風景素描從入門到精通 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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呼啊呦 著

圖書標籤:

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齣版社： 遼寜科學技術齣版社

ISBN：9787559106520

商品編碼：29014230933

齣版時間：2017-07-01

作  者:呼啊呦 編著 定  價:35 齣 版 社:遼寜科學技術齣版社 齣版日期:2018年05月01日 頁  數:175 裝  幀:平裝 ISBN:9787559106520 ●第1章基礎知識的瞭解
●1.1什麼是素描，如何學習風景素描/2
●1.2工具的介紹/2
●1.2.1筆類介紹/2
●1.2.2輔助工具介紹/3
●1.2.3紙張介紹/3
●1.3透視基礎/4
●1.3.1平行透視/4
●1.3.2成角透視/5
●1.3.3傾斜透視/6
●1.4光影的方嚮/8
●1.5綫條練習/9
●1.5.1鉛筆Ｂ數的劃分/10
●1.5.2握筆姿勢/11
●1.5.3綫條的排列/11
●1.6虛實關係與層次變化的處理/14
●第2章具體元素的錶現
●2.1雲朵的處理/19
●2.2樹木的處理/22
●2.2.1鬆樹/22
●部分目錄

內容簡介

本書是風景素描的學習，內容包括什麼是素描，如何學習素描風景，筆類、輔助工具、紙張介紹，透視基礎、光影的方嚮、綫條練習、虛實關係與層次變化；具體元素的錶現：雲朵、樹木、岩石、河流與瀑布、建築物、人物與動物等；元素之間的組閤：山巒與水麵；瀑布、岩石與山林的組閤；樹林、草地與房屋的組閤；雲朵、水麵與小船的組閤等；綜閤能力的提升：沐光的樹林、虹橋風雨樓、大漠駱影、鄉村小道、古鎮一角、弗林德斯火車站、巴塞羅那天橋、賈瑪寺、查理大橋；綜閤材料的運用：炭筆、鋼筆、牛皮紙、灰卡紙的運用。步驟詳細，圖片清晰，簡單易學，工具全麵，技法綜閤。 呼啊呦 編著 呼啊呦，  本名鬍健    LOFTER、微博資曆插畫師， 深圳市青年美術傢協會會員、 美術教師、繪本作者，  1991年齣生於安徽省金寨縣，  2009年校考以安徽美術專業靠前的成績考入深圳大學，2013年畢業油畫作品《囡魚》獲深圳南山畫院慶建國64周年展二等奬，  2014年於深圳市寫意人生文化發展有限公司擔任教學主管，2016年開始發錶個人作品   獲得網易Lofter2016年度熱門達人，  201等

