清华大学教育培训动漫影视系列教材：动画造型设计与动画场景设计 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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吴冠英，王筱竹 编

图书标签:

• 动画设计
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• 清华大学
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• 影视动漫
• 美术设计
• 角色设计
• 场景设计

出版社： 清华大学出版社

ISBN：9787302212676

版次：1

商品编码：10400017

品牌：清华大学

包装：平装

开本：16开

出版时间：2009-12-01

页数：120

正文语种：中文

内容简介

《动画造型设计与动画场景设计》讲述了：动画造型设计是动画创作中极为重要的一部分，是一部动画片制作的基础。动画造型设计的目的就是要赋予每一个动画角色独特的艺术感染力与生命力，无论动画造型的风格如何变化，作为人的精神与情感的共同载体这一本质是不变的，抓住这一点是动画造型设计的核心。动画造型设计的成功与否在某种程度上决定了一部动画片的成败，因此，掌握造型设计的要义、方法与技能对于从事动画行业的设计师尤为重要。
动画场景设计是指动画片中除角色造型之外的一切物象的造型没计。动画场景设计按照设定的美术风格展开剧情，为每一个镜头的角色表演提供活动空间，包含场景造型、色彩、色调等所有构成元素的设定，主要功能为营造气氛，是一门为完成戏剧冲突、刻画角色性格提供服务的时空造型艺术。在动画设计中动画场景设计与动画造型设计扮演了同样重要的角色，甚至有些动画片尤其以场景设计取胜。
《动画造型设计与动画场景设计》探讨了动画造型设计和动画场景设计的普遍规律，并结合实践经验与案例，深入浅出，为相关动画设计人员提供参考和指导。《动画造型设计与动画场景设计》既可作为动画设计培训教材，也可作为对动画设计感兴趣人员的自学用书。

目录

第1篇 动画造型设计
第1章 动画造型设计概论
第2章 动画造型设计的艺术特征与风格类型
第3章 二维动画造型设计
3.1 漫画风格
3.1.1 符号化特征
3.1.2 造型语言简洁丰富
3.1.3 影像效果及表现力
3.1.4 结构与体面关系
3.1.5 表情刻画
3.1.6 角色的组合关系
3.1.7 造型系列化
3.1.8 联想创造角色造型
3.2 写实风格
3.2.1 人物造型
3.2.2 动物造型
3.2.3 幻想角色造型
3.3 色彩设定
3.4 场景的契合
3.5 造型的绘画性
3.6 格式规范
3.6.1 漫画风格造型设定
3.6.2 写实风格造型设定

第4章 3D动画造型设计
4.1 漫画风格与写实风格
4.2 动画造型设计步骤
4.2.1 角色研究
4.2.2 素描稿绘制
4.2.3 建模
4.2.4 材质设定
4.2.5 光、色的运用
角色造型作业

第2篇 动画场景设计
第5章 动画场景设计
第6章 动画场景设计的风格类型与历史演变
6.1 日本动画中的场景
6.2 欧美动画中的场景
6.3 扣国学派

第7章 动画场景设计基础
7.1 工具
7.2 透视
7.2.1 透视概论
7.2.2 “线”与“点”
7.2.3 平行透视与余角透视
7.2.4.焦点透视与散点透视
7.2.5 运动镜头中的透视
7.3 构图
7.3.1 画II幅规格
7.3.2 景别
7.3.3 平面构图法
7.3.4 纵深构图法
7.4 色彩85
7.4.1 色彩要素
7.4.2 色彩对比
7.4.3 色彩调和
7.4.4 色彩心理

第8章 动画场景设计创作
8.1 总体设计思维
8.1.1 剧本依据
8.1.2 时代背景与地域特征
8.2 动画场景造型设计
8.2.1 动画场景的造型手法
8.2.2 动画场景造型的归纳
8.2.3 装饰化造型
8.2.4 道具造型设计
8.3 动画场景色彩的归纳与色调处理
8.4 光影的应用
8.5 动画场景中的细节设计

第9章 动画场景设计表现技法
9.1 草图设计
9.2 动画场景设计稿绘制
9.2.1 主场景方位结构图
9.2.2 鸟瞰图
9.2.3 其他场景设计
9.3 3D动画技术的应用

第10章 定格动画设计与制作
1.1 定格动画的定义与历史发展
1.2 定格动画的材料语言
1.3 制作流程
1.3.1 前期设计
1.3.2 中期制作
1.3.3 后期合成
1.4 定格动画作品推荐
动画场景设计作业
参考文献

