口决，标准典型的例字，胪列出九十二种楷书结字的法则。一百多年来，此帖对楷书的教学起了重要的作用，至今人们仍有些口授相传的书诀，如一字无二脚横长撇短不用捺等等，约是从“一九十二法”中提炼出来的。
　　但是，黄氏《九十二法》仍有未臻完美的瑕疵，洵为憾事。例如：其一，例字全部为黄氏手书，学书者未能从该帖直接取法乎欧、颜、柳、赵等楷书名家的书法，故有隔膜之憾；其二。黄氏书法师承欧体，所以其“一九十二法”多与欧体结字相合，但某些法则却与颜、柳、赵诸体相悖，故有以偏概全之憾其各具特色的四体楷书，恰如高矮胖瘦、风度各异的四个人，怎能用同一尺寸为其裁衣？但后人常误认为“九十二法”尽为楷书通则，由此所派生出来的诸种字帖，释语和例字时相抵牾，反使学书者坠入迷津；其三，有些书诀过于绝对、片面，如“当悬针而垂露则无韵，当垂露而悬针则无力”，但以四体为例，皆有同一字时而用悬针、时而用垂露者，岂能是此非彼？故有绝对、片面之憾；其四，“九十二法”的后十法，语焉不详，有凑泊之憾。

好的，这是一份关于其他图书的详细简介，旨在避免提及您提供的书名《颜体楷书间架结构九十二法字帖》中的任何内容： --- 《宋代文人画论及其审美变迁研究》 作者： 李明哲 出版社： 翰墨轩出版社 装帧： 精装，附彩图索引与学术注释 字数： 约 680,000 字 出版时间： 2023 年 5 月 --- 导言：宋画新论的必要性 宋代，在中国艺术史上占据着无可撼动的地位，被誉为中国古典艺术的巅峰时期之一。然而，长久以来，对宋代绘画的研究多集中于院体画的写实技巧与“格物致知”的精神层面。本书则选择了一个更具思想深度和审美哲学色彩的切入点——宋代文人画论及其背后的审美观念演变。 本书深入探讨了自北宋中叶至南宋末年，以苏轼、米芾、黄庭坚等为代表的文人阶层如何构建并阐述其绘画理论体系，以及这一理论如何深刻影响了当时乃至后世的艺术实践。我们旨在揭示，宋代文人画论并非对前代技法简单的批判与继承，而是一场基于儒释道融合思想的、深刻的艺术本体论革命。 第一部分：北宋的萌芽与理论奠基 (1040-1127) 本部分聚焦于北宋中晚期，探讨“尚意”思潮的兴起及其在绘画理论上的初步体现。 第一章：苏轼的“论画”与“以诗为画” 详细分析苏轼《与韩绛两 সাং书》等关键文献，阐释“论画以形似，见与儿童邻”的深刻内涵。研究苏轼如何将文学修养和个人学识引入绘画批评，倡导的“意在笔先”与“胸中有丘壑”的观念，如何构筑了区别于院体工笔画的文人画的初始框架。我们通过对比宋徽宗赵佶的画学理念，凸显苏轼理论的颠覆性。 第二章：米芾的“水墨之戏”与“萧散”美学 米芾作为集收藏家、鉴赏家和实践者于一身的文人，其“崇尚自然，不求工巧”的观点至关重要。本章考察米芾对董源、巨然等前代画家的重新评价，分析其“风雨不动安如山”的笔墨观，如何确立了“萧散”这一影响后世的文人画核心美学特征。特别是对米点、米晕技法的理论阐释，揭示了其背后的哲学意蕴。 