音乐表情术语字典理论教材 人民音乐出版社乐理基础书籍小手册 曲谱术语翻译字典乐理知识音乐理论术语讲解 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张宁和 罗吉兰 编

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103006795

商品编码：26960173891

开本：64开

出版时间：2007-12-01

基本信息

书名:音乐表情术语字典

：10元

作者:张宁和，罗吉兰 编

出版社：人民音乐出版社

出版日期：2004-05-01

ISBN：9787103006795

页码：118

版次：1

装帧：平装

目录

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编者的话
凡例
A
B
C
D
E
F
G
H
I
J
K
L
M
N
……

内容提要

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我们演唱、演奏的根据，是乐谱。
乐谱传达作家的乐思，有两方面：音符和表情术语。当代曲家创作的时候，他一方面把音符记在纸上，一方面也把音符的不能说明的，而他自己希望用的某种表情、速度、音色来表演这首乐曲的想法，用文字写在乐谱上。
为了更好地理解乐谱，我们必须知道这些文字的意义，从18世纪初以来，是沿用着意大利文来记的。其中一部分现在已变成了世界各国音乐家们通用的术语了。
但是，为了体会作家家细致的要求，我们必须常常想到：这些术语都取自意大利人民生活的日常语言。
这本小字典中所收集的音乐表情术语主要根据P.Rougnon.J.Hile.W.Apel的音乐字汇上的材料加以补充而编成的。其中大都是与表演有关的词汇，其他的音乐术语，像Sonata,Concerto等就不列入了。
字后不附[德]、[法]等字的，都是意大利文。

