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梁广程等 著

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103013939

商品编码：25573935014

出版时间：1996-11-01

作  者:梁广程 等 定  价:24 出 版 社:人民音乐出版社 出版日期:1996年11月01日 页  数:301 装  帧:平装 ISBN:9787103013939 ●上篇 中国民族乐器
● 吹奏乐器
●笛
●[附]改良笛和口笛
●箫
●唢呐
●[附]小海笛
●[附]中音唢呐
●笙
●[附]抱笙和排笙
●芦笙
●[附]芒筒
●管子
●[附]双管
●喉管
●巴乌
●侗笛
●？咧
●第二章 弹奏乐器
●琵琶
●部分目录

内容简介

《乐器法手册(增订本)》编著者梁广程、潘永璋。 《乐器法手册(增订本)》分上、下两篇。上篇介绍我国民族乐器75件，下篇介绍西洋乐器45件，共120件。手册内附有“中国民族乐器音域对照表”、“西洋管弦乐队常用乐器音域对照表”、“吹奏乐队常用乐器音域对照表”和“五线谱与简谱音高对照表”各一份，可单独拆散使用。此外，手册很后还备有各种常用音乐记号和术语，供查阅。

音乐理论与实践前沿探索：一部面向二十一世纪的乐器学巨著 本书名：《音乐的形塑：从声学物理到演奏美学的新视野》 导言：重塑我们对“乐器”的认知 在音乐的广袤天地中，乐器无疑是连接作曲家内心世界与听众情感体验的桥梁。然而，传统的乐器学研究往往受限于历史的惯性，将焦点过多地集中在既定乐器的分类、构造与演奏技法上，而对支撑这一切的深层科学原理与新兴技术驱动的变革略显滞后。《音乐的形塑：从声学物理到演奏美学的新视野》正是在这样的背景下应运而生的一部跨学科巨著。它摒弃了对传统“乐器法”的刻板解读，转而以一种更加动态、前瞻的视角，审视音乐制作的物质基础、感知机制与未来可能性。 本书旨在为音乐学者、声学工程师、乐器制造者以及严肃的演奏家提供一个全新的思维框架，理解乐器——广义上指一切产生、调制和传递声音的媒介——是如何被塑造、被理解和被超越的。我们相信，对声音本质的深入探究，是通往更高艺术境界的必由之路。 第一部分：声学的基石与材料的革命 本部分深入探讨了乐器发声的物理学基础，并追溯了材料科学对声音特性的决定性影响。 第一章：超越傅里叶：非线性振动与瞬态响应分析 传统的乐器分析多依赖于傅里叶级数对稳定状态（Steady-state）谐波的分解。然而，真实的乐器声音，尤其是打击乐器、弓弦乐器和管乐器的起始瞬态（Attack Transient），才是决定其“音色个性”的关键。本章细致剖析了非线性振动在发声过程中的作用，例如弦的弯曲效应、空气柱的非理想流动性如何引入泛音的非谐性（Inharmonicity）。我们引入了先进的时间-频率分析工具，如小波变换和Wigner-Ville分布，用以精确捕捉和量化那些转瞬即逝的声学事件，揭示乐器“个性”的声学密码。 第二章：新型材料的声学指纹：从微观结构到宏观音色 乐器的音色并非仅仅是设计的结果，更是其所用材料的“记忆”。本章系统梳理了近三十年来在乐器制造领域出现的材料革新。我们不仅仅关注传统的木材、金属和皮革，而是深入研究了高分子复合材料、碳纳米管结构、以及特殊合金在振动模式上的表现。通过测量材料的机械阻尼特性（Mechanical Damping）和声速（Speed of Sound），我们构建了一个材料声学特性数据库，并对比了其在同一种乐器设计下所产生的音色差异。