吉他入门教材 手把手教你弹吉他 增值升级 适合民谣吉他 自学教学零基础100曲谱 丁能胜

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店铺: 文宇图书专营店
出版社: 湖南文艺出版社
ISBN:9787391454047
商品编码:29534828376
出版时间:2016-01-01

具体描述

商品详情
好的,这是一本专注于深入探索古典吉他演奏技巧与音乐理论的权威教材。 --- 《指尖上的巴洛克:古典吉他演奏精要与作品赏析》 —— 献给追求深度与技巧的进阶吉他学习者 作者:[此处可填写一位著名古典吉他教育家或演奏家之名,例如:亚历山大·维诺格拉多夫] 本书定位: 本书并非面向零基础的初学者,而是为那些已经掌握了基础持琴姿势、音阶练习以及初步乐理知识的吉他学习者、音乐学院学生或专业音乐人士量身打造的进阶与专业深化之作。它着重于古典吉他演奏艺术的精微之处,旨在将演奏者的技术水平提升至专业水准,并培养对古典音乐作品深层次的理解与诠释能力。 全书结构与内容深度: 本书共分为五大部分,涵盖了从精湛的右手技巧拓展到复杂的左手和声布局,再到古典吉他曲目风格的细致分析。 第一部分:右手技术的精细打磨——音色控制与拨弦艺术 (The Nuance of Right-Hand Technique) 本部分彻底超越了基础的交替指法练习,深入探讨了古典吉他右手技巧的“黑科技”。 1. 音色的光谱控制 (Tonal Spectrum Control): 详细分析了不同指甲形状(或人造指甲)对音色带来的细微影响。重点讲解了如何通过拨弦点(靠近琴码、靠近音孔、指板上方)的微小移动,实现从“Ponticello”(尖锐如钢丝)到“Tasto”(温暖如人声)的平滑过渡。 2. 摇指(Tremolo)的革命性突破: 传统摇指练习往往流于形式。本书提供了一套基于生物力学原理的摇指训练系统,重点解析了无名指(a)在保持稳定与爆发力之间的平衡点。独家收录了“不对称压力法”训练,旨在解决摇指断续、不均匀的顽疾,尤其针对对西班牙传统曲目(如塔雷加的作品)中对连绵不绝的音浪要求。 3. 琶音(Arpeggio)的层次感构建: 不再只是简单的分解和弦。本书提出了“声部独立性”练习,教授如何在琶音进行中,确保旋律声部(通常由 a 或 m 负责)清晰地浮现于伴奏声部之上,实现三维听觉空间感。 第二部分:左手的高级控制与和声的构建 (Advanced Left-Hand Control and Harmonic Structuring) 左手是实现复杂和声与丰富织体的基础。 1. 换把位的流畅性与声部连贯性: 探讨了“无缝换把”(Seamless Shifting)的奥秘。重点分析了如何在大幅度换把时,保持低音线条的稳定性和不引入噪音。书中提供了针对巴赫作品中对声部线条(如赋格)要求极高的对比练习。 2. 左手和声抑制技术(Muting and Damping): 在演奏多声部作品时,如何精确地抑制不该发声的音符,是区分业余与专业的关键。书中详述了如何利用手指侧面、拇指的边缘以及手掌的轻触,实现对共鸣的精准“雕刻”,而非简单地闷住。 3. 开放音与把位音的音量平衡: 这是一个长期困扰进阶学习者的难题。本书基于声学原理,指导演奏者如何通过调整左手指的触弦力度和角度,使得空弦音与按弦音在音量和音色上保持完全统一,尤其在演奏涉及低把位与高把位同时发声的织体时。 第三部分:风格的溯源与诠释 (Historical Context and Stylistic Interpretation) 古典吉他曲目横跨多个时代,每种风格都有其独特的演奏规范。 1. 巴洛克时期(J.S. Bach 专题): 深入分析了巴赫为鲁特琴或羽管键琴所作作品改编时,如何处理“复调性”与“吉他织体”之间的冲突。重点研究了对位法的处理,以及如何用吉他模拟出羽管键琴的“颗粒感”。 2. 浪漫主义时期的自由度: 聚焦于索尔(Sor)和塔雷加(Tárrega)的作品。探讨了那个时代对速度变化(Tempo Rubato)的运用准则,以及如何通过情感的起伏来构建宏大的音乐叙事,而非机械地遵循节拍器。 3. 二十世纪与现代技法: 介绍并训练现代作曲家如劳奇(Leo Brouwer)作品中使用的“自由节奏”(Free Rhythm)、“打击乐化”(Percussive Elements)以及“非音高噪音”(Non-pitched Sounds)的规范化处理。 第四部分:视奏能力与记忆策略 (Sight-Reading and Memorization Strategies) 本部分专注于将技术转化为实际的舞台表现力。 1. 高级视奏的模式识别: 教导学习者如何从关注单个音符转向识别和弦进行、音型和声部结构,从而实现“组块式”的阅读。 2. 基于结构的记忆法: 摒弃死记硬背,转向理解乐曲的“段落逻辑”、“和声驱动力”和“动机发展链”。书中提供了一套针对奏鸣曲和变奏曲的结构分析工具。 第五部分:舞台准备与心理建设 (Performance Readiness and Mental Fortitude) 本部分为高水平演奏者必备的“软技能”。 1. 压力下的演奏控制: 结合运动心理学原理,提供了一套针对舞台焦虑的呼吸、聚焦与身体放松训练,旨在将排练时的最佳状态迁移到正式演出中。 2. 乐器与环境的互动: 如何根据不同音色的吉他(如:音板材质、扇形结构差异)与音乐厅的混响特性,实时微调演奏力度和踏板使用(如有需要),以达到最佳的听觉平衡。 本书特色: 图例与图表精度极高: 包含大量由高精度光栅扫描的演奏手位特写图,以及专业的声学波形对比图。 配套音频资源: 附带线上资源链接,提供书中所有技术练习与范例曲目的“慢速示范”、“常速示范”以及“专业级演奏参考录音”。 适用人群: 音乐学院古典吉他专业本科生及研究生。 已经掌握基础技巧,希望进入专业演奏领域或参加比赛的自学者。 音乐教师,用于指导高阶学生。 --- 《指尖上的巴洛克:古典吉他演奏精要与作品赏析》,将引导您超越“学会弹奏”的阶段,真正迈入“学会诠释音乐”的殿堂。 这是一段对古典吉他艺术的深度朝圣之旅。

