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刘涛 编

图书标签:

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出版社： 人民美术

ISBN：9787102067520

商品编码：24834602929

开本：16

出版时间：2014-06-01

产品特色

基本信息

• 商品名称：极简中国书法史
• 作者：刘涛
• 定价：39
• 出版社：人民美术
• ISBN号：9787102067520

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2014-06-01
• 印刷时间：2014-06-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：199

编辑**语

刘涛编著的《极简中国书法史》从文字的起源与功能变化、书体的演变发展与兴衰*替、书写主体的变化及书家的风格特点与文脉传承、帝王的喜好风尚及其影响等方面出发，清晰呈现了书法之发展脉络及其实用与艺术并重的双重特点，展现出了承载千年中国文化艺术精神的书法艺术的独特魅力。

内容提要

一本极简单又极不简单的书。字体为纬，时代为 经，如一串串闪光的珍珠，串起千年书法史。
     《极简中国书法史》虽小，却像一座富饶的矿山 ，繁忙时随手采撷，不费时，不费力，入手皆是宝贝 ；有暇时，可以深挖，一层一个境界。
     书法史学者刘涛先生以其深厚的功底，拈出几条 主线，剔除芜杂：熔铸成薄薄一册，便于读者轻松鸟 瞰浩瀚的中国书法史。论述通俗而专业，可轻松入手 ，亦可细品深读。
    

作者简介

刘涛，1953年生于武汉。1982年毕业于武汉大学历史系，留校任教。现任教于中央美术学院中国画学院。长期从事中国书法史、书法技法的教学和研究。主要研究领域为汉魏两晋南北朝书法史、敦煌写经书法、王羲之书法。发表研究论文四十余篇。著有《中国书法史魏晋南北朝卷》（获第六届**图书奖）、《书法丛谈》、《书法欣赏》、《中国书法》等六种。编著《中国书法全集王羲**献之卷》、《四山摩崖刻经》等。

目录

**章 书法这门艺术
一、书法的基本特点
二、书法的艺术性与书法的观念
三、书作与印章
第二章 汉字起源与字体演变
一、汉字起源与仓颉造字
二、字体的演变
三、书体的种种名称
四、书体的“立”与“破”
第三章 先秦时期的文字书法
一、殷商甲骨文书法与墨迹
二、殷商、西周的金文书法
三、春秋战国时期书法
第四章 篆书
一、篆书的书法特征
二、秦朝小篆
三、汉朝篆书
四、三国两晋南北朝篆书
五、唐朝篆书
六、宋元明时期篆书
七、清朝：篆书书法的复兴
第五章 隶书
一、隶书的书法特征
二、古隶
三、汉隶：汉简与汉刻石
四、东晋的“变态”隶书
五、唐隶
六、清朝：隶书书法的复兴
第六章 草书
一、草书的书法特征
二、汉朝草书
三、天下**帖：陆机《平复帖》
四、王羲之的“今草”
五、“颠张狂素”
六、黄庭坚的草书
七、余绪回声
第七章 行书
一、行书的书法特征
二、行书法典：王羲之《兰亭序》
三、王献之的行草书
四、颜真卿《祭侄稿》
五、苏轼《黄州寒食诗帖》
六、擒纵有致：黄庭坚的行书
七、沉着痛快：米芾的行书
八、历代行书述略
第八章 楷书
一、楷书的书法特征
二、钟繇：正书之祖
三、王羲之的“今体”楷书
四、北魏后期的楷书
五、唐楷五家
六、流美稳便的“赵字”
第九章 书法家
一、*初的书法家
二、“能书”与“书圣”
三、书法与仕途
四、书法家与抄书写碑
第十章 书画同源
一、“书画同源”说前传
二、张彦远与“书画同源”说
三、“书画同源”说后传
图目

