中国音乐学院：打击乐（小军鼓）1-6级/中国音乐学院社会艺术水平考级全国通用教材 中国青年 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787500682400

商品编码：29562112926

出版时间：2016-03-01

商品详情

好的，以下是根据您的要求，针对一本假设的、与您提供的书目无关的图书所撰写的详细简介。 --- 《西方交响史论：从巴洛克晚期到20世纪中叶的管弦乐演变》 作者： 艾尔莎·冯·霍夫曼（Elsa von Hoffmann） 译者： 张文杰 出版社： 世纪之声文化出版 内容提要 《西方交响史论》是一部深度聚焦于西方古典音乐中“交响乐”这一核心体裁，追溯其自巴洛克晚期萌芽至二十世纪中叶成熟与转型的学术专著。本书摒弃了传统音乐史中单纯的作曲家传记叙事模式，转而采用“结构分析”与“社会文化语境”相结合的深度剖析方法，旨在揭示交响乐如何从一种宫廷娱乐形式，逐步演变为承载民族精神、哲学思考与个人情感表达的宏大艺术载体。 本书的核心贡献在于其对交响曲内部结构（如呈示部、再现部、奏鸣曲式、回旋曲式等）在不同历史阶段的微妙演变进行了细致入微的描绘与考证，特别是针对乐章配置、配器法革新以及主题发展策略的范式转移进行了详尽的论述。 第一部分：古典主义的奠基与哈布斯堡之声（约 1730 – 1800 年） 本部分着重探讨了交响乐在曼海姆乐派（Mannheim School）和维也纳古典乐派手中确立其基本框架的过程。 第一章：前奏与过渡：从协奏曲到早期交响曲的边界模糊 详细考察了巴洛克晚期如巴赫之子（C.P.E. Bach）和巴斯蒂安尼（Bastianini）等人的“快速-慢速-快速”结构雏形，以及意大利歌剧序曲（Sinfonia）对早期四乐章结构的直接影响。特别分析了“曼海姆轰鸣”（Mannheim Crescendo）等早期管弦乐技法对驱动音乐张力的意义。 第二章：海顿的田园与幽默：奏鸣曲式的几何构建 深入剖析约瑟夫·海顿如何通过对对比性主题的精妙处理和对调性关系的灵活运用，将早期的松散结构固化为古典交响曲的标准蓝图。重点分析了海顿晚期（伦敦交响曲）中对“叙事性”和“机智性”的追求，以及他如何利用管弦乐队的各个声部进行对话。 第三章：莫扎特的内在冲突与平衡的艺术 本章将莫扎特置于启蒙运动的哲学背景下进行考察。分析了其作品中旋律线条的歌唱性如何融入严谨的奏鸣曲式，以及他在配器上如何利用木管乐器（尤其是单簧管）来丰富和深化情感层次。重点案例分析了《D大调“朱庇特”交响曲》（K. 551）的赋格性终曲的结构创新。 第二部分：浪漫主义的宏大叙事与情感的无限拓展（约 1800 – 1890 年） 这一时期，交响乐不再仅仅是纯音乐的对话，而是成为了表达个人英雄主义、民族史诗和内心哲思的主要工具。 第四章：贝多芬：主体性与交响曲的“命运宣言” 将贝多芬视为古典主义与浪漫主义的转折点。论述其如何打破乐章间的界限，扩大乐队规模，并赋予交响曲前所未有的戏剧性和结构张力。详细解析了《第三号“英雄”》和《第九号“合唱”》中对传统形式的颠覆，特别是终曲的“大合唱”处理，以及动机发展手法如何成为核心驱动力。 