【后浪直营】认识电影（插图第11版）影视课程教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 路易斯·贾内梯 著，焦雄屏 译

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店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550283183

商品编码：24426654968

品牌：后浪

包装：平装

丛书名： 后浪电影学院

开本：16开

用纸：胶版纸

页数：484

字数：405000

正文语种：中文

编辑推荐

《认识电影》一书诞生于20世纪70年代，历经四十余年的洗礼，已成为百余所世界名校电影概论、影视制作、电影美学等专业的经典教材和必读书目，并被翻译成多国语言在世界范围内广为流行。书中提供了各种认识电影的角度，帮助读者了解电影是怎样以一种复杂的语言进行表达和传播的；同时，通过剖析大量影片实例，结合众多剧照来解释电影创作过程，使学电影变得更为生动有趣。
哈佛大学、MIT、纽约大学、北京大学、北京电影学院、台湾大学等众多世界知名院校影视课程指定教材，培生教育集团全球畅销的教材之一。
被评为全美畅销书，当今世界发行量、流传度皆高居榜首的电影入门书。在英、德、加、澳、新、南非等地广受欢迎，并被译成日、韩、希伯来等多种语言。
集电影概论和电影赏析于一体。全书搜集超过四百张珍贵剧照，涵盖影史经典之作和卖座佳片。
提供精准而成熟的电影分析技巧，批露当今热明星的新闻，探讨高票房电影的市场策略，展现电影技术前沿动向，反映电影产业发展趋势。
翻译可靠，译文流畅优美，著名电影学者焦雄屏二十多年来不断修订、校正，对本书推崇备至。

名人推荐

“近二十年来，在任何华人电影人的书架上，总会看到此书的踪影，足见它对电影的制作也发生了一定的影响。” 
——焦雄屏（电影监制，台北艺术大学电影研究所教授）

作者简介

路易斯?贾内梯（Louis Giannetti），美国著名电影理论家和影评人，俄亥俄州凯斯西储大学荣誉教授。贾内梯先生毕业于爱荷华大学及波士顿大学，20 世纪60年代晚期开始讲授18世纪英语文学，后转入电影研究。他的作品雅俗共赏，内容涵盖政论、文学和戏剧等多方面，代表作有《闪回：电影简史》《美国电影大师》《戈达尔及其他：电影形式论文集》等。
焦雄屏，电影监制，台北艺术大学电影研究所教授。成功推动台湾新电影浪潮，也是台湾电影在国际上成功的关键人物。
她曾监制多部中港台电影，包括《十七岁的单车》《蓝色大门》《听说》《白银帝国》《侯孝贤画像》《禅?打》，此外也参与《阮玲玉》《苹果》《观音山》摄制，新作品是《超少年密码》。
她是著名的台北艺术大学电影研究所教授，并担任金马主席。她经常出任国际一流电影节的评审，也出席耶鲁、伯克利、哈佛、UCLA等名校学术会议及演讲。1993年她曾担任过台湾电影年的执行长，大规模培养台湾至今在一线工作的制片、录音、摄影、美术、动画、表演人才，并出版了一系列台湾电影史丛书，推动数十个台湾电影在外国的专题展，电影数字数据库，替台湾电影打下日后蓬勃的基础。
她出版书超过八十本，获颁母校美国德州大学奥斯汀分校赫斯特大奖，中国《南方都市报》十年电影贡献奖，印度影展终生成就奖，People之“菁钻”大奖，《天下》杂志台湾千禧年有影响的200人物之一，以及2013年台北电影节卓越贡献奖。
近来在视频网站主持《聚焦》对谈节目，广受观众欢迎与媒体关注。