音乐的脉络：一部关于西方音乐史与美学思潮的深度探索 图书简介 本书旨在为读者构建一个清晰、宏大且深入的西方音乐发展脉络图景，聚焦于音乐在不同历史阶段中的演变逻辑、美学取向以及其背后所承载的社会文化语境。它不是一本关于具体演奏技巧或速查术语的工具书，而是着眼于宏观的结构性理解，带领读者穿越巴洛克时期的庄严理性，穿越古典主义的典雅平衡，直抵浪漫主义的情感澎湃，并最终审视二十世纪至今音乐范式的深刻转型。 本书的叙事逻辑围绕“结构——风格——语境”三位一体展开。我们相信，音乐的魅力不仅在于旋律的动听，更在于其内在的组织逻辑（结构）、时代精神的体现（风格）以及与社会哲学的互动（语境）。 第一部分：根源与奠基——中世纪与文艺复兴的音响世界 本部分将细致剖析西方音乐的早期形态。我们从格里高利圣咏的单音音乐（Monophony）入手，探讨其神圣性、对文本的依附性，以及早期记谱法（纽姆谱）的局限与突破。随后，重点转向复调音乐的诞生与发展。读者将了解到奥尔加农（Organum）如何从简单的平行进行，逐步发展出有组织的对位关系。 文艺复兴时期，音乐美学发生了根本性的转向。我们着重分析“人文主义”思想如何渗透到音乐创作中，体现在对人声的推崇、对清晰度和和谐感的追求上。对位法的成熟——特别是帕莱斯特里那的“纯净”风格——将被置于宗教改革与反宗教改革的背景下进行考察。此外，早期世俗音乐，如法国香颂和意大利牧歌的精致结构及其情感表达的微妙之处，也是本部分的重点探讨内容。 第二部分：秩序与激情——巴洛克与古典主义的理性与感性对话 巴洛克时期是音乐史上“结构化”的黄金时代。本部分将深入剖析“巴洛克精神”的体现——即对戏剧性冲突、强烈情感（Affektentheorie）和复杂装饰手法的偏爱。核心内容包括： 1. 早期歌剧的诞生与发展： 从蒙特威尔第的《奥尔费奥》如何确立宣叙调与咏叹调的二元结构，到卡斯特拉托的兴起，再到亨德尔对清唱剧（Oratorio）的集大成。 2. 对位法的巅峰： 巴赫的赋格曲作为逻辑思维的极致体现，将不仅仅停留在“技巧”层面，而是将其视为一种严密推导的哲学表达。 3. 奏鸣曲式的早期萌芽： 从组曲（Suite）到协奏曲（Concerto Grosso）再到后来的独奏协奏曲，器乐在这一时期确立了主导地位。 随后，我们将过渡到古典主义时期。这一时期被视为音乐的“启蒙时代”。我们探讨海顿、莫扎特和贝多芬如何致力于确立清晰、平衡和清晰的结构范式。奏鸣曲式（Sonata Form）——作为一种包含“呈示、发展、再现”的心理冲突与解决过程的结构模型——将被详细解析其内在的戏剧张力。古典主义的音乐美学，即“自然”、“清晰”和“普遍性”，将与巴洛克时期的“宏大”和“装饰”进行对比分析。 第三部分：情感的洪流——浪漫主义的自我表达与界限突破 浪漫主义音乐是自我意识觉醒的时代。本部分关注作曲家如何将个人情感、民族精神和对超验世界的向往置于音乐表达的中心。 1. 主题的深化： 从舒伯特的艺术歌曲（Lied）如何通过钢琴伴奏深化诗歌意境，到肖邦对钢琴这一乐器的深度挖掘，体现了“小型化”叙事的精致。 2. 管弦乐队的扩张与标题音乐的兴起： 柏辽兹的《幻想交响曲》如何利用配器和“主导动机”（idée fixe）来描绘复杂的内心世界，以及李斯特的交响诗如何打破了传统交响曲的界限。 3. 民族乐派的兴起： 探讨斯拉夫五人组、德沃夏克等如何在吸收德奥传统的基础上，融入本民族的民间音乐元素，构建音乐的身份认同。 第四部分：范式的解构与重建——二十世纪至今的音乐前沿 二十世纪的音乐是西方文明面对工业化、两次世界大战和心理学革命后，对既有美学体系的彻底反思与颠覆。 1. 印象派与象征主义的消融： 德彪西对音色和模糊感的追求，如何挑战了瓦格纳式的宿命论叙事，将焦点引向瞬间的感知。 2. 无调性与十二音体系的诞生： 勋伯格对传统调性体系的“解放”过程，及其带来的结构性挑战。我们分析了其十二音列的生成逻辑，而非仅仅是“不和谐音”的堆砌。 3. 激进主义与电子音乐的探索： 从斯特拉文斯基的原始主义（如《春之祭》对节奏的暴力运用），到后来的序列音乐（如布列兹），再到电子合成器和录音技术的介入，探讨声音本身如何从“被组织的对象”转变为“研究的主体”。 4. 后现代与多元化： 约翰·凯奇的偶然性音乐，如何质疑了作曲家和听众的传统角色；极简主义（Minimalism）如何通过重复和微小变化回归时间感；以及当代音乐对跨文化元素的吸收与融合。 总结与展望 本书的最终目标是帮助读者理解：音乐史并非线性的进步，而是在理性与激情、结构与自由、传统与革新之间不断拉扯和对话的历史。它强调音乐作为一种人类精神活动的思考方式，而非仅仅是听觉的愉悦。通过对这些关键转折点的深入剖析，读者将获得一套鉴赏和理解跨越千年西方音乐成就的分析框架。