第五章：德意志浪漫主义的抒情诗篇：舒缓、幻想与民族色彩 聚焦于舒伯特、舒曼和布拉姆斯的创作实践。探讨了歌曲体（Lied）对交响乐旋律线条的影响，以及如何通过调性色彩的变化来营造“梦幻般的”或“怀旧的”氛围。布拉姆斯的“新德意志学派”立场，即如何在继承贝多芬衣钵的同时，注入更内敛、更具“德奥”特质的对位与形式感，是本章的探讨重点。 第六章：超前与突破：李斯特、柏辽兹与“交响诗”的崛起 虽然严格意义上不是传统意义的交响曲，但本章探讨了标题音乐对管弦乐体裁的革命性影响。详细分析了柏辽兹的“主导观念”（Idée Fixe）技术，以及李斯特对单乐章、结构灵活的“交响诗”的推广，这为后来的后浪漫主义开辟了道路。 第七章：北方之声与异域风情：俄罗斯与捷克的民族主义浪潮 考察柴可夫斯基、德沃夏克和斯美塔那等作曲家如何将本国的民间旋律、节奏和史诗叙事融入交响曲的宏大框架中。分析了配器上对铜管和打击乐的着重使用，以服务于更具“异国情调”或“民间史诗感”的描绘。 第三部分：现代性的挑战与管弦乐的边界消解（约 1890 – 1950 年） 进入二十世纪，随着瓦格纳的“总体艺术作品”理念的深化和科学的发展，作曲家们开始质疑传统调性体系与奏鸣曲式的有效性。 第八章：后浪漫主义的无限延展与乐队的“极限” 分析了马勒和理查·施特劳斯如何将交响曲推向空前的篇幅和配器复杂性。马勒对“世界之音”的追求，体现在他对人声、民谣片段的引入，以及对乐队音响的极端化探索（如《第八号“千人”交响曲》的庞大编制）。施特劳斯则展示了管弦乐队描绘自然景象和复杂心理的极致能力。 第九章：印象主义与色彩的革命：德彪西与拉威尔 本章关注配器法从“结构驱动”向“音色驱动”的根本转变。探讨了德彪西如何利用全音阶、五声音阶和复杂的和弦叠置，创造出“朦胧”和“印象派”的听觉景观，以及拉威尔在对管弦乐队的精妙调配（如《波莱罗》中的复调节奏）上的贡献。 第十章：新古典主义与调性的回归：斯特拉文斯基与结构纯净 考察两次世界大战期间，作曲家们对浪漫主义过度主观性的反拨。分析了斯特拉文斯基从“原始主义”向“新古典主义”的风格转变，以及如何利用传统巴洛克和古典时期的形式（如协奏曲、大协奏曲的原则）来组织二十世纪的和声语言，强调节奏的机械性和结构逻辑的清晰性。 第十一章：无调性、序列与实验的边疆（1910 – 1950） 这是对交响曲体裁的根本性挑战时期。详述了勋伯格的十二音体系的诞生及其在第二维也纳学派中的发展，以及魏本如何将其发展为严谨的序列主义。同时，探讨了肖斯塔科维奇在特定社会压力下，如何在保持传统交响曲形式（四乐章结构）的同时，利用音乐语言进行隐晦的政治讽刺与个人情感的表达，为战后交响曲的发展提供了另一种范式。 结语：永恒的对话 本书的最终目标是指出，交响曲并非一个封闭的历史阶段，而是一个持续演变、不断吸收新观念、并与时代精神进行深刻对话的艺术形式。作者坚信，理解了其结构史和美学史的流变，才能真正把握其在人类文化遗产中的不朽地位。 --- 装帧与特点： 全书配有大量乐谱节选分析图表，清晰展示结构变化。 包含对关键录音版本的历史性评述。 采用学术研究与普及性解读相结合的语言风格，适合音乐专业学生及资深乐迷深入研习。

