具体描述
基本信息
- 商品名称：芥子园画传(1)
- 作者：(清)王概
- 定价：38
- 出版社：人民美术
- ISBN号：9787102012452
其他参考信息（以实物为准）
- 出版时间：2011-04-01
- 印刷时间：2011-04-01
- 版次：3
- 印次：22
- 开本：16开
- 包装：平装
- 页数：420
编辑**语
《芥子园画传》是清代一部**画谱，也是一本众所周知的很好的、作为中国画入门教材的绘画图谱著作。此书自问世后，就成为画家之**。 本书根据《芥子园画传》的论述与图版，重新进行去粗取精的编排，并在《芥子园画传》原有的图版边，再选配有关的历代大画家或整幅或局部的作品，一起进行说解。图文并茂，以求得*为明了的效果。
目录
序一
序二
画学浅说、设色
树谱
山石谱
人物屋宇谱
摹仿各家画谱
增广各家画谱六十六幅
跋
用户评价
我特别欣赏《芥子园画传》中对于“临摹”的重视。书中反复强调，临摹是学习中国画最重要、最有效的方法之一。它不仅仅是简单的复制，更是通过细致的观察和深入的体悟，来学习古人的笔墨技法、构图理念和审美情趣。我开始按照书中的建议，选择自己喜欢的范图进行临摹。在临摹的过程中，我不再仅仅满足于画出相似的轮廓，而是努力去理解每一笔的含义，每一墨的运用，每一个构图的巧妙。我反复地比较自己的临摹品和原作，找出不足之处，然后进行改进。这种“读画”式的临摹，让我受益匪浅。我发现，在临摹的过程中，我不仅提升了自己的绘画技巧，更重要的是，我对中国画的理解也得到了升华。我仿佛能够穿越时空，与古代的画家们进行一场无声的对话，汲取他们的智慧和经验。这种对临摹的深刻理解，让我觉得自己在绘画的道路上，找到了一个坚实的基础。
评分对于《芥子园画传》中关于“点景人物”的描绘，我更是赞不绝口。我一直觉得，山水画中的点景人物，虽然篇幅不大，但却能起到画龙点睛的作用，它们不仅能够增添画面的生活气息，更能够烘托出山水的意境和氛围。书中对于点景人物的姿态、服饰、以及如何与周围环境相协调，都进行了细致的讲解。我看到，那些或垂钓、或策杖、或远眺的人物，虽然寥寥几笔，却充满了生命力，仿佛真的融入了那山水之中，成为了画卷的一部分。我尝试着去模仿，去捕捉人物的动态神情，去体会如何用最少的笔墨勾勒出人物的姿态。这让我意识到，点景人物的描绘，并非是简单的装饰，而是对画作整体意境的一种补充和升华。一个恰到好处的点景人物，能够让原本孤寂的山水变得生动起来，能够引导观者的情感，让他们更容易进入画作所营造的意境之中。我开始在自己的山水画创作中，有意识地加入点景人物，并努力让它们与整体画面融为一体，起到画龙点睛的作用。
评分在研习《芥子园画传》的过程中，我深深体会到了中国画对于“笔墨”的极致追求。书中所强调的“笔墨韵味”，不仅仅是简单的线条和墨色，而是包含了画家对物象的理解、对情感的抒发、以及对人生哲理的感悟。我看到，书中对不同笔法的运用，例如“飞白”、“枯笔”、“涨墨”等等，都各有其独特的表现力。飞白能够表现出树干的苍劲，枯笔能够传达出岁月的痕迹，涨墨能够营造出水墨淋漓的意境。我尝试着去模仿，去体会用笔的力度和速度的变化，去感受墨色在纸上晕染的微妙之处。这让我明白，笔墨是中国画的灵魂，它不仅仅是绘画的工具，更是传达情感和意境的媒介。我开始更加注重对笔墨的锤炼，希望能够通过不断的练习，提升自己的笔墨功力，让我的画作更具“笔墨韵味”。这种对笔墨的追求，让我觉得自己在绘画的道路上，又迈进了一大步。
