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傅雷 著

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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540482916

商品编码：21364199666

出版时间：2017-11-01

基本信息

商品名称： 世界美术名作二十讲	出版社： 湖南文艺出版社	出版时间：2017-11-01
作者：傅雷	译者：	开本： 32开
定价： 58.00	页数：	印次： 1
ISBN号：9787540482916	商品类型：图书	版次： 1

内容提要

20世纪30年代，傅雷先生受聘于上海美术专科学校，担任美术史课教席。本书是他在讲稿的基础上修订、补充，于1934年完成的一部著作。书中着重介绍文艺复兴以来近二十位美术大师及其名作，生动讲解其艺术风格和人品操守，并融文学、音乐、哲学、社会、时代于一体，深入浅出，引人入胜。该书1985年初版以来广受赞誉，傅雷先生诞辰110周年之际，为表达对先生的纪念，回馈读者的喜爱，特甄选彩色插图一百多幅，进行精美装帧，文字与图片的完美结合，使先生之作更富鉴藏价值

《凝视之魂：跨越时空的艺术对话》 这本书并非直接介绍某一特定画作的详尽分析，也非罗列名家名作的编年史。相反，《凝视之魂》旨在邀请读者踏上一场别开生面的艺术之旅，通过一系列精心设计的“对话”，在不同时代、不同文化、不同风格的艺术作品之间搭建桥梁，揭示它们背后共通的情感、思想与精神追求。 我们不从“什么是最伟大的作品”出发，而是从“艺术如何回应生命”的角度切入。书中选取了来自古希腊雕塑的宁静之美，到文艺复兴时期对人性的深刻洞察；从巴洛克时期的戏剧性张力，到印象派对光影瞬息万变的捕捉；再到现代主义的观念革新，以及当代艺术对社会议题的介入……每一章节都聚焦于一个核心的艺术命题，然后通过对比、联想和阐释，引出隐藏在不同作品之间的深刻联系。 想象一下，我们将古埃及壁画中永恒的静止与中国山水画中流动的意境进行一次跨越千年的对话，探究它们各自如何处理时间与空间的哲学观。或者，我们将卡拉瓦乔的强烈明暗对比与伦勃朗的内心光辉进行对比，解读他们在描绘人性深处挣扎与救赎时所使用的不同视觉语言。又或者，我们将马蒂斯的色彩欢愉与波洛克的不羁挥洒进行对照，思考艺术家如何通过最原始的媒介——色彩与线条——来表达纯粹的情感能量。 书中不乏对特定作品风格的侧面提及，但绝非作为重点展开。例如，在讨论“凝视的力量”时，我们或许会提及蒙娜丽莎那神秘的眼神，但重点在于分析不同时代肖像画中，艺术家如何通过眼神来传达人物的性格、心理状态，乃至艺术家对观看者的态度。又或者，在探讨“空间与感知”时，我们可能会对照达芬奇的透视法与莫奈的印象派空间处理，但关注点在于艺术家们如何通过不同的方式来构建和引导观众的视觉体验，从而影响我们对现实世界的感知。 《凝视之魂》更注重激发读者的独立思考和个人感受。我们提供的不是标准答案，而是引导性的问题和开放性的解读。书中会提出诸如“是什么让一件作品超越了时间？”“艺术家如何捕捉稍纵即逝的情感？”“色彩和形式承载着怎样的意义？”等问题，并邀请读者在阅读过程中，将自己的经验和情感投射到艺术作品中，从而建立起属于自己的理解和共鸣。 本书的语言风格力求平实而富有启发性，避免使用过于学院派的专业术语，而是采用更具故事性和画面感的叙述方式。我们相信，艺术的魅力在于其普适性，在于它能够触动每个人内心最柔软的部分。《凝视之魂》希望成为您与艺术对话的引路人，帮助您打开一扇扇通往不同艺术世界的大门，在其中发现那些未曾留意却又无比熟悉的情感回响。 这不是一本用来“了解”艺术的书，而是一本用来“感受”艺术，用艺术来“理解”生命的书。它鼓励您用自己的眼睛去看，用心灵去听，去感受不同时代、不同地域的灵魂在作品中留下的印记。通过这些跨越时空的对话，我们期待能与您一同探索艺术的无限可能，以及生命本身所蕴含的深刻哲理。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受是，艺术并非只是博物馆里那些遥不可及的展品，而是流淌在人类文明血脉中的一股强大力量。