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来形容这本教材的特点，那就是“系统而实用”。它不仅是知识的集合，更像是一份详尽的音乐“使用说明书”。对于我这种需要经常处理乐谱和进行音乐翻译工作的人来说，书中对各种曲式标记、演奏指示的细致梳理和解释简直是无价之宝。过去有些模糊不清的意大利文术语，看别人解释总觉得不够权威，但这本书里给出的定义和应用场景非常精准，甚至还探讨了术语在不同时期语境下的微妙差别。这极大地提高了我在实际工作中处理外文乐谱的准确性和效率。它教会我的不只是“是什么”，更是“为什么是这样”，以及“在什么情况下应该如何处理”。它成功地架起了理论学习与实际应用之间的桥梁，让乐理知识不再是象牙塔里的装饰品，而是可以随时调用的强大工具。这本书真正做到了将理论付诸实践的转化价值最大化。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理基础读物，简直是音乐学习者的福音！我一拿到手，就被它那扎实的理论深度和清晰的讲解方式所吸引。书中的内容编排得井井有条，从最基础的音高、节奏概念讲起，逐步深入到和声、曲式分析，每一步都走得非常稳健，让人感觉每一步的跨越都是建立在坚实的基础之上的。特别是对于那些初学者来说，复杂的乐理概念不再是高不可攀的空中楼阁，作者似乎总能找到最贴切的比喻和最易懂的语言来阐释这些抽象的知识点。我尤其欣赏它在讲解一些经典音乐理论时，不仅提供了严谨的定义，还结合了大量的实例分析，让枯燥的理论顿时变得生动起来。比如在讲解调式转换的那一章，作者没有仅仅停留在公式的罗列上，而是通过分析几首著名的古典乐曲片段，展示了理论在实际创作中的应用，这种实践与理论紧密结合的方式，极大地提升了我的理解效率和学习兴趣。读完之后，我对整个音乐的结构和逻辑有了全新的认识，感觉自己看待音乐的视角都开阔了许多，不再是盲目地听，而是能“听懂”背后的骨架和血肉。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常具有亲和力，读起来完全没有那种高高在上的学术腔调，更像是一位经验丰富的老师在耐心、耐心地为你剖析音乐的奥秘。作者在解释术语时，总能找到最生活化、最容易被大众接受的方式。例如，对于“动机发展”这一复杂的作曲技巧，作者没有直接抛出定义，而是用了一个“搭积木”的比喻，说明音乐材料是如何像乐高一样，通过各种方式进行拆解、重组和扩展的。这种深入浅出的叙事方式，极大地降低了阅读门槛。我发现自己不再是被动地接收信息，而是在与作者进行一场关于音乐本质的探讨。此外，书中对一些历史背景的介绍也做得非常到位，它没有让理论孤立存在，而是将乐理知识放置在相应的历史发展脉络中去理解，这使得我能更好地把握特定理论产生的时代必然性，从而加深了对音乐演变的整体认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度都远超出了我对一本“基础乐理教材”的预期。我原本以为它只会停留在初级入门的层面，但深入阅读后发现，它对音乐分析的视角非常独特且深入。书中不仅涵盖了西方音乐体系的主流理论，还巧妙地引入了一些跨文化、跨时期的音乐元素作为参照，使得理论的适用性得到了极大的拓展。比如在分析节奏复杂性时，它引用的不仅仅是巴赫或莫扎特的例子，还触及了一些现代作曲家的复杂复调结构，这让我的视野一下子打开了。对于已经有一定基础的学习者而言，这本书绝对是一本极好的进阶参考书。它不会让你觉得内容陈旧，反而充满了探索的乐趣。很多我过去囫囵吞枣、似懂非懂的概念，在书中得到了极其严谨和令人信服的阐释，让我有种醍醐灌顶的感觉。它成功地做到了既能教新人入门，又能让老手深化理解的“双重定位”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对乐理书总是抱有一种敬而远之的态度，总觉得那些密密麻麻的符号和术语是学音乐的“拦路虎”。但这本书完全颠覆了我的看法。它的排版设计非常人性化，大量的图表和示例清晰地展示了各种乐理现象，即使是面对一些比较晦涩的和声进行规则，也能通过直观的视觉辅助快速掌握要点。更让我惊喜的是，它似乎非常注重“听觉体验”与“理论认知”的同步。书中穿插了许多“聆听练习”的建议，引导读者在学习理论概念的同时，去实际听辨这些理论在音乐中的效果。这对于我们这些主要依靠演奏或聆听来学习音乐的人来说，简直太重要了。我试着按照书中的建议去对比和弦的色彩变化，竟然真的能更敏锐地捕捉到不同和声带来的情绪差异。这本书的价值不仅仅在于教授知识，更在于培养一种“用耳朵去理解理论”的能力，这在很多传统教材中是比较缺乏的。