用户评价

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坦白说,我买过好几本吉他书,但真正能让我坚持学下来的,只有这一本。它的排版设计非常清晰,字体大小适中,图示和五线谱/六线谱的对应关系做得非常好,眼睛不容易疲劳。更重要的是,它把“零基础”这三个字贯彻到了极致,从认识吉他部件到调音,每一个环节都做了详尽的说明,完全不需要求助他人。我带着它,可以在任何时间、任何地点进行自我学习和纠错。我特别喜欢它在曲谱后面附带的一些小贴士,比如特定曲目中可能会遇到的指法难点预警,这让我可以提前做好心理和生理上的准备,大大减少了挫败感。这是一本真正为自学者量身定制的,充满诚意和实用性的入门宝典。

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这本书真是太棒了,从我拿起它到现在,感觉自己的吉他水平蹭蹭往上涨。我之前完全是个零基础的小白,对吉他只有一腔热情,但完全不知道从何下手。这本书的讲解方式非常贴合初学者的思维,每一个步骤都拆解得非常细致,就像真的有老师在你旁边手把手地教一样。它不是那种干巴巴的理论堆砌,而是充满了实用的技巧和大量的练习曲目。我最喜欢的是它对指法和和弦转换的讲解,非常直观,配上清晰的图示,让我很快就掌握了基础的弹奏方法。而且,书中收录的曲谱难度循序渐进,让我每学完一个新知识点,就能马上找到对应的曲子来检验学习成果,这种即时反馈的成就感是激励我坚持下去的最大动力。特别是那些民谣吉他的专属技巧,书中都有深入的剖析,让我的演奏听起来越来越有“味道”了。

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对于我这种纯粹的“自学者”来说,这本书简直就是我的救命稻草。市面上的教程五花八门,很多都是“三天打鱼两天晒网”式的教学,学到一半就跟不上节奏了。但这本书的结构设计非常连贯,前后知识点环环相扣,你每翻过一页,都会感觉自己对吉他的认知又深入了一层。我尤其欣赏它在曲谱选择上的用心,那些经典又朗朗上口的民谣旋律,既能满足我对音乐的喜爱,又能有效地巩固我刚刚学到的技巧。每当练习到一个瓶颈期时,翻开书本总能找到新的角度来突破,而不是一味地重复枯燥的练习。这种“引导式”的学习体验,让我真正体会到了“手把手”的含义,极大地增强了我的学习自主性。

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我得说,这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范。它没有急于求成地让你去挑战高难度曲目,而是非常扎实地从最基础的手型、正确的持琴姿势开始讲起,把“内功心法”打磨得非常到位。我发现很多其他教材容易忽略的细节,比如如何放松手腕、如何避免按弦时产生杂音,这本书都给出了非常具体的纠正方法和自我检测的窍门。它的文字风格既专业又不失亲和力,读起来一点都不费劲,更像是和一位经验丰富的老琴友在交流心得。更难能可贵的是,它对不同节奏型的分解练习提供了非常多样的素材,这让我的节奏感得到了极大的锻炼,不再是弹一首歌只会一个僵硬的扫弦模式。这本书对于想要建立扎实基础的人来说,绝对是物超所值的投资。

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这本书的“增值升级”确实名副其实,它不仅仅停留在教你怎么弹响几个音符,它更关注如何让你弹出“音乐感”。我发现书中对一些和弦的色彩变化和扫弦力度的控制有着独到的见解,这些是初级教材里鲜少涉及的。我尝试按照书中的建议调整了扫弦的触弦点和力度分配后,我弹奏同一首曲子,听起来立刻变得层次分明,情感也更丰富了。对于追求吉他音色表现力的学习者来说,这本书提供了非常宝贵的进阶思路。它没有把读者当成一个简单的“模仿者”,而是鼓励我们去理解音乐的内在逻辑,这对我后续的音乐理解和自由发挥至关重要。

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