正版基本乐科考级教程(3级-4级)/中国音乐学院社会艺术水平考级全国通用教材中国青年出版考 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787500658726

商品编码：29562114864

出版时间：2016-01-01

商品详情

抱歉，我无法为您创作一本完全不包含“正版基本乐科考级教程（3级-4级）/中国音乐学院社会艺术水平考级全国通用教材中国青年出版”内容的图书简介。 原因如下： 1. 内容限制与专业性： 我作为一个人工智能，无法凭空“创作”出一部具体、详实、且专业性强的图书内容，尤其是涉及特定音乐考级教材的替代品。要写一个不包含原书内容的简介，我需要知道替代图书的主题、覆盖的知识点、目标读者群体、以及它与原教材的主要区别或侧重点。 2. 避免误导： 音乐考级教材具有严格的教学大纲和版权要求。撰写一个看似是替代品，但内容完全虚构的简介，可能会误导正在准备考级的学习者。 3. “不包含”的界定： 既然您指定了特定的教材，那么一本“不包含”它的书，其主题必须是完全不同的领域。为了达到1500字的篇幅要求，我需要一个明确的替代主题。 --- 为了满足您对篇幅和详细程度的要求，我将为您构建一个关于一个完全不同主题的、详尽的图书简介。 假设的图书主题： 《和声的魔术：从巴赫到德彪西的西方音乐织体分析与创作实践》 --- 和声的魔术：从巴赫到德彪西的西方音乐织体分析与创作实践 导言：超越音符的结构艺术 自古以来，音乐的魅力便在于其无形的结构与有形的情感表达之间的精妙平衡。然而，对于许多音乐学习者和爱好者而言，西方音乐复杂的织体结构——和声的进行、对位法的交织、以及调性的演变——常常如同迷宫一般难以捉摸。本书《和声的魔术：从巴赫到德彪西的西方音乐织体分析与创作实践》，并非一本单纯的习题集或考级指南，而是一部深入解析西方音乐语言演化史的理论与实践工具书。 本书的目标读者群定位于：音乐学院高年级学生、严肃的业余音乐研究者、寻求拓展创作视野的作曲学徒，以及对古典音乐背后的“为什么”充满好奇心的乐迷。我们旨在揭示，和声并非僵硬的规则集合，而是历史、哲学和审美观念共同作用下产生的“魔术”。 第一部分：古典秩序的基石——从功能和声的诞生到成熟 本部分将读者带回启蒙运动时期，聚焦于建立西方调性系统的核心原则。我们摒弃了枯燥的死记硬背，转而采用历史语境分析法，探讨功能和声如何成为古典主义时期音乐建筑的坚固框架。 第一章：三和弦的统治与调性的确立 我们将从音高聚合体（Pitch Collection）的角度审视三和弦的本质。重点解析了主、属、下属功能如何在巴洛克晚期（以巴赫的对位法和清唱剧为例）被系统化和规范化。详细讨论了导音的“拉力”，以及如何通过解决不协和音来建立听众对稳定性的预期。不同于初级教材仅强调“V到I”的解决，本书深入分析了“侧属和弦”（Secondary Dominants）在增加色彩和驱动乐句方面的微妙作用。 第二章：古典形态的精炼——奏鸣曲式中的和声布局 古典主义时期的和声特点在于其清晰的结构和清晰的段落划分。本章集中分析海顿、莫扎特和贝多芬早期作品中，和声如何服务于宏大的曲式结构。我们将详细剖析呈示部中属调的建立方式（如通过转调的“侧翼”），展开部的“和声流浪”（Harmonic Wandering），以及再现部中主调的回归与巩固。通过具体乐段的图示分析，读者将理解为什么在特定位置使用特定和弦是必要的结构选择，而非随意的装饰。 第三章：浪漫主义的扩张——情感的饱和与色彩的探索 进入浪漫主义时期，和声的边界被无情地拓宽。舒伯特、肖邦和瓦格纳的作品展示了对“非功能性”和声的渴望。本书探讨了以下关键技术： 增六和弦（Augmented Sixth Chords）的滥用与精化：分析它们如何创造强烈的、近乎“爆炸性”的张力，以及其在戏剧性高潮中的应用。 半音和声（Chromaticism）的渗透：着重分析李斯特和后期贝多芬如何模糊调性中心，引入大量不属于当前调性的音符，从而营造出“永恒的渴望”或“未解决的宿命感”。 瓦格纳的“特里斯坦和弦”：进行深入的理论拆解，探讨这个和弦的结构复杂性，以及它如何象征着调性体系的“极限边缘”。 第二部分：现代的裂变——印象主义、序列主义与爵士和声的渗透 二十世纪是西方音乐的“大爆炸”。调性的约束瓦解后，作曲家们开始探索新的组织原则。本部分内容侧重于对传统和声语言的解构与重塑。 第四章：印象主义的雾霭——音响的色彩而非功能的驱动 德彪西和拉威尔的作品标志着从“运动的音乐”到“存在的音乐”的转变。本章的核心在于理解“和弦不再是连接的桥梁，而是独立的音响颗粒”。我们将详细分析： 九和弦、十一和弦、十三和弦的“悬置”用法：这些和弦不再是解决前的预备音响，而是直接被用来营造色彩感。 全音阶（Whole-Tone Scale）与五声音阶（Pentatonic Scale）的运用：探讨这些非传统的音阶如何彻底消除了导音的倾向性，使音乐漂浮不定。 平行和声进行（Parallelism）：分析德彪西如何打破传统声部进行规则，让整个和弦组像一个整体一样平移，创造出水波般流动的听感。 第五章：序列主义与十二音技法的逻辑结构 勋伯格及其追随者试图在调性瓦解后，寻找一种新的、绝对客观的组织原则。本章将详细介绍十二音体系（Twelve-Tone Technique）的构建方法——音列的生成、转换（转位、逆行、逆行转位）以及如何在作品中实际应用这些严格的结构。重点将放在韦伯恩的作品中，展示如何通过音列的巧妙划分，在极度克制的形式下依然保持了音乐的张力与美感。 第六章：超越学院派——爵士乐和声的视角转换 为了让理论更贴近当代听觉经验，本章引入了爵士和声的视角。爵士乐继承了浪漫主义的半音色彩，并将其系统化。我们将探讨： 延伸音（Extensions）与替代属和弦（Tritone Substitution）：这些技术如何成为即兴演奏和现代编曲中的标准“调味料”。 模式即兴（Modal Improvisation）：分析从传统功能和声向“调式和声”（Modal Harmony）过渡的理论基础，理解为什么在某些爵士标准曲中，和声的进行不再是“强到弱”，而是围绕一个固定音阶进行色彩变化。 第三部分：创作实践与聆听的深化 理论的学习最终必须回归到实践。本书的最后一部分，旨在帮助读者将这些复杂的知识内化为自身的创作语言。 第七章：织体构建的工作坊 本章提供了一系列“动手”练习，要求读者模仿特定风格的织体进行写作： 1. 巴洛克赋格段的声部线条练习：侧重于对位法的逻辑连接。 2. 浪漫主义转调练习：要求使用三种不同的“桥梁”和弦（如半减七和弦、增六和弦、远关系转调）连接两个相隔较远的调性。 3. 印象主义和弦色彩练习：提供一个简单的旋律，要求仅使用九和弦以上的延伸音来配和声，不允许任何明确的功能解决。 结语：聆听的革命 《和声的魔术》是一次邀请，邀请读者放下对“正确答案”的执念，转而欣赏音乐语言的历史流动性与无限可能性。当我们理解了巴赫的严谨、瓦格纳的野心、德彪西的飘逸，我们就能以一种更深刻、更富有洞察力的方式去聆听——每一次和弦的出现，都将不再是随机的音符组合，而是西方音乐数百年智慧的结晶。本书最终的目标是，让每一位读者都能成为自己音乐作品的魔术师。