精彩书摘

造型的结构包含两个方面：一是指外在的形态结构；二是指各部分具体的结构。第一部分主要解决造型的大结构和比例关系是否合理恰当：第二部分则侧重内在的结构，如骨骼、关节及局部的结构，内在结构关系到角色的动作和表情的设计（图3-19）。如果角色造型为客观现实中的物体，其本身的结构可以作为设计时的参照，可以在此基础上添加或删减其中的组成元素并进行夸张与变形；幻想中的角色造型则无现实中的物体可以参照，而是需要通过想象完成它们的造型，其中结构的作用尤为重要。通常说，在设计角色造型时一定要有“动”的意识，因为动画中的角色性格基本通过动作来体现。而结构的重要性在于为角色表演提供了特有的模式，它的整体动作、姿态、情态的设计，包括头部的常态、非常态的表情变化这些环节都与角色的造型结构有关系。因此，结构能决定角色的运动规律，原画部门可以根据造型的结构特征提示进行角色的动作设计。为适应于当前动画影片中全景式构图和镜头运动的需要，角色造型也要求多向度、多体面地塑造结构关系。造型设计师除了绘制设计稿通常还将角色造型制作成雕塑，以便于从各个角度对造型结构进行推敲和修正。制作角色的立体模型能够开拓空间思维，有助于二维动画的创作，同时也为原画部门的动作设计工作提供了方便。

前言/序言

　　每部引人入胜又能给人以视听极大享受的完美动画片，均是建立在“高艺术”与
　　高技术”的基础上的。从故事剧本的创作到动画片中每一个镜头、每一帧画面，都必须经过精心设计。而其中表演的角色，也是由动画家“无中生有”地创造出来的。因此，才有了我们都熟知的“米老鼠”和“孙悟空”等许许多多既独特又有趣的动画形象。同时，动画的叙事需要运用视听语言来完成和体现。因此，镜头语言与蒙太奇技巧的运用，是使动画片能够清晰而充满新奇感地讲述故事所必须掌握的知识。另外，动画片中所有会动的角色，都应有各自的运动形态与规律，才能构成带给人们无穷快乐的具有别样生命感的活的“精灵”。而对于对动画的创作怀着“痴心”的朋友来说，要经过系统严谨的专业知识学习和有针对性的课题实践才能逐步掌握这门艺术。此套“清华大学教育培训动漫影视系列教材”的编写，就是基于对国内外动漫游戏相关行业对人才必须具备的专业知识与掌握的必要技术的充分的调研基础上，并特别邀请了北京相关院校、行业内及文化部、教育部的专家进行认真讨论，对此套教材的定位、内容作审定工作，集中了清华大学美术学院、北京电影学院动画学院、北京印刷学院设计艺术学院等院校的富有专业教学和实践经验的一线教师进行编写。充分体现了他们最新的教学与研究成果。
　　此套教材突出了案例分析和项目导人的教学方法与实际应用特色，并融人每一个具体的教学环节之中，将知识和实操能力合为一个有机的整体。不同的教学模块设计更方便不同程度的学习者的灵活选择，保证学以致用。当然，再好的教科书都只能对学习起到辅助的作用，如想获得真知，则需要倾注你的全部精力与心智。