第三章：黄庭坚的“点画意在笔先”与对技法的超越 黄庭坚虽以书法闻名，但其关于绘画论述同样具有开创性。本章侧重分析黄庭坚如何将书法的“用笔”理论延伸至绘画，主张笔墨应服务于表达内在情志，而非单纯的描摹物象。这一阶段的理论探讨，标志着宋代文人画正式从“对物的再现”转向“主体的抒发”。 第二部分：南渡后的理论深化与“格物”的新解 (1127-1279) 靖康之变后，随着政权的南迁，文人画理论开始向更深层次的“寄托”与“抒情”方向发展，理论家们试图在动荡的时局中寻找精神的避难所。 第四章：从应酬到自娱：理论语境的转变 探讨南渡后，文人画实践的群体性变化。这一时期的论述，如朱熹的“格物致知”在艺术领域的投射，虽然强调对事物的深入理解，但在文人画内部，却演化为对自身精神世界的深入探究。分析此期论著中对“真性情”的强调，及其与“理学”思想的微妙张力。 第五章：画论中的“禅机”与“机心” 本章研究禅宗思想如何渗透到南宋文人画论中。通过对僧人画家（如牧溪）相关论述的考察，揭示“不着一笔，不碍万象”的空寂美学如何成为一种高级的理论诉求。讨论了文人画家如何通过对笔墨的“有节制”使用，来体现“机心”的隐退与自然之道的显现。 第六章：论“笔墨”与“趣味”的并重 南宋晚期，理论界开始更加平衡地看待技法与精神。《诚斋论画》等文献显示出，单纯的“尚意”已不足以支撑完整的审美体系，对“笔墨趣味”的强调，预示着元代对技法本身的重新审视。本章细致辨析了这一时期“趣味”一词在画论中的多义性，它既指个人修养，也指向笔墨的独特韵味。 第三部分：理论的传播与对后世的影响 本书最后部分梳理了宋代文人画论的传播路径及其在元、明、清三代的持续回响。 第七章：文本的流传与士大夫群体的再阐释 考察宋代画论在南宋后期如何通过手抄本、诗文集等形式传播。重点分析元代赵孟頫等人在继承宋论基础上的“复古”倾向，以及他们如何将“尚意”理论转化为“正统”的旗帜，为元代“复古派”提供了理论武器。 第八章：对明清院体与民间画派的间接影响 尽管文人画论主要针对精英阶层，但其对“气韵生动”等基本概念的阐释，仍潜移默化地影响了明代吴门画派对“雅”的追求，以及清代“四王”对笔墨规范的构建。本书将展示，宋代奠定的理论基石，如何成为中国绘画美学持续发展的内在动力。 结语：宋画新论的当代价值 本书不仅是对历史文本的梳理，更是一次对中国传统审美哲学的再发现。宋代文人通过他们的绘画理论，成功地将艺术从单纯的“匠作”提升至“哲思”的高度，这种对个体生命体验和内在精神世界的关注，在当代依然具有重要的启发意义。 --- 本书特色： 1. 史料扎实： 首次将涉及宋代绘画思想的近百篇零散文献进行系统性汇编与比对分析。 2. 跨学科视野： 深度融合了艺术史、哲学史和文学批评的成果，力求还原理论产生的时代背景。 3. 图文并茂： 附录收录了大量关键画作的高清图版，并配有详尽的学术注释和图例解析，便于读者对照理解抽象的理论概念。 本书适合艺术史研究者、中国哲学爱好者，以及所有致力于探究中国古典美学核心精神的读者。