目录

致中国读者
译者序
前言
第—章摄影
1.1现实主义和形式主义
1.2镜头
1.3角度
1.4光与影
1.5彩色
1.6镜片、滤镜及底片
1.7特殊效果
1.8电影摄影师
延伸阅读
第二章场面调度
2.1景框
2.2构图和设计
2.3区域空间
2.4距离关系
2.5开放与封闭的形式
延伸阅读
第三章运动
3.1运动感觉
3.2摄影机运动
3.3动作的机械扭曲
延伸阅读
第四章剪辑
4.1连续性
4.2格里菲斯与古典剪辑
4.3苏联蒙太奇与形式主义传统
4.4巴赞与现实主义传统
4.5希区柯克的《西北偏北》：分镜表
延伸阅读
第五章声音
5.1历史背景
5.2音效
5.3音乐
5.4歌舞片
5.5语言
延伸阅读
第六章表演
6.1剧场与电影表演
6.2美国明星制度
6.3表演风格
6.4选角
延伸阅读
第七章戏剧
7.1时间、空间及语言
7.2导演
7.3布景与装置
7.4戏服与化妆
延伸阅读
第八章故事
8.1叙事学
8.2观众
8.3古典模式
8.4现实主义叙事
8.5形式主义叙事
8.6非剧情叙事
8.7类型与神话
延伸阅读
第九章编剧
9.1编剧
9.2电影剧本
9.3《西北偏北》：阅读剧本
9.4象征、比喻
9.5观点
9.6文学改编
延伸阅读
第十章意识形态
10.1“左一中一右”
10.2文化、宗教及种族
10.3女性主义
10.4同性恋解放
10.5基调
延伸阅读
第十一章理论
11.1现实主义理论
11.2形式主义电影理论
11.3作者论
11.4折衷及综合理论
11.5结构主义和符号学
11.6历史学
延伸阅读
第十二章综论：《公民凯恩》
12.1摄影
12.2场面调度
12.3摄影机运动
12.4剪辑
12.5声音
12.6表演
12.7戏剧
12.8故事
12.9编剧
12.10意识形态
12.11评论
延伸阅读
重要词汇
图例索引
出版后记

序言

我刚开始教书时，手边缺一本完整的电影教科书。于是我影印了这本英文书《认识电影》（Understanding Movies，这是我认为）的部分，在课堂中半教电影半教英文困难地上课。学生和我都痛苦不堪。这使我下决心一定要译出一本优良教科书来。这就是《认识电影》在台流行之由来，因为它出版后颇受欢迎，不仅电影系学生看，许多爱好电影的观众也爱看。不但差点入选当年十大好书，而且年年成为电影系列指定参考书，连大陆也出现盗版。
如今，电影书籍琳琅满目，《认识电影》却始终非常*销，令人欣慰。而当初与我一同奋斗的学生现在也都已踏入各种专业的领域，有做导演的，有做剧场的。一代一代大家仍在读更新版的《认识电影》，而我也一而再再而三地译注、校订新的更动。我只希望贾内梯先生别更动那么快，刚换完新版，更新一版又出来了。好累！
也值得，因为它的确是本入门好书，简单易懂，一目了然。现在大陆终于出了新版本。愿大家在电影世界中体会更多，得到更多！

