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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787544429085

商品编码：29526255180

出版时间：2010-05-01

商品详情

钢琴进阶与风格探索：大师经典作品精选集 导读： 本书精选了巴洛克时期至浪漫主义时期众多作曲大师的代表性作品，旨在为已掌握基础演奏技巧的学习者提供更深层次的音乐理解与技术挑战。本书收录的作品涵盖了奏鸣曲、变奏曲、幻想曲及练习曲等多种体裁，旨在拓宽演奏者的音乐视野，提升其对不同作曲家风格的敏感度和再现能力。 第一部分：巴洛克时期的精妙与严谨 本部分聚焦于巴洛克时期音乐的精髓，重点展现复调织体、对位法以及装饰音的灵活运用。 巴赫的艺术： 《平均律键盘曲集》（选段）： 我们精选了多首不同调性的前奏曲与赋格，这些选段并非旨在进行全面的技术操练，而是着重于对位线条的清晰度与独立性。例如，C大调前奏曲的流畅性，与降E大调赋格中三声部复杂交织的逻辑性，是学习如何“听见”每一条旋律的关键。重点解析了赋格中主题的呈示、展开、插入段的连接，以及终止部的处理，要求演奏者能清晰区分并突出不同的声部。 《英国组曲》与《法国组曲》精选： 选取了组曲中具有代表性的舞曲，如前奏曲（Prélude）、阿列曼德（Allemande）、库朗特（Courante）、萨拉班德（Sarabande）和吉格（Gigue）。这部分着重于还原巴洛克舞曲特有的节奏律动与典雅气质。演奏时，需严格遵循历史演奏实践（HIP）的某些基本原则，如对齐音的把握（即上声部先行或同时）以及合适的力度对比。练习重点在于准确把握不同舞曲的速度与情绪基调，例如萨拉班德的沉稳庄重与吉格的轻快活泼之间的鲜明反差。 亨德尔与斯卡拉蒂的风格： 亨德尔的键盘作品（选）： 纳入了部分哈普西科德奏鸣曲（Sonata）的乐章。亨德尔的作品往往比巴赫更具戏剧性和歌唱性。选段中强调了旋律线的咏叹调特质，要求演奏者运用更富歌唱性的触键，展现旋律的起伏与呼吸感。 斯卡拉蒂的键盘独奏曲（Sonata K.）： 精选了数首技术性强且富于异国情调的独奏曲。这些作品是手指敏捷度和清晰度的绝佳试金石。重点在于对快速音群、跨越和弦、以及极速琶音的处理。解析了斯卡拉蒂音乐中常见的“西班牙风味”节奏型和突然的力度变化（即“惊喜”效果），要求演奏者能够像使用羽管键琴一样，快速、精确地完成力度和音色的瞬间转换。 第二部分：古典主义的平衡与清晰 本部分主要探讨古典主义时期对结构、清晰度和情感表达的规范化要求，特别是奏鸣曲式的结构逻辑。 海顿的机智与幽默： 海顿奏鸣曲（Hob. XVI 系列选段）： 选取了海顿作品中展现其“机智”和“幽默”特质的乐章。这些选段通常具有突变的节奏、出乎意料的和声进行以及清晰的乐句划分。技术上，重点训练快速的音阶跑动、均匀的琶音分解以及对句法（Period Structure）的把握。