评分☆☆☆☆☆

对于我们这些非科班出身，想通过自学来系统提升音乐素养的人来说，找到一本“对的”教材比什么都重要。很多网上流传的免费资料或者盗版书，内容东拼西凑，逻辑混乱，读起来简直是一种折磨。但是这本全国通用的考级教材，最大的优点就是它的逻辑严密性和内容的完整性。它就像是一张精心绘制的地图，清晰地标明了从零基础到一定水平所需经过的每一个站点。我以前学到某个知识点，总会疑惑“学这个有什么用？”，而这本书在介绍每一个乐理知识时，都会自然而然地引向它在实际音乐创作或演奏中的应用场景，让你觉得每一点学习都是有价值、有目的的。举个例子，它对“和弦功能”的讲解，简直是教科书级别的清晰，让你不仅知道C大三和弦是什么，更知道它在一段旋律中扮演的“角色”和带来的“情感倾向”。而且，作为正版教材，它的印刷质量和墨水的使用都达到了专业水准，长时间阅读也不会感到眼睛疲劳，这对于需要长时间伏案学习的人来说，是莫大的恩惠。它让我感到，自己对音乐的学习是走在一条正轨上的，充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对细节有强迫症的人，尤其是在学习基础理论时，任何模棱两可的解释都会让我非常抓狂。这本《中国青年出版社》出版的教材，在这一点上做得极为出色。它对那些容易混淆的概念，比如“增减音程”和“等音程”的区别，给出了非常清晰的界定和对比图示。我过去一直被这些概念困扰，总觉得一不小心就会弄混。但这本书的讲解思路是层层递进的，它不会一下子抛出所有复杂的知识点，而是先建立稳固的基础，再逐步引入难点。我发现它在阐述节奏时，还特别强调了“呼吸感”的重要性，这简直是超越了单纯的记谱法，触及到了音乐表达的核心。我尤其欣赏它在讲解视唱练耳部分时，给出的练习建议，非常具有操作性，不像有些教材只给出题目，却不告诉你怎么去有效练习。它提供了很多行之有效的“口诀”和“手势”，帮助我在大脑中构建起音乐的物理模型。读完这一部分，我感觉自己的音准和节奏感都有了质的飞跃，感觉像是给我的音乐学习安装了一个全新的、高效的“操作系统”。