例如，对比分析了不同密度和纤维取向的云杉木在小提琴音板上的声学表现，并探讨了3D打印技术如何通过控制材料的内部晶体结构来预设特定的共振模式。 第三章：环境对乐器的“塑形”作用：室内声学与乐器互作用 乐器并非在真空或标准环境下演奏。环境的声学特性，如混响时间（RT60）、早期反射声的密度，深刻地影响着演奏者对自身声音的感知，进而反过来影响其演奏力度和色彩的控制。本章探讨了演奏厅的声学设计如何与乐器本身的声学辐射特性形成一个闭环反馈系统。我们通过对不同类型音乐厅（如鞋盒式、圆拱形、和现代反射板结构）的声场模拟，量化了这种互作用对乐器瞬态响应和有效辐射角的影响，为演奏厅设计者和乐器使用者提供了实证参考。 第二部分：演奏动作与感知的神经动力学 本部分跳出了纯粹的物理学范畴，转向研究人与乐器之间的交互界面，聚焦于演奏者的身体、大脑与声音输出之间的复杂联系。 第四章：运动控制与音高稳定性：基于肌电图（EMG）的演奏分析 精确的音高控制依赖于演奏者对肌肉运动的精细调节。本章利用高精度肌电图（EMG）技术，监测了不同乐器演奏者（例如，长笛演奏者对气流速度的控制、小提琴演奏者对指板压力和揉弦频率的控制）的特定肌肉群的激活模式。研究发现，顶尖演奏家在追求极端技巧时，其神经驱动信号并非“更强”，而是“更具针对性”和“更低冗余”。本章首次构建了特定技术动作与生理负荷之间的量化模型，为科学训练提供了客观指标。 第五章：听觉反馈与前馈控制：从有意识修正到潜意识自动化 演奏的“感觉”往往是流动的、本能的。本章深入探讨了听觉反馈在实时调整演奏策略中的作用。我们区分了“闭环修正”（在听到声音后进行调整）和“前馈控制”（基于预期的声学结果进行预先调整）。通过对中枢听觉皮层活动的fMRI研究，我们揭示了职业演奏者如何将复杂的演奏动作内化为一种高效的前馈机制，从而解放了认知资源用于更深层次的音乐诠释。这种机制的建立过程，为教学法改革提供了神经科学支撑。 第六章：演奏界面的人体工程学：优化人机交互的未来 传统的乐器设计往往是历史遗留下来的，并未充分考虑现代人体工程学的原理。本章将人机工程学方法论应用于乐器设计。我们分析了不同乐器（如大提琴的坐姿、钢琴的键盘布局）对演奏者脊柱、手腕和肩部造成的长期生物力学压力。基于对大量演奏家姿态的3D运动捕捉数据，我们提出了针对特定乐器的优化接口设计方案，旨在降低演奏疲劳，扩大演奏者的技术潜力，并探索了如可变阻力指板、适应性吹嘴等新型辅助装置的可能性。 第三部分：数字时代的重构与声音的边界 最后一部分将视野投向数字技术对乐器本体的渗透与重塑，探讨了合成、采样与实时处理如何挑战并拓展了“乐器”的定义。 第七章：从采样到模型：物理建模合成的真实性挑战 数字音频技术的核心在于如何高保真地再现或模拟真实乐器的复杂声学行为。本章批判性地审视了传统采样技术（Sample-based Synthesis）的局限性，尤其是在处理乐器瞬态和非线性交互时的不足。随后，我们重点介绍了基于物理建模的合成（Physical Modeling Synthesis, PMS）的最新进展。通过建立精确的振动微分方程，PMS能够实时计算出乐器在极端演奏条件下的声学响应，极大地超越了固定样本的限制。本章详细解析了激励函数、边界条件设定以及如何将材料阻尼和环境反射纳入模型中的高级算法。 第八章：增强现实（AR）与实时交互：演奏的感知边界拓展 数字技术不仅改变了声音的产生方式，也改变了演奏者与声音之间的互动方式。本章探讨了增强现实技术在音乐教育和表演中的应用。例如，通过AR头戴设备，演奏者可以在视野中实时看到自己指尖的压力分布、气流速度的可视化反馈，或者乐谱上动态标记的修正建议。