焦雄屏
2007年9月2日

电影的魔力与技艺：探索光影世界的深度指南 本指南旨在带领读者深入探索电影这一迷人艺术形式的本质、历史脉络、创作技法与未来趋势。它并非对某一特定教材的复述或替代，而是立足于电影学、美学、技术与产业的广阔领域，提供一套系统且全面的知识框架。我们将着眼于电影的通用原理，而非某个特定版本的教学内容。 --- 第一章：电影的诞生与演进——光影的百年旅程 电影自诞生之日起，便承载着记录时代、诉说故事的巨大能量。本章追溯电影艺术的起源，探究从卢米埃尔兄弟的早期纪录到梅里爱的奇幻实验，再到电影语言的初步确立。 1.1 早期探索与技术奠基 运动的捕捉与重现： 重点阐述光学原理在早期摄影术和活动电影放映机中的应用，如活动视镜（Zoetrope）与留存效应（Persistence of Vision）。 卢米埃尔的纪实精神： 分析《火车进站》等影片如何确立了“记录现实”的电影基础。 梅里爱的幻觉艺术： 探讨特效的萌芽，以及如何利用剪辑和场景调度创造非现实的叙事空间。 1.2 默片时代的艺术高峰 默片时期是电影语言的“母语”形成阶段。在本节，我们将深入解析无声电影如何通过精湛的表演、富有张力的配乐（Live Music）和成熟的剪辑技巧来传达复杂的情感和叙事。 格里菲斯与叙事结构的成熟： 研究《一个国家的诞生》等作品中，平行剪辑、景别变化、特写镜头等核心语法是如何被系统化应用的。 表现主义的视觉冲击： 以德国表现主义电影（如《卡里加里博士的小屋》）为例，探讨布景、灯光如何外化人物的内心冲突与时代焦虑。 蒙太奇理论的激辩与实践： 对库里肖夫实验、爱森斯坦的“碰撞蒙太奇”进行理论梳理，理解镜头组合超越单一画面的意义。 1.3 有声电影的革命与类型片的定型 声音的引入不仅是技术的进步，更是叙事维度的拓展。本章随后分析声音如何重塑电影的节奏、角色塑造和题材选择。 声音的整合与实验： 讨论早期有声片在处理对白、音乐和环境音效时的挣扎与创新。 好莱坞黄金时代的辉煌： 梳理经典好莱坞的制片厂制度，重点分析黑色电影（Film Noir）、西部片、歌舞片等主要类型片的美学特征和文化功能。 --- 第二章：电影的语法——视觉叙事的深度剖析 电影的魅力在于其独特的叙事机制，它通过组织时间、空间和视觉元素来构建意义。本章专注于拆解电影语言的基本构成要素。 2.1 镜头：电影的最小单位 镜头是电影的“词汇”。我们将详细探讨不同景别（特写、中景、全景）如何引导观众的注意力，并分析视角（Point of View, POV）对观众代入感的影响。 运动镜头的作用： 摇摄（Pan）、移摄（Tilt）、跟拍（Tracking）等如何创造动感、揭示空间关系或跟随人物心绪。 焦点的运用： 浅景深与深景深在突出主体和展示环境信息中的调度策略。 2.2 剪辑：时间的艺术与节奏的构建 剪辑是赋予素材生命力的关键步骤，它决定了故事的流畅性、冲突的强度和情感的累积。 连续性剪辑（Continuity Editing）： 阐释180度线、轴线原则等如何确保观众在空间上不产生迷失感，维持叙事的“隐形”流畅性。 非连续性剪辑的表达： 分析跳切（Jump Cut）、交叉剪辑（Cross-Cutting）等手法在制造不安、加速节奏或建立因果关系时的强大效力。 2.3 场面调度（Mise-en-scène）：银幕内的一切 场面调度是导演对画面内所有元素的整体设计，它体现了导演的哲学观和审美取向。 布景、服装与道具： 分析这些元素如何作为角色的象征或环境的隐喻。 灯光设计的美学功能： 区别三点布光、伦勃朗光、逆光等技术，以及它们如何塑造人物情绪（例如，高调光与低调光）。 演员的表演： 探讨从默片时代的夸张表演到写实主义表演的演变，以及导演如何指导演员在镜头前的空间感和身体语言。 --- 第三章：电影的类型与流派——全球视野下的风格探索 电影的发展是一个不断产生新流派、并对旧有流派进行解构和重塑的过程。本章将提供一个跨文化的流派概览。 3.1 欧洲的艺术电影浪潮 欧洲电影往往更侧重于哲学思考和对人性的深刻挖掘。 意大利新现实主义： 关注二战后社会底层民众的真实生活，探讨其对后世纪录片和写实主义的影响。 法国新浪潮（Nouvelle Vague）： 分析其对传统叙事规范的打破，如“作者论”（Auteur Theory）的兴起，以及对即兴表演和非线性叙事的推崇。 3.2 亚洲电影的独特美学 亚洲电影贡献了极具辨识度的叙事模式和视觉语言。 日本电影的禅意与形式： 研究小津安二郎的“低机位”和“座席镜头”，以及黑泽明对史诗叙事和动态场面的掌控。 新浪潮与艺术电影的多元性： 简要涉及如印度新电影运动、伊朗电影等在不同社会背景下对电影媒介的探索。 3.3 当代电影的混合与实验 进入当代，类型界限日益模糊，技术驱动的视觉奇观与个人化的作者表达并存。 后现代主义的解构： 探讨如何通过元叙事（Meta-narrative）和对经典元素的引用来质疑既有文化权威。 独立电影的崛起： 分析低成本制作如何在叙事和风格上追求极致的个人化表达，挑战主流商业模式。 --- 第四章：电影制作的幕后工程——从概念到银幕 成功的电影是无数专业工种协作的结果。本章将概述电影制作的流程和关键技术环节。 4.1 前期准备：构思与蓝图 剧本的结构与发展： 分析三幕式结构、人物弧光以及如何将抽象概念转化为可拍摄的场景描述。 分镜头设计（Storyboarding）与预可视化（Pre-visualization）： 解释这些工具如何精确规划复杂的镜头调度，节省现场时间。 4.2 拍摄现场：技术与执行 导演与摄影指导（DP）的合作： 阐述两者如何共同决定镜头语言、光线选择和摄影机运动，以服务于叙事意图。 声音的现场采集： 探讨同期录音的重要性，以及如何为后期制作预留高质量的声音素材。 4.3 后期制作：魔法的最终实现 后期制作是电影得以成型的关键阶段。 剪辑室内的重塑： 再次强调剪辑师在重排、筛选素材中对故事节奏和情感张力的最终控制权。 声音设计与混音： 深入讲解拟音（Foley）、音效设计和音乐（Score）是如何与画面元素交织，构建完整的听觉世界。 视觉特效（VFX）与调色（Color Grading）： 分析数字技术在创建现实世界中无法实现的场景（VFX）以及通过色彩来统一影片基调、烘托氛围（调色）中的决定性作用。 --- 第五章：电影的未来与产业生态 电影艺术的生命力在于其适应新技术和新市场的能力。本章展望电影媒介的未来形态。 5.1 数字化转型与沉浸式体验 数字摄影与高帧率（HFR）： 讨论这些技术对传统电影美学构成的挑战与机遇。 虚拟现实（VR）与空间叙事： 探讨电影制作人如何利用新的交互媒介拓展叙事边界。 5.2 电影的全球发行与观众关系 流媒体平台的影响： 分析流媒体如何改变了电影的“窗口期”概念，以及对院线发行模式的冲击。 观众的参与和再创作： 探讨粉丝文化、二次解读和社交媒体在当代电影文化传播中的角色。 本指南致力于提供一个全面、深入且富有启发性的电影知识体系，帮助读者不仅能“看电影”，更能“读懂电影”，理解其背后的复杂工艺与深层文化意涵。