评分我特别惊喜于《芥子园画传》中对于“设色”的讲解。在我的认知中，中国画的设色，远比西方油画的直接堆叠要讲究得多，它更强调“以色助墨，以墨助色”，虚实相生，意境深远。书中对于不同颜色的运用，以及如何通过“染”、“皴”、“擦”等技法来达到丰富的色彩效果，都进行了深入浅出的介绍。我尤其对“淡染”和“重彩”的处理方式很感兴趣。淡染时，那种水墨与色彩交融，若隐若现的朦胧美，仿佛能将观者的思绪带入烟雨朦胧的山水之中。而重彩时，那种鲜艳明亮的色彩，又如何巧妙地运用，既不失古朴典雅，又能展现出蓬勃的生机，这其中的分寸感，让我受益匪浅。我尝试着用书中介绍的方法去为自己的画作上色，发现原来简单的颜色叠加，并不能达到理想的效果。需要通过多次的晕染，让颜色在纸上自然地渗透、融合，才能产生那种富有层次感和生命力的色彩。书中的范图，更是成为了我学习的绝佳范本，我仔细观察每一处色彩的过渡，每一层色彩的叠加，试图从中领悟古人对于色彩的独特理解和运用之道。这让我明白，色彩不仅仅是视觉的享受，更是情感的表达，是烘托画作意境的重要手段。
评分《芥子园画传》中的人物画部分，让我领略到了中国传统人物画的魅力。我一直觉得，人物画是绘画中最具挑战性的题材之一，因为它需要画家不仅要具备精湛的技艺，更要深刻地理解人性的复杂和情感的微妙。书中对于人物的五官、比例、动态、以及不同神情的描绘，都进行了详尽的讲解。我看到，那些不同朝代、不同身份的人物，都在画中栩栩如生，仿佛诉说着各自的故事。我尤其对书中关于“传神”的讲解印象深刻，如何通过眼神、表情、姿态来刻画人物的内心世界，这让我明白了人物画不仅仅是外形的描摹，更是内在精神的传达。我尝试着去模仿，去用笔墨勾勒出人物的喜怒哀乐，去赋予他们生命的气息。这种对人物形象的塑造，让我觉得自己的绘画创作，不再局限于山水花鸟，而是能够触及更广阔的人类情感世界。
评分《芥子园画传》中的花鸟画部分，让我看到了生命的另一种表现形式。我一直觉得，花鸟画不仅仅是对自然界花卉与禽鸟的描绘，更是画家内心世界的一种抒发，一种对生命的热爱和感悟。书中对于花卉的形态、色彩，以及鸟儿的动态、神情，都进行了非常细致的描绘。例如，对于牡丹的雍容华贵，对于梅花的傲骨寒香，对于竹子的挺拔清雅，都有着生动的表现。而对于鸟儿，更是捕捉到了它们灵动的一面，无论是振翅高飞，还是嬉戏枝头，都充满了生机。我尤其喜欢书中对于“写意”花鸟的讲解，那是一种不拘泥于形似的描绘，更注重捕捉花鸟的“神韵”。通过几笔写意的勾勒，就能传达出花朵的娇艳欲滴，鸟儿的活泼可爱。这让我意识到，绘画不仅仅是技巧的展现，更是情感的传递。我开始尝试着去用写意的手法来描绘花鸟，去捕捉它们瞬间的神态，去表达我对它们的热爱。这种对生命形态的描绘，让我觉得自己的创作更加饱满和富有情感。
评分这本书的封面设计，就如同它名字中的“芥子”二字一样，内敛却不失雅致。初见时，那素净的底色上，几笔淡雅的描绘，仿佛就把人带入了一个古色古香的园林之中，空气中弥漫着淡淡的书卷气息。翻开扉页，纸张的触感温润而厚实，散发着一种古籍特有的沉静，让我迫不及待地想一探究竟。我一直对中国传统绘画抱有浓厚的兴趣，尤其钟爱那些能够传承古人智慧与审美的画作。常听闻《芥子园画传》的大名，说它是中国画史上一部里程碑式的著作，涵盖了山水、花鸟、人物等多种题材，更重要的是，它是一部具有教学意义的画谱，对于初学者和进阶者都有着不可估量的价值。我常常在想，古人是如何将自然万物浓缩于笔尖，又如何将抽象的情感融入线条与色彩之中的。这本书，或许就能给我一些启示。它不仅仅是一本画册，更像是一位循循善诱的老师，一位穿越时空的引路人，将古人的绘画技法、构图理念、审美情趣一一呈现。我尤其期待它在山水画部分，能够详细讲解那些皴法、点苔的变化，如何用墨的浓淡干湿来表现山峦的巍峨、流水的潺潺；在花鸟画部分，又会如何捕捉花卉的娇嫩、鸟儿的神韵，让它们跃然纸上，栩栩如生。当然，人物画的精髓，那些传神的表情、优雅的姿态，也同样令我神往。这本书的出现，仿佛为我打开了一扇通往古代艺术殿堂的大门，我渴望在这扇门后，领略中华绘画的博大精深。