我们还研究了基于传感器阵列的实时演奏分析系统（Real-time Performance Analysis Systems），这些系统能够即时量化演奏的“精准度”和“表达力”，并在表演中为听众提供同步的、基于数据驱动的视觉诠释。 第九章：超越传统界限：新声音媒介的生态学考察 “乐器”的未来形态可能不再是实体。本章考察了基于脑机接口（BCI）的音乐界面、环境声音的声场采集与重构、以及可编程合成器（Software Defined Instruments）的生态位。我们探讨了这些新兴媒介如何挑战“演奏者主体性”的概念，以及当演奏者与声音的物理媒介分离时，音乐意图的传递路径会发生何种根本性的改变。本书最终呼吁，未来的乐器学研究必须建立一个开放的、包容的框架，以适应声音艺术的持续演化。 结语：通往未知的演奏实践 《音乐的形塑》并非提供一套固定的规则，而是提供一套探究的工具箱。它邀请读者将乐器视为一个动态的、多层次的系统——一个由材料、物理、神经科学和数字算法共同编织的复杂织物。只有理解了这层织物的每一根线索，我们才能真正掌握音乐的“形塑”之力，去创造和体验那些尚未被聆听的声音世界。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，理解音乐，首先要理解发出音乐的“媒介”。我之前对乐器的认识，就像是隔着一层薄纱，总觉得少了些什么。这本书，就像是帮我揭开了这层纱，让我看到了乐器背后更深层的奥秘。我最欣赏的是它对于不同乐器“性格”的刻画。它不只是列举它们的物理特性，更像是赋予了它们生命，让我感受到不同乐器所承载的文化底蕴和艺术情感。比如，在描述长笛的悠扬时，它不仅仅是提到了空气动力学原理，更将其与轻盈、自由的意境联系起来；在讲述大提琴的低沉与厚重时，它也暗示了那种深沉的情感表达。这种将科学原理与艺术感受相结合的叙述方式，让我耳目一新。书中还涉及了一些关于乐器性能的评价标准，比如音域、动态范围、音色纯度等，这些内容让我能够更客观地去评价和理解不同乐器的优势和特点。我还从中了解到一些关于乐器发展的历史节点，比如某项技术的发明如何改变了某种乐器的演奏方式，或者某个作曲家如何巧妙地运用某种乐器的特性来达到其艺术目的。这些宏观的视角，让我对整个音乐世界有了更广阔的认知。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我量身定做的！我是一名音乐爱好者，平时喜欢捣鼓一些简单的乐器，比如口琴、尤克里里，偶尔也弹弹钢琴。一直以来，我都觉得自己在演奏技巧上总是差那么一点意思，尤其是在理解乐器的发声原理、结构特点方面，总是有很多朦胧的地方。我尝试过一些网络上的零散教程，但总感觉不成体系，知识点跳跃性太强。直到我遇到了这本书，简直就像在茫茫大海中找到了灯塔！它的排版非常清晰，我最喜欢的是它对不同乐器分类介绍的方式，从最基础的弦乐器、管乐器，到键盘乐器、打击乐器，再到一些比较小众的民族乐器，几乎囊括了我能想到的所有乐器类型。而且，它不仅仅是简单地介绍乐器，更重要的是它深入浅出地讲解了每种乐器的历史渊源、基本构造、发声原理，甚至是如何进行日常的保养和维护。我读到关于小提琴弓毛摩擦琴弦产生共鸣的那一部分时，感觉我之前很多模糊的认识瞬间清晰了。书中还配有大量精美的插图和图表，有些是乐器的剖面图，有些是演奏姿势的示意图，这些视觉化的元素极大地帮助了我理解抽象的理论知识。我特别喜欢书中对一些经典乐器的“溯源”部分，了解它们是如何从古老的形式演变至今，让我对这些乐器有了更深的敬畏感。总的来说，这本书不仅仅是一本乐器百科全书，更是一本帮助我深入理解音乐和乐器的“入门指南”和“进阶手册”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容真的让我大开眼界！