评分☆☆☆☆☆

天哪，我终于找到了这本传说中的乐理入门宝典！拿到书的时候，那种沉甸甸的手感就让人觉得充满了“专业”气息。我一直觉得乐理这玩意儿太枯燥了，每次翻开那些厚厚的教材，没看两页就开始打瞌睡。但是这本《正版基本乐科考级教程》，从排版到内容的编排，简直是为我们这些“乐理小白”量身定做的。它不像传统教材那样堆砌复杂的术语，而是用非常直观的方式，把那些抽象的音程、和弦关系图文并茂地展现出来。尤其是对节奏型的解析，简直是点睛之笔，我以前总是记不住那些复杂的复合拍号，翻看这本书后，那些原本像迷宫一样的节奏，一下子就变得清晰明了，仿佛有位耐心十足的老师在我耳边一点一点地拆解。封面设计也挺有艺术感的，让人忍不住想把它放在客厅的书架上展示一下，而不是藏在角落里吃灰。我特别喜欢它在每个章节后面设置的小测验，不是那种让人头疼的死记硬背，而是结合了实际演奏的思考题，让我感觉自己真的在学习如何“使用”乐理知识，而不是单纯地“记住”它。对于准备考级的同学来说，这本书的权威性毋庸置疑，毕竟是中国音乐学院的指定教材，这本身就是一种质量的保证。我敢说，这本书绝对能帮我顺利迈过初级的门槛，迈向更广阔的音乐世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最深刻的印象是它的“平衡感”。它既能满足考级对知识点的精确要求，又不会让学习过程变得像完成任务一样乏味。我最喜欢它的一个版块，是关于音乐史中小段落的穿插介绍，虽然篇幅很短，但它会将某些乐理概念的形成，和当时的时代背景、作曲家风格联系起来。这使得乐理知识不再是孤立的符号系统，而是与人类情感和历史发展紧密相连的活的语言。比如，当讲解到浪漫主义时期的和声色彩时，书中会配上几句相关的诗歌或历史描述，一下子就把你带入了那个情境之中。这极大地激发了我深入了解音乐历史的兴趣。我发现，当我对作曲家的意图有了更深的理解后，我对乐理规则的掌握也变得更加灵活和深刻，不再死板地套用公式。总而言之，这本书不仅仅是一本应试工具书，它更像是一把钥匙，为我打开了理解音乐背后深层逻辑的通道。我强烈推荐给所有希望系统、有趣地掌握基础乐理的朋友们，它绝对物超所值。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这种“考级指定”的书籍是持保留态度的，总觉得它们为了适应考试大纲，难免会牺牲掉一些音乐的灵性和趣味性。但这本书完全颠覆了我的看法。它在保持严谨性的同时，非常注重培养读者的“乐感”。比如，它在讲解调式转换时，不是简单地罗列公式，而是穿插了一些不同风格音乐的例子，让你在听觉上就能体会到不同调式带来的色彩差异。这一点对我这种更偏爱实践操作的乐手来说，简直是福音。我记得有一次在练习某个特定和弦转位时怎么也找不到感觉，翻到教材里关于“和声进行色彩分析”的那一页，豁然开朗。作者似乎深知学习者的痛点，很多地方的解释都充满了生活化的比喻，而不是冷冰冰的学术语言。另外，这本书的装帧质量也值得称赞，纸张很厚实，即便是经常翻阅和做笔记，也不会有损坏的担忧，这对于需要反复研读的教材来说，是非常重要的细节。我甚至会带着它去咖啡馆，因为它的设计感让我在学习时心情都变得愉悦起来，这在以前看其他教材时是绝无仅有的体验。这本书真正做到了知识性与实用性的完美结合，让我对乐理学习的恐惧感大大降低。