要求演奏者在清晰度优先的前提下，注入恰当的表情变化，避免过于沉重或拖沓。 莫扎特的优雅与歌唱性： 莫扎特奏鸣曲（K. 系列选段）： 侧重于展现莫扎特音乐中无与伦比的旋律线条和完美的比例感。选段着重于慢板乐章的抒情性表达，以及快板乐章中对位与主调织体交替时的光泽感。技术训练点包括：处理复杂的装饰音（如回音、颤音的准确节奏）、保持极弱（pp）力度下的音色稳定，以及对乐句呼吸的自然把握，确保旋律如歌唱般流畅。 贝多芬的早期探索与力度对比： 贝多芬早期奏鸣曲（Op. 2, Op. 10 系列选段）： 本部分收录的选段标志着贝多芬开始从古典形态中探索更强大的戏剧性和个人情感。重点在于对力度记号的严格执行和极端对比的运用（如ff与pp的突然切换）。技术训练涵盖了八度轮指的耐力、和弦的精确性和清晰的分解和弦处理。对乐谱中指示的踏板使用要求更为精确和有限，以保持古典清晰度。 第三部分：浪漫主义的激情与色彩 本部分深入浪漫主义音乐的广阔天地，侧重于情感的深度表达、音色的丰富变化以及扩展的演奏技巧。 舒伯特的抒情之美： 舒伯特即兴曲（Impromptu D. 899/Op. 90 选段）： 选取的即兴曲侧重于其梦幻般的和声色彩和无尽的旋律流动。技术难点在于保持长线条的连贯性，尤其是在需要快速、均匀的琶音背景上，如何使高音区的旋律保持绝对的清晰和情感的专注。这要求演奏者对触键的深度和释放有更精微的控制。 肖邦的诗意与技巧的结合： 肖邦练习曲（Études Op. 10 & Op. 25 选段）： 选取了一些不以极端炫技为目的，而更注重特定技术在音乐表达中应用的练习曲。例如，可能包括用于训练右手均匀度的练习曲（非严格意义上的技术练习曲，而是具有高度艺术性的作品），以及用于扩展左手和声基础的选段。重点在于，如何将技术性练习转化为充满诗意和情绪波动的音乐叙事，避免“机械化”的演奏。 舒曼的内心独白： 舒曼的《娃娃的从前》或《森林场景》选段： 舒曼的作品需要演奏者深入理解其文学性和内省的特质。这些选段通常具有多变的节奏型和复杂的和声色彩。技术上，要求对钢琴音色进行“绘画”式的处理，特别是模拟管乐器或弦乐器的效果。分析的重点在于如何通过踏板的微妙变化和力度层级的堆叠，来营造出梦境或内心挣扎的氛围。 第四部分：20世纪初期的过渡与实验 本部分触及向现代音乐过渡期的作品，这些作品在和声语言和节奏上开始出现新的倾向。 德彪西的印象派色彩： 德彪西前奏曲选段： 选取了具有鲜明印象派色彩的作品，强调音色和氛围的营造。技术核心在于对“色彩”的追求——如何通过触键的轻重、踏板的模糊与清晰的交替，创造出水波纹、光影变幻般的听觉效果。强调平行和弦的运用以及非功能性和声的听觉处理。 总结与展望： 本书的编排旨在引导学习者跨越基础阶段，进入对不同历史时期音乐风格的深入理解与个性化诠释。每部作品的选择都基于其在特定时期风格发展中的里程碑意义，以及对演奏者技术全面性提升的价值。通过系统地钻研这些经典作品，演奏者将能建立起更为成熟的音乐判断力与更为精湛的键盘驾驭能力。