书中对于不同时期、不同地域的艺术风格的梳理，让我看到了艺术是如何随着人类社会的发展而不断演变，又是如何反映出不同文化和价值观的。我特别喜欢书中关于“象征主义”的解读。它让我明白，艺术的表达并非总是直白的，有时候，artist 会运用隐喻、象征等手法，来传达那些难以用言语形容的深层含义。作者分析了 artist 如何通过色彩、形状、甚至是画面中的特定意象，来唤起观者内心深处的联想和情感。这种对艺术“潜台词”的挖掘，让我对艺术的理解更加立体和丰富。它让我意识到，欣赏艺术，也是一个不断探索、不断发现的过程，而这本书，无疑为我提供了无数探索的可能性，让我对未来的艺术之旅充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就足够吸引我了，那是一种沉静而又厚重的质感，仿佛承载了无数穿越时空的艺术灵魂。当翻开第一页，扑面而来的不是枯燥的理论，而是一股股充满生命力的艺术气息。我尤其喜欢作者对于那些耳熟能详的巨匠作品的解读，比如梵高的《星空》，我之前看过无数遍，也曾试图理解他内心的澎湃，但总是隔靴搔痒。这本书却像一把钥匙，轻轻一拧，便打开了我对这幅画背后那位敏感而充满激情灵魂的全新认知。它不仅仅是在描述颜色的运用、笔触的痕迹，更是深入到艺术家创作时的心境，那种挣扎、那种狂喜、那种对世俗的疏离，都仿佛跃然纸上，让我能感受到他当时仿佛在与宇宙对话般的孤独与壮阔。作者的文字就像一位经验丰富的导游，带领我们穿梭于历史的长河，去亲临那些艺术诞生时的场景，去聆听那些艺术家的心声。他并没有用晦涩难懂的专业术语来故弄玄虚，而是用一种极其亲切、引人入胜的方式，将复杂的艺术史脉络和深奥的艺术理论变得触手可及。我常常在阅读的过程中，忍不住停下来，去想象书中所描绘的那个时代，那些人物，那种氛围。这种沉浸式的阅读体验，是我在其他许多艺术书籍中很少获得的。它让我觉得，艺术并非高高在上，而是与我们的生活息息相关，是人类情感最真挚的表达。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，能够用简单而又深刻的语言来解释复杂艺术的，才是真正的艺术大家。而这本书的作者，无疑就是这样一位大家。在解读一些现代艺术作品时，我常常感到困惑，觉得它们似乎“难以理解”。但是，在这本书里，作者却能用一种非常接地气的方式，将这些作品的创作理念、 artist 的意图，甚至是它们所引发的社会反响，都解释得条理清晰，引人入胜。例如，书中关于某个抽象表现主义 artist 的章节，我之前对那些看似“随意”的线条和色块感到不解，但作者却通过对 artist 创作动机的分析，对我解释了 artist 在试图摆脱具象束缚，直接表达纯粹情感和内在力量时的探索。他强调了 artist 在创作过程中那种“即兴”和“偶然”的重要性，以及 artist 如何通过对材料的运用和对形式的自由处理，来打破传统的艺术边界。这种解读让我意识到，现代艺术的价值，往往在于其对艺术本身的颠覆和对人类感知极限的拓展。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的地方，在于它并没有局限于西方艺术的范畴，而是将目光投向了更广阔的世界。当我看到关于中国水墨画的章节时，我简直是迫不及待地想要深入了解。作者用一种非常诗意化的语言，描绘了那些山水画作中“气韵生动”的境界。他解释了“留白”的妙处，那种“无中生有”的哲学意境，是如何通过墨色的浓淡干湿，勾勒出天地间的无限意趣。我之前一直觉得水墨画很难懂，觉得它过于写意，缺乏具象的支撑。但是这本书让我看到了其中的精妙之处，它不是没有形，而是形中有意，意中有神。作者对不同流派的水墨画，比如山水、花鸟的特点，都做了非常清晰的梳理，并且结合了相关的历史文献和文化背景，让我对中国传统绘画有了全新的认识。他举例的那些画作，我虽然之前可能只是匆匆一瞥，但经过作者的解读，我仿佛能听到松涛阵阵，感受到微风拂面，甚至能闻到墨香四溢。这种将视觉艺术与感官体验巧妙结合的描写，着实令人陶醉。它让我明白，艺术的表现形式多种多样，但其背后所追求的，都是对生命、对自然的深刻体悟和表达。