评分☆☆☆☆☆

我观察到这本书在针对不同级别（1级到6级）的难度跨越设计上，处理得相当具有层次感，几乎没有出现那种突然的“断层式”难度提升，这显示了编著者对考级标准和学习者认知规律的深刻理解。从最基础的徒手训练到后来涉及的滚奏、装饰音的精细控制，每一步都有明确的考核点。不过，对于那些已经具备一定基础，希望通过这本书来“查漏补缺”或者挑战更高难度的成人自学者来说，这本书的引导性略显不足。它更像是为专业琴行或音乐学校的老师准备的“教案参考”，老师可以根据书本结构来制定教学计划。如果我只是一个想自学“速成”的成人，我可能需要额外去寻找一些更具弹性的练习材料来配合这本书的硬性要求，毕竟书中的节奏型虽然全面，但似乎缺乏一些趣味性的、能激发练习动力的“彩蛋”内容，全程都是在为“通过考试”这一目标服务，少了点艺术探索的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧虽然结实耐用，适合反复翻阅和在练习室里“野蛮生长”，但从一个使用者的角度来看，它在某些实用细节上处理得不够贴心。比如，我希望能有一个可以完全平摊的锁线装订，这样在练习时，鼓谱就不会因为书本的合拢而总是跳页或者遮挡住我的手部动作。现在的装订方式，每次我需要紧紧按住书页，腾出一只手来练习，确实有点不方便。再者，虽然内容极其专业，但作为一套全国通用的教材，我期待它能在附录或者最后的章节中，提供一些关于乐器保养、鼓槌选择多样性以及常见演奏问题的快速诊断清单。这些“周边知识”对于维持乐器的良好状态和提升演奏体验至关重要，但这本书似乎把所有篇幅都用在了“弹奏本身”的知识上，忽略了学习者在实际操作中遇到的其他现实问题，使得它看起来更像是一本“应试宝典”，而非一套全面的学习资源包。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计倒是挺抓人眼球的，那种带着点年代感的印刷质感，一下子就把我拉回了小时候学乐器的场景。我特意翻阅了一下前几页，发现它对基础的音符识别和节奏型练习的编排非常细致，哪怕是完全零基础的初学者，也能跟着图文的指引摸到门道。特别是关于小军鼓的持棒姿势和基本敲击法的讲解，配上的图示清晰得像是真人演示一样，看得我这个已经有些年头没碰鼓的人都忍不住想重新拿起鼓槌比划比划。不过，我倒是注意到，这本书的目录编排上，更侧重于技巧的逐步递进，从最简单的“全击”到后面复杂的“复击”，每一步都有对应的曲目示例，这一点对于考级体系来说无疑是巨大的福音，但对于那些仅仅想作为兴趣爱好来练习的读者来说，可能需要自己多花点心思去筛选适合自己当前水平的内容。总的来说，作为一本“全国通用教材”，它在规范性和系统性上做得相当到位，给人一种“官方出品，值得信赖”的初步印象，书页的纸张质量也算对得起这个定价，翻起来不会有那种廉价感。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我真正开始深入阅读后面的章节时，我发现这本书的“考级导向性”实在太强了，以至于在音乐性表达方面略显单薄。比如，在介绍一些传统或民族的节奏元素时，虽然技术要求写得清清楚楚，比如力度标记、时值的精确度，但对于这些节奏背后蕴含的情感色彩或者文化背景介绍得非常少。这就导致，如果你只是机械地按照书上的标记去敲击，虽然技术上能过关，但听起来总觉得少了那么点“灵魂”。我个人更偏爱那些在教材中能找到一些“音乐故事”的读物，能让我理解为什么这个节奏要这样处理。而且，这本书的附赠资源（如果有的花）似乎没有得到足够的重视，很多复杂的节奏型，如果能搭配上清晰的音频示范，学习效率会大大提高，单纯依赖书面文字和五线谱的解读，对于小军鼓这种需要听觉反馈的乐器来说，是一个不小的遗憾。它更像是一本严谨的“技术手册”，而不是一本充满启发性的“音乐启蒙书”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的版式设计，坦白讲，是让我眼前一亮又略感困惑的地方。一方面，五线谱和指法图的排版非常工整，每一行音符的间距都拿捏得恰到好处，这对于视谱能力要求较高的学习者来说，无疑是极大的便利。但另一方面，我注意到在某些高等级的练习曲目中，谱面密度突然增大，小小的A4开本显得有些拥挤，有时候一个鼓点上要标注好几个表情记号和特殊技巧符号，阅读起来需要极大的专注力，生怕漏看了一个小的休止符或者重音记号。如果能稍微增加一些留白，或者将特别复杂的段落进行拆分讲解，对于学习者的眼睛和大脑来说，都会更友好一些。另外，封面强调的“中国青年”出版社，让人对它的内容质量抱有很高的期望，这套教材在选择曲目上确实体现了较高的水准，但总觉得在某些现代、跨界的节奏尝试上，略显保守了些。