电影与叙事艺术概论：光影背后的故事构建 图书简介 本书旨在为对电影、戏剧、乃至一切叙事艺术形式抱有浓厚兴趣的读者提供一个全面而深入的理论框架。我们关注的焦点并非具体的制作技术，如动画软件操作或角色造型的笔触细节，而是支撑一切视觉和听觉表达的底层逻辑——叙事与意义的构建。 全书分为四大核心板块，层层递进，引导读者从宏观的艺术史观深入到微观的叙事单元分析。 第一部分：叙事学的基石——从神话到银幕 本部分追溯了人类叙事传统的演变，将电影视为人类最年轻也最具冲击力的叙事媒介。 1. 叙事学的理论起源： 我们将详细剖析结构主义叙事学（如格雷马斯的行为结构模型）与功能主义叙事学（如普罗普的民间故事功能分析）的基本概念。讨论“故事”（Story）与“话语”（Discourse）的区分，理解创作者如何通过对时间、视点和节奏的操纵来重塑原始事件序列。 2. 经典叙事结构的解析： 重点探讨约瑟夫·坎贝尔的“英雄之旅”在现代影视作品中的变体与挑战。我们将分析三幕剧结构（建立、对抗、解决）的内在张力机制，并引入更复杂的、打破线性叙事的结构模型，例如环形叙事、非线性叙事，以及如何利用“迷宫式结构”来表达现代人的疏离感。 3. 媒介的历史语境： 考察不同媒介对叙事的影响。从舞台剧的舞台空间限制到小说对内心独白的依赖，再到电影如何通过蒙太奇实现时空的跨越。我们将分析默片时代如何仅凭肢体语言和场景调度进行复杂的情感传递，以及有声电影如何引入对话这一新的叙事维度。 第二部分：视觉语言的语法——摄影与空间呈现 本部分侧重于将抽象的叙事意图转化为具体的视觉语言。这不是关于如何操作摄像机，而是关于摄像机如何“思考”和“感受”。 1. 镜头语言的语义学： 详细分析各种经典镜头类型（特写、中景、远景、低角度、高角度）所携带的情感重量和叙事功能。探讨视点（POV）的运用，以及“不可见性”原则——即当摄影机应该“消失”时，它如何有效地完成任务，以及在何时故意“暴露”自身的存在感以达到特定的艺术效果。 2. 空间叙事与场域心理： 讨论环境设计如何参与叙事。场景并非只是背景，而是角色的延伸和命运的预示。分析密闭空间（如密室、地窖）与开放空间（如荒野、广场）如何影响角色的行动自由和心理状态。重点研究透视法、景深和焦点选择对观众注意力引导的微妙作用。 3. 光影的隐喻： 深入探讨光线作为叙事元素的潜力。分析高调光（High Key）和低调光（Low Key）在营造氛围和暗示角色道德倾向上的差异。研究逆光、侧光如何雕塑人物形态，以及色彩学在特定文化语境下对情感色彩的强化作用。 第三部分：时间与节奏的编排——剪辑的艺术 剪辑是电影制作中真正实现“时间控制”的环节，也是叙事张力产生最关键的场所。 1. 蒙太奇理论的深度剖析： 不仅仅停留在爱森斯坦的“冲突蒙太奇”，我们将探讨各种剪辑理论——从情感冲击到逻辑推导。解析如何通过“平行剪辑”来创造对比或同步，以及“交叉剪辑”如何构建悬念。 2. 节奏与流速控制： 探讨镜头长短对叙事体验的影响。快速剪辑如何制造焦虑和高潮，而长镜头如何要求观众投入更深层次的沉思。分析“情节场面”与“情绪场面”中节奏的不同调性。 3. 声音与画面的耦合： 讨论声音设计如何与画面剪辑协同工作。解析不同类型的音画关系：同步声、非同步声、画外音（Voiceover）在叙事中承担的角色。理解配乐如何介入并引导观众对画面内容的解读方向。 第四部分：主题与深层意义的挖掘 本部分超越技术层面，探讨艺术作品如何与时代精神、哲学命题进行对话。 1. 主题的显现与潜藏： 分析主题（Theme）如何通过情节、人物行为和视觉符号层层渗透出来。区分显性主题（如对战争的控诉）和潜藏主题（如存在主义的焦虑）。 2. 人物弧光的结构性必要性： 探讨角色驱动叙事的重要性。分析“人物弧光”（Character Arc）的内在驱动力，理解角色在面对核心冲突时必须做出的关键选择，以及这些选择如何定义其最终形态。着重分析反英雄和静态人物在不同类型叙事中的功能。 3. 艺术的模糊性与开放性解读： 最后，本书鼓励读者批判性地看待既有叙事范式。探讨艺术作品的“开放性结构”，即优秀的作品如何为观众留下解读空间，允许不同的文化背景和个人经验参与到意义的最终完成过程中。 本书适合于电影系学生、戏剧爱好者、创意写作从业者，以及所有希望提升自己对视觉文化产品分析深度的普通读者。它提供的工具，是让你能看穿光影的技法，直达故事内核的哲学路径。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经工作了一段时间的设计师，我原以为这种高校教材对我而言可能略显基础，但当我翻阅到关于“多媒体叙事结构中的元素整合”时，才发现自己知识体系中的盲点。很多时候，我们在实际工作中追求效率，会牺牲掉一些精细的打磨过程。这套教材提供了一个近乎完美的标准范本，展示了如何将角色设计、环境设定、镜头语言乃至声音设计元素进行有机的、互文性的整合。书中对一个复杂镜头的解构分析，像外科手术一样精准，清晰地划分了每一个视觉元素的职责和它们相互间的关系。我特别留意了其中对“视觉节奏控制”的论述，它不仅关注静态画面的美感，更关注序列画面流动时带来的冲击力与韵律感。这种系统化、宏观的视角，对于那些已经掌握了基础技法，渴望向专业制作人或导演级别提升的进阶学习者来说，提供了宝贵的理论支撑和参照系，帮助我们跳出单一技能的局限，站在更高的维度去审视整个创作流程。