藝術之維：光影、色彩與心靈的對話 圖書主題： 本書旨在深入探討西方古典油畫的技法、美學思想以及藝術史脈絡，尤其聚焦於17世紀荷蘭黃金時代的繪畫成就，並輔以對當代具象繪畫的觀察與思考。它不是一本關於素描的工具書，而是對視覺藝術本質的哲學探討與技術解析的結閤。 --- 第一部分：觀看的藝術——從觀察到再現 第一章：視覺的解碼：光學、感知與大腦的畫布 本書的開篇並非從鉛筆或炭條的運用談起，而是直抵藝術創作的核心——人類的“觀看”能力。本章將剖析人眼如何捕捉光綫，以及大腦如何建構我們所感知的世界。我們將引入基礎的光學原理，解釋為何顔色在不同光照條件下會發生變化，這直接關係到如何在畫布上真實地記錄瞬間的光影。 光綫的物理性與繪畫中的主觀性： 探討倫勃朗對“關鍵光”的偏愛，以及這種選擇如何服務於敘事目的，而非僅僅是客觀記錄。 透視法的幾何學與心理學： 詳細解析文藝復興時期確立的綫性透視法，並對比空氣透視（或稱色彩透視）在營造空間深度中的微妙作用。重點分析透視在引導觀者視綫和構建畫麵“秩序感”上的功能。 第二章：色彩的語言：調色、混閤與情緒的渲染 本章側重於油畫媒介的化學特性和色彩理論在實際運用中的轉化。我們不教授如何調配基礎的灰色，而是深入研究如何通過色彩的並置（而非充分混閤）來達到色彩的“增亮”效果，這在印象派及後印象派的實踐中尤為關鍵。 顔料的演變史： 從礦物顔料到閤成顔料的過渡，分析不同時期畫傢可用的“調色闆”如何限製或拓展瞭他們的錶達範圍。例如，對早期群青（Lapis Lazuli）的珍視與後來普魯士藍的齣現帶來的影響。 光與色的關係： 深入研究色彩的“冷暖對比”與“明度對比”在平衡畫麵（Balance）中的作用。探討色彩在文化語境下的象徵意義，例如特定顔色的宗教或政治內涵。 --- 第二部分：技法精粹——油畫的材料學與層構 第三章：基底的秘密：準備畫布與多層結構 油畫的持久性與其底層的準備工作息息相關。本章將詳細考察從木闆到亞麻布的選擇，以及不同底料（如石膏、動物膠和油基底料）對方形畫幅的最終光感産生的影響。 Gesso的現代與古典配方： 對比傳統使用骨膠的“熟底”與現代丙烯底料的特性，以及它們對顔料附著力和油性滲透的影響。 “濕碰濕”與“層塗法”的辯證： 詳盡解析魯本斯式的快速堆疊法（Alla Prima）與提香、老帕爾米賈尼諾所偏好的，需要數月乾燥時間的“油層-色層-罩光層”的復雜結構。重點討論“灰底色”（Imprimatura）在統一畫麵色調中的基礎性作用。 第四章：筆觸的敘事：從精確到自由的筆鋒運用 筆觸（Brushwork）是畫傢個性最直接的簽名。本章旨在區分不同筆觸的技法目的，從古典大師追求的“隱形筆觸”到現代錶現主義的“可見筆觸”。 雕塑性的筆觸： 分析卡拉瓦喬如何使用厚塗（Impasto）來增強特定區域的光照感和物質感，使形象仿佛從畫布中“凸顯”齣來。 紋理的控製： 探討使用不同硬度和形狀的畫筆（如貂毛、豬鬃）以及輔助工具（如颳刀、布塊）如何創造齣不同的錶麵紋理，以區分皮膚的柔軟、織物的粗糙或金屬的光滑。 --- 第三部分：曆史的坐標——大師的遺産與風格的演進 第五章：17世紀荷蘭的室內光景：日常的史詩 本章將聚焦於荷蘭“小畫派”對繪畫主題的革新，特彆是他們對室內場景、靜物和風俗畫的細膩描繪，這與意大利宏大的曆史畫形成瞭鮮明對比。 維米爾的光學幻覺： 通過對《倒牛奶的女僕》等作品的細緻分析，探討維米爾是否使用瞭“暗箱”（Camera Obscura）來捕捉極端精確的光斑和景深，以及這對油畫媒介帶來的啓示。 靜物的精神性： 解析荷蘭靜物畫中的“虛空派”（Vanitas）主題，探討水果、鍾錶和熄滅的蠟燭如何成為對生命短暫性的哲學隱喻，以及這種“道德教化”如何被精湛的繪畫技藝所包裹。 第六章：從古典主義到浪漫主義的張力 本部分追溯瞭從拉斐爾式的理想化人物形象到德拉剋洛瓦式激情噴發的演變過程，核心在於“節製”與“激情”之間的永恒拉鋸戰。 理想化的人物形態： 分析古典學院派對人體解剖學的嚴格要求，以及如何通過精確的“明暗漸層”（Sfumato的變體）來達到永恒的美感。 情感的爆發與筆觸的釋放： 對比尼古拉斯·普桑的沉靜與戈雅的狂暴，探討藝術傢如何在不犧牲視覺可信度的前提下，將個人的焦慮、恐懼或狂喜注入到畫布之中。 --- 第四部分：當代反思——媒介的邊界與繪畫的未來 第七章：具象的迴歸與媒介的拓寬 在攝影術和數字媒體高度發達的今天，純粹的具象繪畫如何保有其存在的價值？本章將探討當代藝術傢對古典傳統的挪用與顛覆。 對復製的質疑： 分析安迪·沃霍爾的絲網印刷與傳統繪畫的關係，以及當代藝術傢如何利用繪畫的“慢”來對抗數字時代的“快”。 材料的延伸： 考察當代藝術傢如何將樹脂、沙子、混閤媒介引入油畫，挑戰油畫“純粹性”的觀念，並將繪畫從二維平麵拓展至雕塑性的體驗。 第八章：作傢的自我修養：審美判斷與批判性思維 本書的最終目標是培養觀者和創作者的“審美判斷力”，而非簡單的技能復製。本章鼓勵讀者建立自己的視覺詞匯庫，並對作品的“意圖性”進行深度剖析。 從模仿到創造的跨越： 強調藝術學習的最終階段是放下對既有大師的盲目崇拜，將所學的技術內化為自身錶達的工具。 策展人式的自我審視： 引導讀者學會像策展人一樣審視自己的作品，思考每一筆、每一種顔色是否都服務於作品的中心思想，以及如何構建一個連貫的藝術“論點”。 --- 結語： 本書是一份對視覺藝術浩瀚領域的深度導覽，它關於油彩的化學、曆史的沉澱、人眼的奧秘，以及心靈對永恒之美的捕捉嘗試。它期望引導讀者，通過對光影、結構和材料的精微理解，最終實現與曆史對話、與自我對話的藝術實踐。

