声乐理论基础(全国普通高等学校音乐学教师教育本科专业教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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肖黎声 编

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出版社： 上海音乐

ISBN：9787807510734

商品编码：29501148472

开本：16

出版时间：2009-08-01

基本信息

• 商品名称：声乐理论基础(全国普通高等学校音乐学教师教育本科专业教材)
• 作者：肖黎声
• 定价：66
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787807510734

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2009-08-01
• 印刷时间：2014-01-01
• 版次：1
• 印次：6
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：395

内容提要

肖黎声主编的《声乐理论基础》秉承“全面涵盖 声乐理论、声乐训练、声乐表演、声乐鉴赏、声乐历 史、声乐教学、声乐曲目等各个方面，体现理论性与 实践性、技能性与艺术性、实用性与学术性相融合” 的编写理念，试图做到内容丰富、领域宽泛、视野开 阔，以适应日益发展的高等音乐教育与声乐教学需求 。
    

目录

前言
导论
概论
**编 声乐科学基础
导言
**部分 声乐生理声学基础
第一章 声学基础概要
第二章 歌唱器官概述
第三章 歌唱神经机理
第四章 歌唱呼吸机理
第五章 歌唱发音机理
第六章 歌唱共鸣机理
第七章 歌唱听觉机理
第二部分 声乐心理学基础
第一章 声乐心理学概述
第二章 声乐的心理特征
第三章 声乐的心理调控
第二编 声乐技能训练
第一章 歌唱的姿势形态
第二章 歌唱的呼吸训练
第三章 歌唱的嗓音调节
第四章 歌唱的发声练习
第五章 歌唱的语言训练
第六章 意大利语歌唱发音
第三编 声乐表演基础
第一章 声乐表演的审美
第二章 声乐表演的创作
第三章 声乐表演的训练
第四章 声乐表演的排练
第四编 声乐艺术鉴赏
第一章 声乐艺术形态
第二章 声乐作品类别
第五编 声乐教学基础
第一章 声乐教学的基本理念
第二章 声乐教学的基本内容
第三章 声乐教学的基本方法
第四章 基础教育的声乐训练
第五章 嗓音保健知识
第六编 声乐发展简史
**部分 中国声乐简史
第一章 远古及先秦歌舞艺术
第二章 汉唐时期的声乐艺术
第三章 宋元时期的声乐艺术
第四章 明清时期的声乐艺术
第五章 近代以来的声乐艺术
第二部分 西方声乐简史
第一章 古希腊和古罗马的声乐艺术
第二章 中世纪的声乐艺术
第三章 复调音乐时期的声乐艺术
第四章 歌剧和美声歌唱的诞生
第五章 17、18世纪的声乐艺术
第六章 19世纪的歌剧艺术
第七章 19世纪浪漫主义艺术歌曲及音乐会演唱
第八章 19世纪的声乐教育与声乐流派
第九章 20世纪声乐概况
后记