评分☆☆☆☆☆

我个人是那种偏爱动手实践胜过死抠理论的“野路子”学习者，很多传统的教程对我来说过于枯燥，充满了晦涩的术语。然而，这套教材在处理复杂概念时展现出的非凡耐心和清晰度，彻底颠覆了我的固有印象。比如，它在讲解“角色动态捕捉与夸张化处理”时，并没有直接抛出复杂的几何学原理，而是从观察生活中人们的典型姿态入手，逐步引导我们理解如何提炼出最具表现力的线条。特别是其中对“叙事性动态”的剖析，简直是醍醐灌顶。作者没有使用那种高高在上的说教语气，而是像一位经验丰富的导师在耳边细语，每一个步骤的推演都充满了逻辑性，同时又饱含着对艺术的激情。我尝试按照书中的步骤去绘制了一个简单的追逐场景，原本僵硬的动作线条，立刻变得生动起来，仿佛有了生命力。这种以实践为导向、以问题为核心的教学思路，无疑大大缩短了理论到应用之间的距离，对于想快速上手并看到成果的初学者来说，是极大的鼓励。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和内容都表明它是一套服务于严肃学习者的教材，而非市面上那些追求快速爆款的“速成秘籍”。因此，它对学习者的基础要求是有的，但这种要求并非是阻碍，而是一种筛选和保护机制——它筛选出那些真正愿意沉下心来打磨技艺的人。我欣赏作者团队的这份“克制”，他们没有为了迎合市场而牺牲内容的深度。比如，书中对传统美术史中某些经典构图的引用，虽然初看可能让人觉得“老派”，但深入理解后，会发现这些经典原则才是解决现代设计难题的万能钥匙。我尝试用书中提到的“黄金螺旋”来重新设计一个宣传海报的布局，结果发现画面立刻获得了更强的稳定感和视觉吸引力。总而言之，这是一本需要时间去消化、需要反复翻阅去体会的“慢读”之书。它提供的不是即时的答案，而是解决未来所有问题的思考框架，这才是顶尖教育资源最宝贵的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

与其他一些侧重于软件操作技巧的教程相比，这套教材更注重“设计思维”的培养，这一点令我尤为欣赏。现在的很多培训资料，往往陷入了工具的奴役，教你如何使用某个软件的某个功能，却很少探讨“为什么”要这么设计。而这本书的核心价值，恰恰在于它对设计背后意图的深度挖掘。它引导读者去思考，一个场景的氛围如何通过光照、景深和色彩饱和度来暗示故事的情绪走向，而不是简单地告诉我“用Photoshop的曲线工具怎么调亮”。这种对底层逻辑的强调，使得所学知识具有极强的迁移性，即使未来软件更新换代，其核心的设计原则依然适用。我花了很长时间研究其中关于“空间透视与叙事焦点”的章节，它教会我如何巧妙地利用画面的引导线将观众的目光锁定在关键信息上。这种对“设计语言”的精雕细琢，体现了清华大学在基础教育领域一贯的严谨与前瞻性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧实在让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，摸上去就感觉是下了真功夫的。我一直对国内高校出版物的印刷质量抱有某种“可以接受但并不惊艳”的期待，但这次《清华大学教育培训动漫影视系列教材》系列给我的感觉完全不同。封面设计简约而不失专业性，色彩搭配既有艺术感又不失学术的严谨。尤其是内页的纸张选择，那种微微的哑光处理，使得大量的插图和线条稿在不反光的情况下，细节展现得淋漓尽致，这对需要仔细揣摩结构和光影的设计学习者来说，简直是福音。我特意翻阅了其中关于色彩理论和构图基础的章节，作者在文字的阐述之外，用大量的对比图例进行辅助说明，这种图文并茂的编排方式，远比单纯的文字堆砌有效得多。它不仅仅是一本教材，更像是一本精美的画册，激发了学习者拿起笔的冲动，而不是仅仅停留在阅读层面。这种对阅读体验的重视，从侧面反映出编写团队对教育载体本身价值的深刻理解，值得所有追求高品质教材的出版机构学习和效仿。