评分《芥子园画传》所传达的“师法自然”的理念，对我来说，是一种心灵的洗涤。书中反复提到，中国画的最终源泉在于对自然的观察和感悟。画家需要走出画室，去亲近山水，去观察花鸟，去体会生命的律动。我开始尝试着将书中的绘画理论与对自然的观察相结合。当我看到一棵姿态奇特的树，我会回想书中关于树干、树枝的描绘；当我看到一朵盛开的花，我会回想书中关于花瓣、花蕊的勾勒。这种将理论与实践相结合的学习方式，让我觉得自己的绘画创作，更加充满生命力。我不再仅仅依赖于书本上的范图，而是能够将自己对自然的理解和感悟，融入到绘画之中。这种“外师造化，中得心源”的创作理念，让我觉得自己的绘画，真正拥有了属于自己的灵魂。
评分《芥子园画传》在构图方面的指导，对我而言，犹如打开了一扇新的视角。我一直觉得，一幅好的画作，不仅仅在于笔墨的精湛，更在于其整体的“气韵”和“章法”。书中对“经营位置”的阐述，让我意识到，构图并非是随意为之，而是有着严谨的法度可循。它涉及到如何安排景物的远近、大小、疏密，如何利用“留白”来营造空间感和呼吸感，如何通过“断”与“连”来引导观者的视线。我特别喜欢书中对于“势”的讲解，如何让画面中的景物相互呼应，形成一种自然的流动和起伏，使得整幅画作具有一种内在的张力和生命力。我开始尝试着去分析书中的范图，找出其中构图的巧妙之处，例如，为什么作者会选择这样的角度来描绘一座山，为什么会在某个位置放置一棵树，为什么会留下大片的空白。这些看似不经意的安排，背后都蕴含着深厚的构图智慧。我开始在自己的创作中，有意识地运用这些构图原则，尝试着去打破以往的习惯，去追求更加大气、更加富有张力的画面。这种对构图的深入理解，让我觉得自己的绘画不再是零散的点线组合，而是开始拥有了一个整体的灵魂。
评分在翻阅这本《芥子园画传》时，我被其内容中所蕴含的严谨与细腻深深吸引。它不仅仅是简单的图画堆砌，更像是一套系统化的教学体系，从基础的线条勾勒，到复杂的设色晕染，都进行了详尽的阐释。我特别留意了其中关于“用笔”的部分，那对于不同笔触的讲解，例如“方折”、“圆转”、“顿挫”等等，不仅仅是文字的描述，更是通过大量的范例图来直观地展示。我能感受到，作者在每一笔一画中都倾注了极大的心血，力求让读者能够清晰地理解其中的奥妙。那些看似简单的几笔，却蕴含着丰富的变化和表现力，这让我对“少即是多”的中国画艺术理念有了更深的体会。书中所展示的各种“皴法”，更是让我惊叹不已。每一处“皴”都对应着不同的山石纹理，有的如斧劈，有的如披麻，有的如雨点，有的如米点。我试图去模仿，去体会那种用笔的力度和节奏，感受着自己手下的线条如何逐渐勾勒出山峦的坚硬轮廓和土地的温润质感。这让我明白，绘画并非只是简单的模仿，更重要的是对物象的理解和感悟，然后通过娴熟的技法将其转化为艺术形象。我常常在练习时，会反复对照书中的范图，琢磨每一个转折，每一次提按，希望能够逐渐掌握其中的精髓。这种精益求精的态度，不仅仅体现在绘画技法上，也体现在对物象观察和理解的深度上。
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