评分☆☆☆☆☆

我一直对雕塑情有独钟，尤其是那些古希腊时期的杰作。在这本书里，我终于找到了对我来说最 the satisfying 的解读。米洛的维纳斯，我曾无数次在图片和展览中看到她，她的残缺反而更增添了一种神秘的美感。但这本书让我看到了她完整的生命力，以及她背后所蕴含的关于美、关于女性、关于理想化身体的思考。作者并没有止步于描述她优美的曲线，而是从当时的社会背景、哲学思想，甚至到 sculptor 的雕刻技艺，层层剥茧，让我们看到这不仅仅是一块大理石，而是一个时代的审美标杆，一个女性形象的永恒象征。我特别喜欢作者在分析作品时，那种抽丝剥茧的逻辑性，以及对细节的精准捕捉。他会指出现实中人体结构与雕塑表现上的细微差异，解释 artist 为什么会做出这样的选择，这些选择又传递了怎样的信息。这让我对 sculptor 的匠心独运和艺术的深邃有了更深刻的理解。读完关于维纳斯的章节，我感觉自己对美的定义都得到了拓展。它不仅仅是外在的形体，更是内在的精神，是 artist 赋予石头的生命与灵魂。这本书的优点在于，它总能挖掘出那些我们可能忽略却至关重要的信息，让我们在欣赏美的同时，也能品味到艺术背后的智慧与深意。

评分☆☆☆☆☆

在阅读这本书的过程中，我最被震撼到的，是它对于文艺复兴时期那些巨匠作品的解读，那种对人性和理想主义的崇高赞美，简直让我热泪盈眶。达芬奇的《蒙娜丽莎》，我之前总觉得她那神秘的微笑过于遥远，难以捉摸。然而，这本书却为我揭开了她那层面纱，让我看到了 artist 在捕捉人物微妙情感上的非凡功力，以及他对人类内在世界的好奇与探索。作者详细分析了 artist 在人物表情、眼神、手势等细节上的处理，解释了那些微妙之处如何共同营造出一种难以言喻的宁静与智慧。更让我动容的是，作者将蒙娜丽莎的微笑，与那个时代对人文主义的推崇联系起来，解读为一种对生命、对人性的深刻体认和自信。这种将艺术作品置于历史文化大背景下的解读，让我对作品的理解更加深刻。它不仅仅是关于一幅画，更是关于一个时代的精神图腾，关于人类对自身价值的重新发现。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最深刻的感受是，艺术的理解并非一蹴而就，它需要时间和耐心，更需要一位好的引路人。《世界美术名作二十讲》就像这样一位博学而耐心的向导，他循循善诱，将那些看似遥远抽象的艺术概念，一点点地剖析开来，展现在我们面前。我特别喜欢书中对于印象派画作的讲解，比如莫奈的《日出·印象》。我之前一直觉得印象派的画作看起来“模糊不清”，但作者的解读让我明白了，那是一种对光影和色彩瞬息万变的捕捉，是一种对“瞬间”的极致追求。他详细地描述了 artist 如何运用点彩、短促的笔触来表现光线在不同时间、不同角度下的变化，以及如何通过色彩的并置来产生视觉上的混合效果。这种对 artist 观察方式和表现手法的深入剖析，让我对印象派的理解上升到了一个新的高度。我不再仅仅看到画面表面的“模糊”，而是看到了 artist 背后精密的观察和大胆的创新。读完这一章节，我感觉自己仿佛也拥有了 artist 的眼睛，能够去捕捉生活中那些转瞬即逝的美丽。