音乐学概论：通识教育视角下的音乐学科导览 图书信息： 《音乐学概论：通识教育视角下的音乐学科导览》 出版社： 音乐文化出版社 ISBN： 978-7-5638-0921-4 --- 内容提要 《音乐学概论：通识教育视角下的音乐学科导览》旨在为非音乐专业背景的大学生提供一个系统、全面且易于理解的音乐学科入门指南。本书突破了传统音乐学教材侧重专业技能训练的局限，立足于人文素养的提升和跨学科视野的培养，将音乐视为一种重要的文化现象和人类经验的载体。 全书结构清晰，内容涵盖了音乐的本质、历史发展脉络、主要文化语境下的音乐形态、音乐美学基础，以及现代科技对音乐的影响等多个维度。它不仅仅是一本音乐知识的罗列，更是一部引导读者如何“倾听”和“理解”音乐的工具书，旨在激发读者对音乐艺术的兴趣，并为其后续的深入学习或终身欣赏奠定坚实的基础。 第一部分：音乐的本质与基础认知（构建倾听的框架） 本部分着重于解答“音乐是什么”这一根本性问题，为零基础的读者建立起最基本的概念框架。 第一章：音乐的界定与多维性 声音的物理属性与音乐感知的心理学基础： 探讨频率、振幅、音色等物理要素如何转化为我们对音高、力度、音色的感知体验。重点介绍心理声学在音乐理解中的作用。 音乐的要素分析： 详细解构音乐的“语法”——旋律（横向组织）、和声（纵向组织）、节奏（时间组织）、曲式（结构组织）以及音色（织体组织）。强调这些要素并非孤立存在，而是相互作用的有机整体。 音乐的功能与类型： 区分“艺术音乐”（Art Music）与“实用音乐”（Functional Music），探讨音乐在仪式、娱乐、交流、表达情感等不同社会功能中的角色演变。 第二章：音乐欣赏入门：从被动听到主动理解 欣赏的层次： 区分感官愉悦、情感共鸣和智性分析三个欣赏层次。 西方音乐的通用术语速览： 简要介绍力度记号、速度标记、表情术语等常用术语的含义，帮助读者在阅读乐谱或听录音时能迅速抓住关键信息。 有效的聆听策略： 教授如何通过聚焦于某一音乐要素（如先关注节奏的律动，再深入到和声的色彩变化）来进行结构化聆听。 第二部分：音乐的历史长河与文化语境（纵览人类文明的足迹） 本部分以全球视角为主线，串联起不同历史时期和地域的标志性音乐风格，强调音乐与其所处社会、政治、宗教环境的互动关系。 第三章：西方音乐的古典传统（从中世纪到浪漫主义） 中世纪与文艺复兴： 探讨宗教音乐（如格里高利圣咏）的主导地位，复调音乐的诞生与人文主义思潮对音乐的冲击。 巴洛克时期： 聚焦对位法、歌剧的兴起与巴赫、亨德尔的贡献，理解“装饰性”与“情感的戏剧性”如何成为时代标志。 古典主义时期： 阐释奏鸣曲式、交响曲的成熟，海顿、莫扎特、贝多芬如何确立了清晰、平衡的音乐结构美学。 浪漫主义的爆发： 分析民族主义、个人主义对音乐的影响，探讨李斯特、瓦格纳等人如何拓展了音乐的表现范围和管弦乐队的规模。 第四章：二十世纪的音乐革命与多元探索 印象主义与表现主义： 德彪西与荀白克的音乐如何打破了传统调性体系的束缚，开启了对色彩和内心冲突的探索。 新古典主义与序列音乐： 介绍斯特拉文斯基对传统的回归与舍恩堡基于数学逻辑的十二音体系的尝试。 电子音乐的萌芽与先锋派： 追溯早期磁带音乐、随机音乐（偶然音乐）的实验，预示着音乐材料边界的无限拓展。 第五章：世界音乐的广阔图景 亚洲音乐的精髓： 侧重于中国戏曲与器乐（如古琴、二胡）的五声音阶体系、复调与单音的辩证关系，以及印度拉格（Raga）系统的即兴与结构。 非洲音乐的节奏核心： 分析非洲音乐中“多重节奏”（Polyrhythm）在社区互动、仪式中的社会功能。 拉丁美洲的融合： 探讨欧洲、非洲、美洲原住民元素在探戈、萨尔萨等音乐中的交融与再创造。 第三部分：音乐的理论核心与美学思辨（深入思考音乐的“为什么”） 本部分引导读者从更专业的角度审视音乐的内在逻辑和哲学价值，着重于普及基础乐理和美学概念，而非严格的演奏训练。 第六章：基础乐理概念的通俗化解读 音程、调式与调性： 用形象化的比喻解释大调、小调、五声调式等调式色彩的差异，避免繁琐的数学推导。 和声的色彩学： 介绍功能和声的基本概念（主、属、下属），并重点讲解如何通过和弦的转位和变化音来营造不同的情感张力与色彩。 节奏与节拍的层次感： 区分节拍、节奏与速度，理解复合拍号在不同音乐风格中的应用（如爵士乐中的切分与摇摆）。 第七章：音乐美学与批评导论 形式主义与表现主义的争论： 探讨音乐是应该“为音乐而音乐”（强调结构之美），还是应该“为情感服务”（强调内容表达）这一核心美学议题。 “好音乐”的评判标准： 引导学生建立批判性思维，认识到音乐评价的相对性，并学习从结构完整性、创新性、文化适应性等方面进行分析。 音乐与情感的神经科学基础： 简要介绍音乐激活大脑奖励机制的原理，解释为什么某些旋律或节奏能引发强烈的生理反应。 第四部分：音乐与当代文化交织（面向未来的视野） 本部分聚焦于现代科技、大众传媒对音乐生产、消费模式的颠覆，以及音乐在当代社会中的新角色。 第八章：电影音乐与声音设计 视听同步的艺术： 探讨管弦乐配乐如何通过“主题动机”（Leitmotif）服务于人物和情节，以及音乐在制造悬念、烘托气氛中的精确作用。 声音景观的构建： 区别于纯粹的音乐，分析环境音效（Sound Effects）在构建沉浸式听觉体验中的不可替代性。 第九章：流行音乐的工业与文化现象 流行音乐的生产链： 从词曲创作、录音棚技术到市场营销，解析流行音乐是如何被“制造”和“推广”的。 流派的诞生与消亡： 梳理摇滚乐、嘻哈（Hip-Hop）、电子舞曲（EDM）等主要流派的起源、核心元素及其社会文化背景。 数字时代的音乐消费： 探讨流媒体、采样技术和音乐软件（DAW）对音乐创作主体和听众习惯的根本性改变。 结语：做一位有知识的音乐聆听者 本书的最终目标是培养一位具备扎实音乐文化素养和独立鉴赏能力的终身学习者。通过阅读本书，读者将能更自信地走进音乐厅、更深入地理解唱片背后的故事，并将音乐视为理解人类文明多样性的重要窗口。 --- 目标读者： 1. 接受音乐通识教育的非音乐专业本科生（如文、史、哲、艺术设计、传媒类专业）。 2. 希望系统了解音乐基础知识的社会大众和业余爱好者。 3. 初次接触音乐学的学习者或希望拓宽音乐视野的音乐学习者。