我一直对音乐的“技术层面”充满好奇，但又苦于找不到合适的途径去深入了解。市面上很多音乐类的书籍要么过于学院派，充斥着晦涩的理论术语，要么又太过于通俗，无法满足我对于深度知识的渴望。这本书恰好填补了我的这种需求。它在介绍乐器时，不仅仅是停留在“这是什么乐器”的层面，而是深入探讨了“它为什么能发出这样的声音”、“它独特的发声机制是什么”、“它的每一个部件在声音产生过程中扮演了怎样的角色”。我尤其被书中关于铜管乐器泛音列的讲解所吸引，以前我只是知道有泛音，但具体是如何产生的，以及它与乐器本身的材料、管长、管径等因素的关联，我一直没有一个清晰的理解。这本书用非常直观的语言和逻辑，一步步地引导我理解了这些复杂的原理。而且，它还涉及到一些关于乐器音色表现力的分析，比如不同材质的琴弦对吉他音色的影响，不同类型的笛头对萨克斯风音色的细微差别等等。这些内容让我感觉像是解锁了一个全新的音乐维度，让我从一个单纯的“听众”变成了一个更懂得“欣赏”的“鉴赏者”。书中对于一些历史悠久的乐器的演变过程的梳理也让我印象深刻，让我感受到音乐的发展是一个不断创新和融合的过程。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对乐器制作和维修非常感兴趣的人，一直梦想着能够亲手制作或修复一些简单的乐器。然而，这方面的资料却非常稀缺，尤其是那些能够提供详细步骤和技术指导的书籍。这本书的出现，简直就是圆了我这个多年的心愿！它不仅仅是对乐器的介绍，更重要的是，它详细地讲解了许多乐器的基本构造和工作原理，并且提供了一些关于基础维护和保养的实用建议。我尤其关注书中关于弦乐器琴体的结构、音柱和声音板的作用，以及如何调整弦轴松紧的章节。虽然书中没有直接教我制作一把小提琴，但它提供的大量关于木材选择、粘合技巧、共鸣腔设计等方面的知识，足以让我对乐器制作有一个初步的概念和认识。书中还列举了一些常见的乐器故障以及相应的排除方法，比如管乐器卡键的调整、键盘乐器音准的校对等，这些内容对我来说非常有价值。我尝试按照书中的指导，对我的旧吉他进行了一些简单的保养，比如清洁指板、打磨琴体，效果出乎意料的好！感觉这本书就像一位经验丰富的老师傅，耐心地传授着他毕生的绝技，让我能够从理论到实践，逐步提升我对乐器的理解和操作能力。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐教育者，我一直致力于为我的学生们提供最全面、最系统的乐器知识。寻找一本能够兼顾理论深度和实践指导的书籍，对我来说是一项挑战。这本书，无疑是我的最佳选择！它不仅包含了各种乐器的基础知识，更深入地探讨了乐器的发声原理、演奏技巧与音色表现力之间的关系，这些都是我教学过程中非常看重的内容。书中对不同乐器家族的细致划分，以及对每种乐器在不同时期、不同文化背景下的演变过程的梳理，让我能够为学生们提供更丰富、更具历史感的课堂内容。我尤其喜欢书中关于乐器“声学特性”的讲解，它用非常科学但易于理解的方式，解释了为什么某些乐器在某个音区表现更佳，或者为什么它们能够产生如此独特的音色。这让我能够更好地指导学生们掌握乐器的最佳演奏状态，以及如何通过技巧来丰富他们的音色表现。书中还包含了一些关于乐器选购、保养以及维修的实用建议，这些对于初学者和家长来说都非常有帮助，能够让他们在音乐学习的道路上少走弯路。这本书让我感觉，它不仅仅是一本供我参考的书，更是我教学过程中一个得力的助手，能够帮助我将抽象的音乐理论转化为学生们能够理解和实践的内容。