评分☆☆☆☆☆

这本书最吸引我的地方，在于它不仅仅是对艺术作品的陈述，更是对艺术史背后那些人物故事和时代变迁的生动描绘。我特别喜欢关于巴洛克时期作品的章节。作者将卡拉瓦乔的作品，比如《圣马太的召唤》，置于那个充满宗教改革和政治动荡的时代背景下进行解读。他详细描述了 artist 如何运用强烈的明暗对比（chiaroscuro），来营造出一种戏剧性的视觉效果，以及这种效果如何被用来强调人物的情感和宗教叙事的张力。我更被 artist 在表现人物时那种写实到近乎残酷的风格所打动，他将圣人描绘得如同寻常人一般，在日常的场景中展现神圣时刻的降临。作者的文字仿佛将我带回了那个时代，让我感受到了 artist 在创作时所承受的压力，以及他如何通过艺术来回应时代的需求和挑战。这种将艺术作品与 artist 的个人命运、与时代洪流紧密联系的叙事方式，让我在欣赏艺术的同时，也对历史有了更深的思考。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，理解一幅画，最重要的是去感受 artist 的情感。而这本书在这方面做得非常出色。它在解读每一幅作品时，都会试图走进 artist 的内心世界，去体会他创作时的喜怒哀乐。比如，在分析伦勃朗的《夜巡》时，作者并没有仅仅停留在对光影效果和人物构图的描述，而是深入剖析了 artist 在创作这幅作品时所面临的挑战、他与委托人之间的微妙关系，以及他如何通过这幅画来表达他对荷兰黄金时代以及社会现实的看法。他描述了 artist 如何巧妙地运用光线来突出画面的戏剧性，如何通过人物的表情和姿态来展现他们的个性，以及整个画面的动态感是如何营造出来的。这种对 artist 心路历程的细致描摹，让我对这幅画产生了更深的共鸣。我仿佛能感受到 artist 当时那种全神贯注、一丝不苟的创作状态，也能体会到他对于艺术的执着和追求。这本书让我明白，伟大的艺术作品，不仅仅是技艺的展现，更是 artist 灵魂的投影，是他们对世界、对人生的思考与感悟。

评分☆☆☆☆☆

我一直对那些色彩鲜艳、充满生命力的后印象派作品情有独钟。这本书在解读这些作品时，展现出了独特的视角。以高更的塔希提作品为例，作者并没有仅仅赞美他明亮的色彩和异域风情，而是深入探讨了他对文明的反思、他对原始生活方式的向往，以及他如何在色彩和构图中融入自己的哲学思考。他描述了 artist 如何运用大胆的色彩来表达情感，如何通过简化和变形的造型来突出主题，以及他在作品中所传达的那种对现代社会疏离感的呐喊。我特别欣赏作者在分析高更作品时，那种将 artist 的个人经历、情感世界与艺术创作紧密结合的解读方式。这让我觉得，艺术不仅仅是视觉上的享受，更是 artist 内心世界的抒发。这本书让我看到了，艺术可以成为 artist 反抗社会、探索自我的一种方式，也让我更加理解了后印象派作品背后那份独特的精神力量。