评分☆☆☆☆☆

我是一个在书法路上摸索了许久的“半吊子”，学过颜体多年，但总感觉自己的字像是个“四不像”，结构松散，火气有余而韵味不足。市面上关于结构的书籍看了不少，大多是泛泛而谈，讲了一堆理论，却拿不出让人信服的范例来支撑。这本字帖给我的感觉是，它真正深入到了“骨髓”里。作者在讲解每一个结构要领时，都不仅仅是给出一个规范字，而是会配上极具代表性的“病例分析”，清晰地指出了常见错误在哪里，为什么会错。这种对比教学法非常直观，就像请了一位经验丰富的老先生在旁边手把手地指导你。特别是对于“横画的收尾”和“竖画的提按”这两个我长期困扰的问题，它用非常形象的比喻和简化的图示进行了拆解，让我豁然开朗。这种务实的教学态度，远胜过那些华而不实的理论堆砌，真正做到了将复杂的结构规律转化为可操作的步骤。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是令人眼前一亮，封面采用了典雅的墨绿色，配以烫金的书名和作者信息，散发出一种沉稳而有底蕴的气息。纸张的质感也相当出色，厚实且带有轻微的哑光效果，拿在手里分量十足，让人感觉物有所值。内页的印刷清晰度极高，每一个字的点画都过渡得非常自然，墨色的深浅控制得恰到好处，完全没有普通字帖常见的模糊或洇墨现象。特别是那些范字的排布，疏密有致，留白得当，即便是初学者也能一眼看出结构上的美感和平衡。我个人非常注重书写工具与载体之间的配合，这本书的纸张表面摩擦力适中，无论是使用硬毛笔还是兼毫，都能感受到笔锋的细腻变化，这对于练习控笔至关重要。整体来看，光是作为一件艺术品摆在书架上，也是极具品味的。这种对细节的极致追求，无疑为后续的学习打下了坚实的基础，让人在翻阅之初就充满了探索的欲望。

评分☆☆☆☆☆

与其他侧重于描红或单帖临摹的字帖不同，这本书的编排逻辑更像是一部精密的工程学手册，将颜体的复杂体系拆解成了九十二个可量化的基本模块。我发现自己不再是盲目地去模仿一整篇作品，而是可以有针对性地进行“模块化训练”。比如，当我发现自己写“宝盖头”总是偏斜时，可以直接翻到对应的章节，那里详细阐述了“宝盖头”内部的左右呼应关系和中轴线的确定。这种“按需学习”的模式，极大地提高了我的学习效率。我尝试将其中三个我认为最难的结构拆解出来，分别练习了半小时，再回过头去看整帖的范字，顿时感觉清晰多了，那些原本模糊的间架关系变得井然有序。这说明作者在构建这套体系时，是经过了深思熟虑的，它构建了一个由浅入深、层层递进的学习路径，而非简单的字汇堆砌。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性强到让人感动。我过去买过不少书法教材，很多都是放在那里做摆设，因为学习过程实在枯燥乏味，难以坚持。但这本书的排版和内容设计，似乎有一种魔力，让人愿意一遍又一遍地去翻阅和实践。它的结构讲解部分，使用了大量的箭头和虚线来标示笔画的运行轨迹和结构间的力线关系，即便是通过照片或扫描件来观察，也能清晰地感受到作者的意图。更重要的是，它提供了一套可以量化的自检标准。在练习完某一个结构后，我可以对照书中的“关键点检查清单”来对照自己的作品，这种即时反馈机制极大地增强了练习的有效性。我感觉，这本书不仅是一本字帖，更像是一位严谨的私人导师，它不会敷衍你，只会用最科学、最清晰的方式，带领你一步步接近颜体的精髓。

评分☆☆☆☆☆

从艺术鉴赏的角度来看，这本字帖的选材非常考究。它并非照搬某一固定的颜体碑帖，而是融合了颜真卿晚期书法中最为成熟、最具规范性的笔法和结构特点。那些横捺的开张，撇捺的提顿，在保证颜体雄浑大气的同时，又增添了一份内敛的法度感，少了一些早期的稚嫩感，多了一份历经沉淀的圆融。我尤其欣赏其中对于“空间处理”的强调，比如如何处理偏旁部首之间的避让与穿插，如何使字形既保持充实感又不显拥挤。通过仔细揣摩，我体会到颜体书法中的“虚实相生”并非空洞的口号，而是通过精确控制墨色的浓淡和笔画的粗细来实现的。对于那些追求高阶书法境界的书友来说，这本字帖提供了超越基础临摹，直达神韵体悟的钥匙。