翰墨丹青：中国书法艺术的千年流变 （一）溯源：文字之初与笔墨之始 本书旨在全面梳理中国书法自其萌芽至鼎盛时期的演进脉络，重点探讨在不同历史阶段，书写实践如何与社会思潮、哲学观念、审美情趣及物质条件相互塑造。我们不从宏观的“极简”角度进行概括，而是深入每一个关键转折点，细致剖析其独特的时代风貌与技术革新。 书法的起源，与汉字的诞生密不可分。从甲骨文的刻凿之气，到金文的浑厚庄严，书写媒介的更替——从龟甲兽骨到青铜礼器，对笔画的运用提出了最初的规范和要求。这些早期的文字符号，兼具实用记录与神圣仪式的双重属性，其结构布局已蕴含着朴素的宇宙观。 春秋战国时期，诸侯割据，文字形体亦呈“百家争鸣”之势。各国书体风格迥异，如秦地的古朴雄劲、楚地的浪漫恣肆。秦始皇统一六国，推行“书同文”的度量衡政策，小篆的出现标志着中国文字第一次完成了官方主导的标准化进程。小篆的线条圆润、结构匀称，体现了周代以来中原正统的礼仪审美。 然而，篆书的书写效率低下，难以适应日益繁复的行政需求。便捷的隶书应运而生，它彻底打破了篆书象形的桎梏，将圆转变为方折，奠定了后世笔画（横、竖、撇、捺）的基调。隶变的意义不仅在于书体的简化，更在于其所承载的“去古化”的实用主义精神。东汉时期，隶书达到成熟的“八分书”阶段，成熟的碑刻展现出雍容华贵、气势恢宏的艺术张力，成为后世书法学习的基石之一。 （二）定型：楷行草的成熟与士人精神的注入 魏晋南北朝是书法史上最关键的“审美革命”时期。随着佛教的传入和玄学思想的兴盛，知识分子开始将个人情感和生命哲学倾注于笔墨之中，书法的艺术独立性被确立。 楷书（真书）的规范化在这一时期完成。它脱胎于隶书的扁方，吸收了草书的流畅，形成了端正、清晰、易于辨识的字体。欧阳询、虞世南、褚遂良等“初唐四家”将楷书的结构推向极致的法度森严，每一个点画的起收、每一处呼应都遵循着严密的法度，体现了儒家对秩序与规范的追求。 与此同时，草书完成了从章草（隶书的草写体）向今草的飞跃。张芝被尊为“草圣”，其笔法已具备了连绵不绝的“一笔书”特征。而最引人注目的无疑是“书圣”王羲之。他不仅将楷书、行书推向了前所未有的高度，更将魏晋名士的洒脱与内敛的性情融入笔端，其行书《兰亭集序》被誉为“天下第一行书”，标志着书法艺术彻底摆脱了纯粹的实用工具属性，成为抒发个体生命体验的载体。 行书，作为楷书与草书之间的过渡体，以其中庸之道，成为最受文人喜爱、应用最广的书体。它的不拘泥于楷书的板正，又不失于草书的难以辨认，完美平衡了“法度”与“意趣”。 （三）高峰：唐代的尚法与宋代的尚意 唐代，书法艺术在官方层面达到了制度化的顶峰。唐太宗对书法的推崇，使得“法度”成为衡量书写优劣的首要标准。欧阳询、虞世南、褚遂良之外，颜真卿的出现是又一次伟大的转折。颜体的楷书雄浑厚重，笔力内含筋骨，其“蚕头燕尾”的笔法，寄寓着他对儒家“忠君爱国”的坚定信念，体现了一种积极入世的士人风骨。柳公权则以“颜筋柳骨”的瘦劲挺拔，将楷书的结构美推向极致。唐代碑刻的繁荣，使得楷书的风格呈现出多元而严谨的格局。 宋代，随着文人政治的深化，审美重心从“法度”转向“意趣”。苏轼倡导“我书意造法”，强调书法的个人情感表达应高于对古人笔法的刻意模仿。他的书法浑厚拙朴，充满“意在笔先”的文人气息。苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄“宋四家”的出现，标志着书法正式进入“尚意”时代。黄庭坚的笔画修长、体势开张，米芾的“刷字”则充满了率性与流动的气韵。宋代书法家更注重书写过程中的心手相应，将书写视为自我人格的投射。 （四）转折：元明的复古与清代的碑学兴起 元代，赵孟頫的出现承上启下。他力倡复古，反对宋人过于随意的书风，重新提倡晋人（特别是王羲之）的法度，对楷书和行书的典雅性进行了极大的提升，对后世产生了深远影响。他的书法，集唐楷之端庄与晋韵之秀逸于一身。 明代前期，台阁体以其规范、匀称的特点成为官方审美的主流，这在一定程度上抑制了书法的个性和创造力。但明代中后期，以祝允明、文徵明、唐寅、董其昌为代表的吴门书派，以及“晚明尚态”的书风，又重新唤醒了对个性化表达的追求，特别是狂草的回归，展现出激昂的情感。 清代则出现了“碑学”与“帖学”的激烈论辩。帖学（以二王为代表的墨迹书风）长期占据主流地位，而碑学（以北碑为代表的魏晋南北朝碑刻）的重新被发现和推崇，极大地丰富了书法的笔法体系。康熙、乾隆对“馆阁体”的推崇，使得书法审美一度趋于僵化。然而，邓石如等碑学家的崛起，将汉魏碑刻的雄强、古拙之气引入书坛，为近现代书法的变革埋下了伏笔。 本书通过对历代书家风格演变、用笔技巧的细致描摹，以及书写媒介与时代精神的深度关联分析，构建起一个立体、饱满、充满细节的中国书法艺术发展图景。