评分☆☆☆☆☆

我是一名正在攻读音乐学研究生的学生，对声乐艺术的理解有着更深层次的追求。这本书虽然定位为本科教材，但其内容的深度和广度着实令我惊喜。它并非止步于基础知识的罗列，而是深入探讨了声乐理论背后的历史渊源、哲学思考，以及不同时期、不同风格声乐作品的独特表现手法。在阅读过程中，我常常会惊叹于作者对声乐艺术的深刻洞察和独到见解。尤其是在分析某一时期声乐作品的创作动机和演唱特点时，书中给出的论证严谨而富有启发性，让我对这些作品有了全新的认识，也更加理解了声乐艺术的复杂性和魅力所在。它不仅仅是在教授“怎么唱”，更是在引导我去思考“为什么这样唱”，以及“如何从更宏观的角度去理解声乐艺术”。这本书为我的研究生研究方向提供了宝贵的理论基础和研究思路，让我能更自信地在学术的海洋中探索。

评分☆☆☆☆☆

这本书让我看到了声乐理论体系的宏大与精妙。它不仅仅是关于唱歌的技巧，更是关于声音的科学、人体的生理学、心理学，乃至音乐美学的深刻探讨。作者在构建整个理论体系时，展现出了极高的学术素养和严谨的态度。书中对每一个概念的界定都清晰而准确，对每一个理论的推导都逻辑严密，让人在阅读时感受到一种思想的严谨与深邃。我尤其欣赏书中对声乐历史发展脉络的梳理，以及不同时期声乐风格的对比分析，这让我能够站在一个更广阔的历史和文化视野下，去审视和理解声乐艺术。它不仅仅是一本书，更像是一扇窗，让我窥见了声乐艺术背后那庞大的知识体系和无穷的魅力。我相信，这本书会成为音乐学领域，尤其是声乐教育领域，不可或缺的参考书。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对声乐艺术抱有浓厚兴趣的业余爱好者，虽然没有经过系统的专业训练，但我一直渴望能够深入了解声乐的奥秘。市面上关于声乐的书籍很多，但大部分都过于专业，我常常看得一知半解。《声乐理论基础》这本书，恰好满足了我对“通俗易懂”与“专业深入”之间的平衡需求。它用一种非常平易近人的语言，讲解了声乐发声的原理、声乐技巧的重要性，以及如何通过科学的方法去训练自己的声音。我特别喜欢书中关于声音共鸣腔的讲解，之前我一直不明白为什么歌手的声音会有那么丰富的色彩，这本书的讲解让我豁然开朗，明白了其中的科学道理。即使我不是专业人士，也能从中学到很多实用的知识，对提升自己的歌唱水平有着巨大的帮助。这本书让我觉得，声乐艺术并非遥不可及，而是可以通过学习和练习去掌握的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期活跃在教学一线多年的声乐教师，我一直在寻找一本能够真正帮助学生理解并掌握声乐理论的书籍。市面上很多教材要么过于枯燥，要么过于浅显，难以满足教学需求。《声乐理论基础》的出现，恰恰填补了这一空白。这本书的编排非常合理，理论知识与教学实践紧密结合，尤其适合本科音乐学专业的师范生。书中提供的教学案例分析和练习设计，都极具参考价值。我尝试将书中的一些讲解方法和练习引入我的课堂，学生的反馈非常积极。他们不再像以前那样对理论感到畏惧，而是能够主动思考，并将其运用到自己的演唱实践中。书中的一些关于如何纠正学生常见发声误区的建议，也给了我很多启发，让我能够更精准地指导学生。这本书不仅仅是一本教材，它更像是一本教师的教学宝典，让我从中学到了很多教学理念和方法，受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是我音乐学习道路上的指明灯！作为一个初入声乐领域的小白，我之前对声乐理论的概念总是模模糊糊，感觉像是隔着一层纱，看不真切。这本书的出现，就像一道明媚的阳光，瞬间驱散了那些困扰我的迷雾。它的语言非常平实易懂，没有那些故弄玄虚的学术术语，而是用一种非常亲切的方式，将声乐理论的精华娓娓道来。从最基础的发声原理，到声乐技巧的解析，再到乐曲的分析，每一个环节都循序渐进，逻辑清晰。我尤其喜欢它在讲解每个概念时，都会辅以大量的图例和实际演唱中的案例，这让我能够立刻将理论知识与实践联系起来，不再是死记硬背，而是真正理解其内在的逻辑和奥妙。比如，在讲解气息支撑时，它不仅仅是告诉我们要“用气息”，更是详细地剖析了膈肌、腹肌的配合，甚至还提供了一些简单易行的练习方法，我照着做，真的能感受到气息的稳定性和控制力的提升，这对我之前的演唱状态是巨大的改变。这本书不仅仅是理论的堆砌，它更像是一位经验丰富的声乐老师，时刻在你身边指导，让你少走弯路。