评分☆☆☆☆☆

这本《认识电影》（第11版，插图版）简直是为我这种电影发烧友量身定做的，尤其是那些渴望深入了解电影制作幕后故事的读者。我一开始还担心内容会过于学术化，毕竟“影视课程教材”听起来就有点让人望而却步，但翻开书才发现，作者的叙事方式非常平易近人。他们没有堆砌晦涩难懂的理论术语，而是巧妙地将复杂的电影技术和艺术概念融入到具体的案例分析中。比如，关于场面调度那一部分，书中引用了大量经典影片的镜头截图作为视觉辅助，让你能立刻理解导演是如何通过演员的走位、景深的处理来构建叙事张力的。我特别喜欢它对不同电影流派的梳理，从默片时代的蒙太奇到新浪潮的即兴手法，作者都进行了清晰的脉络梳理，让一个自诩看了不少片子的人，也能从中发现许多过去被忽略的细节。这本书的插图质量极高，很多都是高分辨率的剧照或者技术图解，这对于提升阅读体验来说是巨大的加分项。感觉就像是手里拿着一个私人定制的电影导览手册，随时可以暂停下来，对照书本研究一下某个经典镜头的奥秘。这本书绝不仅仅是一本教科书，更像是一本能让你重新审视自己收藏夹里那些老电影的“解码器”。