评分☆☆☆☆☆

读完大半，我才慢慢领会到这本书的“野心”所在。它摒弃了传统史学那种线性、编年体式的梳理，而是采取了一种更加碎片化、主题化的结构来构建“中国书法史”的宏大叙事。这种手法，初看之下会让人觉得逻辑链条不够清晰，比如关于宋代文人书法的讨论，并没有像其他书籍那样集中在苏黄米蔡身上，而是散落在对“士人精神”和“自我抒写”的多个章节中，需要读者自己去拼凑和归纳。最让我感到意外的是，书中对媒介和工具的探讨占据了相当大的篇幅。作者似乎对笔、墨、纸、砚这“文房四宝”的材质变化及其对书写形态的影响，给予了近乎偏执的关注。对于这些具体器物的历史演进，描述得极其细腻，甚至牵扯到了古代制纸工艺的地理分布和时代差异，这对于一个只关心“字”本身的书法爱好者来说，无疑是有些偏离焦点的。虽然这些内容拓宽了视野，但坦白讲，我更希望看到更多关于具体书家风格演变的技术性分析，比如钩、趯、撇、捺的笔法特点在不同时期的细微差异，这本书在这方面显得有些“意犹未尽”。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体感受是，它似乎更专注于“书法背后的哲学与文化基因”，而非“书法的技术演变史”。作者对“道”的追寻远大于对“法”的梳理。在阅读过程中，我不断地在寻找那些关于具体书家笔法特点的“干货”信息，但收获甚少。反而，我对中国文人阶层在不同历史时期，如何通过笔墨来构建自我身份认同的社会心理过程，有了更深层次的理解。例如，书中对魏晋时期“尚韵”风气形成背后的士族门阀制度的社会结构分析，细致入微，远超了一般书法史的范畴，已经深入到社会学和思想史的领域。因此，这本书更像是对“中国书写文化”进行的一次深刻的、形而上的探讨，而不是一本面向大众、系统梳理历代大家作品和风格流派的入门工具书。它要求读者具备一定的文化背景和理论基础，才能真正体会到作者想要传达的关于“笔墨与生命本体”的深层关联。

评分☆☆☆☆☆

从装帧设计和版式上看，这本书的排版策略也颇为反直觉。内页留白极多，字体选择偏向于宋体而非传统的黑体或仿宋，使得阅读起来有一种“阅读经典”的庄重感，但同时也牺牲了信息密度。在需要展示关键书家作品或碑帖拓本时，图片通常很小，且往往是黑白印刷，缺乏色彩的还原度，这对于研究视觉艺术的书籍来说，是一个不可忽视的遗憾。更关键的是，某些章节在讨论书法与同时期其他艺术（如绘画、篆刻）的互动关系时，虽然理论上提升了跨学科的视野，但由于缺乏配图的直观佐证，很多概念性的描述变得非常抽象难懂。比如，谈及明代文徵明的某些绘画用笔如何呼应其书法用笔时，读者只能依靠文字想象，无法直接通过对比来印证作者的观点。这种“重理论、轻图示”的做法，使得对书法实践者来说，这本书的实用价值大打折扣。它更像是一本为哲学系或艺术史研究生准备的文献综述，而不是为书法初学者或爱好者准备的普及读物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格，用“清冷”二字来形容最为恰当。它几乎没有使用那种煽动性的、鼓舞人心的语言来赞美中国书法艺术的博大精深。相反，作者的笔触如同外科手术刀般精确而冷静，对历史上的书法流派进行解剖式的审视。在阐述某些书法高峰期时，作者更像是冷眼旁观的记录者，而非热情的歌颂者。例如，在描绘唐代楷书的鼎盛时期时，书中对欧阳询和颜真卿的成就分析，更多地聚焦于结构上的稳定性和时代规范对个体创造力的制约，而非简单地赞扬其“气势恢宏”。这种去魅化的处理方式，使得阅读过程少了一份酣畅淋漓的快感，多了一份审视历史的沉重感。尤其是在涉及对“碑学”和“帖学”两大思潮的对立与融合的分析时，作者的立场显得异常暧昧和中立，并没有明确给出倾向性判断，只是客观地呈现了双方的论据和历史语境，这让习惯了“非黑即白”历史叙事的读者，可能会觉得缺乏一个明确的指向标。

评分☆☆☆☆☆

这本书，说实话，初拿到手里的时候，我其实是有点犯嘀咕的。封面设计极简到近乎“寡淡”，墨色和留白的处理，透着一股子现代审美，和我印象中那种装裱精美、图文并茂的传统艺术书籍大相径庭。我原本期待的是一本能把魏晋风度、唐楷的法度森严、宋人尚意、元明清的流变脉络，掰开了揉碎了讲个透彻的“教科书”。然而，拿到后翻阅，发现它似乎更像是一场带着哲学思辨的漫步。作者的叙事节奏非常舒缓，有时候会花上大篇幅去讨论“气韵”与“意境”的抽象概念，而不是直接展示某位碑帖的细节对比。这对于一个想快速查阅“谁是谁的徒弟，谁在什么时期流行什么字体”的读者来说，可能会感到有些挫败。特别是关于早期篆隶的论述，笔墨非常克制，少了些许对出土文物和文献考证的详尽罗列，更侧重于探讨它们如何作为一种“文化符号”的诞生与演变，那种抽丝剥茧、层层递进的论证方式，需要读者有相当的耐心去跟随作者的思维轨迹。我甚至一度怀疑，这本书是不是想教我如何“悟道”，而非“习字”。它更像是一本艺术评论的散文集，而不是一本标准的史学著作。