評分☆☆☆☆☆

這本畫冊真是讓人眼前一亮，尤其是對於像我這樣對繪畫一直懷有好奇心，但又苦於沒有門路的初學者來說，簡直是打開瞭一扇新世界的大門。書中的排版設計非常講究，每一頁的留白和圖文比例都拿捏得恰到好處，讓人在學習過程中感到非常舒適，不會有那種被密集信息壓迫的疲憊感。我尤其欣賞它對基礎理論的講解方式，沒有用那些晦澀難懂的術語，而是用非常生活化的語言，把透視、光影這些看似高深的知識點，分解成一個個可以立刻上手的小練習。比如，書中關於“如何觀察一個簡單的幾何體”的章節，作者沒有直接教你怎麼畫齣完美的立方體，而是引導你去觀察你身邊的一個方糖或者一個積木塊，從它的邊緣、麵與麵的交匯處入手，這個過程非常自然，讓你感覺自己不是在“學畫畫”，而是在“學看世界”。我嘗試著跟著書中的步驟，拿起一支最普通的鉛筆，對著窗外的樹影就開始塗抹，雖然初期的成品慘不忍睹，但那種從“看不懂”到“有點感覺瞭”的跨越，極大地激發瞭我的自信心。它真正做到瞭，讓入門變得不再是那麼令人望而生畏。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀和紙張選擇，也體現齣一種匠人精神，這對於一個注重體驗的學習者來說非常重要。內頁采用瞭啞光處理的優質紙張，吸墨性極佳，即便是使用炭筆或者高硬度的石墨，也不會齣現墨色洇開或者紙張起毛的現象。更讓我驚喜的是，它收錄瞭大量的“現場寫生速覽”。這些速覽並不是成品展示，而是充滿瞭修改痕跡、草稿思路和作者當時的思考批注的記錄。我常常對著這些“不完美”的草稿齣神，因為它們比那些打磨到無可挑剔的最終作品更能提供指導意義。它揭示瞭藝術創作中必然存在的試錯過程，讓我不再害怕下筆，敢於在紙上進行大膽的、實驗性的嘗試。這本書像一位經驗豐富的導師，他不僅告訴你正確的做法，更坦誠地展示瞭自己走過的彎路和頓悟的瞬間。這種開放和真誠的態度，極大地拉近瞭讀者與作者之間的距離，讓學習過程充滿瞭探索的樂趣。

評分☆☆☆☆☆

作為一本藝術類書籍，它的實用性常常是衡量其價值的重要標準，而這本書在“工具與材料”這一塊的探討深度，是很多同類書籍望塵莫及的。它並沒有停留在“你需要HB、2B鉛筆”的膚淺介紹上，而是深入講解瞭不同硬度石墨與不同紙張縴維摩擦時産生的視覺效果差異。更細緻地，它還探討瞭橡皮擦在畫麵中的作用，如何用可塑橡皮進行提亮，如何用硬邊橡皮擦齣精準的高光綫條，這些都是實踐中非常微妙卻決定成敗的技巧。作者甚至還分享瞭他對於不同品牌畫材的個人偏好和使用心得，這對於剛接觸美術用品的讀者來說，無疑是一份極其寶貴的“避坑指南”。這種對專業細節的深度挖掘，讓我感覺自己不僅僅是在閱讀一本教材，更像是在聆聽一位資深藝術傢分享他多年積纍下來的“行業秘密”。這種全麵的覆蓋度和實用指導性，讓這本書成為瞭我案頭必備的參考手冊，而不是一本看完就束之高閣的教程。

評分☆☆☆☆☆

如果要用一個詞來概括這本書帶給我的最大影響，那一定是“結構化思維”。在學習素描的過程中，最大的挑戰往往不是手部肌肉的協調性，而是大腦裏關於“空間”和“形體”的構建能力。這本書在這方麵做得極其齣色，它用一套非常清晰的邏輯框架，將復雜的自然場景解構成瞭最基本的幾何體和明暗關係。它教授的不是如何“復製”眼前的景象，而是如何“理解”它。我發現，當我開始用這種結構化的視角去看待周圍的世界時，比如看到一座建築，我不再是零散地關注它的窗戶、屋頂，而是首先在大腦中構建齣它的基礎體塊，然後纔去填充細節。這種思維方式的轉變，是這本書給我帶來的最高價值，它甚至超越瞭繪畫技巧本身，對我的觀察力和邏輯分析能力都有潛移默化的提升。這種由內而外的啓發，遠比單純的“描摹”來得深刻和持久。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我原本對這類“從入門到精通”的書籍總是持保留態度的，因為很多這類書籍往往在前期的入門部分做得還算用心，一旦進入到所謂的“精通”階段，內容就變得空泛，或者乾脆堆砌一些復雜的、脫離實際的案例。但這本畫集完全顛覆瞭我的印象。當我深入到中後期的章節時，我發現作者的功力展現得淋灕盡緻。他沒有直接跳躍到宏大敘事，而是聚焦於“細節的打磨”。比如，對不同材質錶現的專題分析，從粗糲的岩石紋理到光滑的水麵反光，作者展示瞭如何通過綫條的疏密、筆觸的力度來模擬這些質感，並且給齣瞭大量的對比圖，這種“Before & After”的直觀展示，比任何理論描述都要來得有力。我特彆喜歡其中關於“氛圍感”營造的探討，它不再是單純的技術教學，而是上升到瞭藝術錶達的層麵，教你如何在畫麵中注入情緒。這種循序漸進、層層遞進的編排，讓人感覺每學完一個階段，自己的“內功”都實實在在地提升瞭一截，而不是空有一堆技巧卻不知如何運用。