评分☆☆☆☆☆

我最近入手这本书，主要是想系统性地梳理一下自己对电影叙事结构混乱的理解。市面上很多电影理论书要么是纯粹的理论堆砌，读起来枯燥乏味，要么就是只关注某个特定导演或某部作品的深度解读，缺乏宏观的视野。而这本第11版恰恰填补了这种空白。它对“情节线”、“人物弧光”以及“主题深化”这几个核心概念的阐述，简直是教科书级别的清晰。我最欣赏的是它对“视听语言”的解析，作者似乎非常擅长于“翻译”那些无声的电影技巧。例如，在讨论声音设计时，它不仅仅停留在“环境音”、“对白音”的分类上，而是深入探讨了“心理声景”如何服务于角色的内心活动，这一点对我写影评或者进行创作构思时启发极大。书中的排版设计也充分考虑到了读者的阅读习惯，关键术语都会有醒目的标注，而且页边留白适中，方便读者随时做笔记和批注。我已经把这本书的几个章节反复看了好几遍，每一次都能在之前的基础上获得新的认识，这绝对是一本可以伴随职业生涯成长的参考书，而不是读完就束之高阁的快餐读物。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书是带着一点点对“旧版”教材的怀旧情结，希望看看新的版本在与时俱进方面做得如何。让我惊喜的是，它在保留了电影艺术经典理论根基的同时，对当代电影现象的关注度也非常到位。比如，关于数字技术对摄影美学的影响、独立电影融资模式的变迁，以及网络流媒体平台对叙事节奏的重塑等议题，书中都有涉及到，这保证了内容的前沿性。我特别关注了它对“类型片”的分析部分，不同于以往将类型片视为刻板公式的讲解方式，作者这次引入了更多跨文化的视角，探讨了如“赛博朋克”这类全球化类型片如何在不同地区产生变异和发展，这极大地拓宽了我的视野。对于一个长期关注亚洲电影和实验电影的读者来说，能在这样一本主流教材中看到对非好莱坞体系的充分重视，实在难得。这本书的价值在于它提供了一个平衡的、全球化的视角，让你既能理解经典的好莱坞叙事范式，也能欣赏世界各地光影艺术的独特魅力。

评分☆☆☆☆☆

对于我这种从纪录片制作转入剧情片学习的跨界人士来说，理解“虚构”的逻辑至关重要，而这本书在处理虚构叙事与纪实手法之间的边界时，展现出了极高的专业水准。书中对“真实感”的探讨，不光涉及布景和服装的考据，更深入到表演的“可信度”层面，它用细致的文字描述了演员如何通过微表情和身体语言来建立角色的内在真实性。我个人认为，这本书对于想从事编剧工作的人来说，具有不可替代的价值。它不只是教你“如何写故事”，而是教你“如何用影像的语言来呈现故事的内核”。书中穿插的一些“导演笔记”或“制作人反思”的小栏目，更是提供了宝贵的行业内幕视角，让你明白艺术构想是如何在预算、时间、演员档期等现实约束下最终成型的。这些实操层面的洞见，是纯粹的学院派理论书所无法企及的。读完后，我感觉自己对电影制作的整个链条，从概念萌芽到最终银幕呈现，都有了一种更全面、更具同理心的理解。

评分☆☆☆☆☆

我不得不提一下这本书的装帧和纸张质量，这对于一本需要频繁翻阅和携带的“工具书”来说至关重要。封面设计低调而富有质感，内页用纸相当考究，即使是那些复杂的黑白技术图，在印刷出来后依然保持了极高的清晰度和对比度，完全没有传统教材那种廉价的“白纸油墨味”。我是一个习惯在咖啡馆里边听音乐边阅读的人，这本书的开本和重量控制得恰到好处，不会像某些精装大部头那样笨重到让人望而生畏。更重要的是，它所提供的深度阅读体验是无与伦比的。它教会了我如何进行“主动观看”，而不是被动接受。当你读完关于剪辑理论那一章后，你再去看任何一部精心制作的影片，都会不自觉地去分析那些转场、跳切背后的情感驱动力。这本书的伟大之处不在于告诉你“这部电影是好是坏”，而在于它为你提供了分析和判断的“工具箱”，让你自己成为那个拥有最终解释权的人。