评分☆☆☆☆☆

这本《贝多芬奏鸣曲全集导读》简直是为我这种级别不太高但又渴望深入了解古典钢琴音乐的爱好者量身定做的。作者的笔触极其细腻，对于每一首奏鸣曲，他都不只是简单地罗列创作背景和结构分析，而是真正地进入了贝多芬的内心世界。比如，在解析“悲怆”奏鸣曲时，他没有用那些晦涩难懂的音乐学术语，而是用非常生活化的语言描述了贝多芬在创作时的那种挣扎与激情，读起来完全没有压力，反而像是在听一位资深音乐家坐在你身边，娓娓道来一段段传奇故事。特别是他对于踏板使用的独到见解，完全颠覆了我过去的一些陈旧认知，让我明白原来只是简单地踩下或抬起踏板，背后竟然蕴含着如此丰富的色彩变化和情感层次。这本书的排版也十分考究，很多乐谱的引用部分都配上了清晰的放大图，让我这个视力不太好的老乐迷也能看得清清楚楚，这点真的要给个大大的赞。总而言之，这是一本能让你真正“爱上”贝多芬，而不是“学完”贝多芬的绝佳读物，非常推荐给所有想提升音乐鉴赏力的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

我最近购入的这本《巴赫赋格的结构与灵性》真是让人大开眼界，完全颠覆了我对巴赫音乐“刻板”、“严谨”的印象。这本书的作者显然是一位对数学逻辑和神学都有深刻理解的学者，他没有停留在技术层面分析对位法的复杂性，而是花了大量的篇幅去探讨巴赫如何在看似冰冷的数学结构中，注入了近乎宗教般的虔诚与人性光辉。书中对《平均律键盘曲集》中几首关键赋格的解构简直是艺术品级别的，作者如同拿着一把精密的解剖刀，一层层剥开音符背后的逻辑骨架，同时又用诗意的语言描述了这种结构如何导向一种形而上的精神体验。我尤其欣赏它对“主题发展”这一概念的阐述，作者提出了一种“螺旋上升”而非简单的重复演变理论，这对我理解赋格音乐的内在驱动力起到了关键性的作用。唯一的“缺点”或许是，这本书的知识密度实在太高了，我得带着笔记本，经常停下来查阅一些关于十六、十七世纪宗教音乐背景的资料，才能完全跟上作者的思路。但即便如此，它绝对是值得反复研读的经典。

评分☆☆☆☆☆

这本《肖邦夜曲的情感谱系》简直是为肖邦迷准备的“精神按摩仪”。这本书的撰写风格非常具有个人色彩，作者是一位知名的钢琴教育家，但她叙述故事的方式更像一位知心大姐。她完全抛弃了传统的曲目编号顺序，而是按照“忧郁”、“沉思”、“狂喜”、“回忆”等情绪主题来组织和分析夜曲。这种分类法非常直观，让我立刻就能找到当下心情最契合的那首曲子来倾听或练习。例如，在描述那些带有明显波兰民间色彩的夜曲时，作者穿插了许多关于肖邦流亡时期的轶事，使得那些黑白键上的旋律不再是孤立的音符组合，而是承载着浓厚家国情怀的载体。我尤其喜欢其中一个章节，探讨了夜曲中“即兴感”的拿捏尺度，如何在追求自由表达的同时，不至于破坏肖邦作品原有的精致结构。这本书没有提供任何练习技巧，但它成功地教会了我如何用“心”去演奏肖邦，极大地丰富了我的音乐想象力。

评分☆☆☆☆☆

不得不提一下我淘到的这本《二十世纪钢琴作品演奏技巧进阶指导》。说实话，我一开始是抱着试试看的态度买的，毕竟很多现代钢琴教材都过于偏重理论而忽略了实操的难度。然而，这本书的实用性超乎我的想象！它专门针对德彪西、拉威尔、普罗科菲耶夫这些“难啃的骨头”的特殊演奏技法提供了非常具体的解决方案。比如，对于那些需要快速、均匀的集群音型，书里提供了一套结合了手臂重量和手指独立性的练习方法，这比我过去听到的那些“多弹多练”的空泛建议要具体有效得多。作者非常注重身体力学与音乐表达的结合，他强调如何利用身体的自然放松来处理那些高难度的和弦与琶音，减少了演奏时的紧张感。书中还收录了大量现代作曲家对演奏者提出的具体要求，这让我们在排练时不至于“猜谜”。如果你正被德彪西的《前奏曲》或者斯克里亚宾的某些作品卡住，这本书绝对能为你提供一个全新的、更科学的突破口，强烈推荐给所有挑战现代曲目的演奏者。

评分☆☆☆☆☆

我最近翻阅的这本《维也纳学派钢琴教育思想的流变》是一本学术性非常强的著作，它详细梳理了从哈农到著名的钢琴教育学派之间思想的传承与演变。这本书的价值在于其宏大的历史视角，它并没有聚焦于某一个具体的练习曲集或教材，而是探讨了“钢琴教学法”本身是如何随着时代的需求和对人类潜能理解的深化而不断自我革新的。书中对早期德奥体系中对“手指独立性”的过分强调进行了批判性的反思，并展示了后期教学理论如何转向关注“整体运动链”和“听觉引导”。作者引用了大量的教育家之间的书信和早期讲义片段，使得论述极具说服力，让人清晰地看到，那些我们今天习以为常的教学方法，背后其实经历了漫长的理论辩论和实践检验。对于那些想成为钢琴教师或者对钢琴教学史感兴趣的资深学生来说，这本书提供了坚实的理论基础和批判性思维框架，是提升专业素养的必备参考书，但对纯粹的初学者来说，可能略显深奥，更像是一部钢琴教育学的“史记”。