具体描述
编辑推荐
文学大师芥川龙之介之子、现代音乐大师芥川也寸志，写给大家的音乐入门书
音乐评论家、《爱乐》前主编曹利群老师审校并热情推荐
音乐到底是什么？一本小书给你全部的解答。畅销日本四十余年，至今仍雄踞各大音乐书籍排行榜
作者是日本电影配乐的一代大师，曾跟众多知名导演合作，更受到黑柳彻子等人喜爱
比同系列热卖作品《如何听懂音乐》《极简音乐史》更好读，更清晰，更贴近现代
兼具大众和专业特色，设计清新优美
海报：
内容简介
本书是音乐大师芥川也寸志写给大家的音乐入门书。
人们欣赏音乐，演奏音乐，以不同的方式享受着它带来的乐趣。但要深入音乐的世界，首先应该了解音乐是什么。
音乐像一座城堡。节奏是基底，带来基础和生命；和声是外部设计，勾勒出轮廓；音程是一砖一瓦，构筑出纵向高度；对位法是内部构造，决定了城堡的复杂程度；曲式则是室内设计，与音乐的时间和空间有着紧密联系。
音乐是万物的语言。地平线的跃动、夏夜此起彼伏的虫鸣、绿荫深处的清风、恋人间的絮语……一刹那，一种感动满溢而出，音乐由此诞生。
本书以风趣易懂的语言，带你进入音乐的世界。只有完全沉浸其中的人，才会有美的发现。
作者简介
芥川也寸志（1925-1989）
日本作曲家、指挥家，作家芥川龙之介之子，毕业于东京音乐学校。1954年起开始发表作品，是日本战后音乐的代表人物之一，并多次担任柴科夫斯基国际音乐比赛的评委。
创作上深受普罗科菲耶夫和斯特拉文斯基影响。代表作有《埃洛拉交响曲》《弦乐三章——三折画》、声乐曲《车尘集》、歌剧《广岛的俄耳甫斯》等。著有《音乐是什么》《关于音乐的讲话》《音乐之旅》等。为纪念其在作曲方面的成就，三得利基金会特设立“芥川作曲奖”。
精彩书评
芥川也寸志先生为电影所谱写的音乐，是日本战后电影音乐的高峰。
——《日刊工业新闻》
芥川也寸志先生一生致力于将音乐传达给大众，为电视、电影配乐超过一百首，而且并不断致力于维护音乐人的权益，为日本音乐文化做出了巨大贡献。
——雅马哈音乐
目录
第1章音乐的素材
第2章音乐的原则
第3章音乐的形成
第4章音乐的结构
精彩书摘
寂静
相对安静的环境是音乐存在的必要条件。比如说在钟声（或其他类似的声响）非常响亮的环境下，就没法演奏以“钟声”为素材的音乐。因为就算演奏了，乐声也会融入环境音，听不出来，仿佛是用红色的蜡笔在红色的纸上涂画。
然而，过度的安静—真正的寂静与连续不断的轰鸣一样，都会给人的精神带来异常的痛苦。在日常生活中，我们不会有这样的体验，但如果被关进测试音响设备的消音室，你会发现所有声音都被墙壁、地板和天花板吸收殆尽，连自己的说话声都听不分明。这时，你会产生极其强烈、近乎恐惧的孤独感。据说忍受这样的环境是非常痛苦的，一旦超过身体的承受极限，甚至可能造成精神失常。
夜幕笼罩下的辽阔的沙漠，有时会被彻底的寂静支配。这样的环境会带来与消音室相似的恐惧，让人感觉自己仿佛要被寂静吞没一般。
真正的寂静的确是一种极为特殊的环境，日常生活中并不存在。不过这个事实正暗示着“无声”在音乐领域的意义，或者说是逐渐变弱、趋向休止的音具有一定积极的含义。在某些情况下，休止能发挥出超越最强音的强烈效果。
我们平时所谓的“寂静”，指的其实是有一点声响的空间。这样的寂静能起到抚平心绪的作用，带给人美的感受。我们甚至可以说，音乐始于“承认寂静是美的”。
作曲家如果对自己写下的某段旋律不满意，会立刻把它删去。“删除已经写下的音符”就等于“回归寂静”。这个举动意味着，他承认原来的寂静比自己的旋律要美。
音乐站在寂静之美的对立面，是与寂静对决的产物。创造音乐的过程，便是针对寂静之美，追寻以声音为素材的全新美感的过程。
声音在它诞生的那一瞬间就走上了通往寂静的道路。虽然途中的变化视声音的种类而定，但所有的声音都具有这种性质。即便是潺潺的流水声、汹涌的波涛声这样具有连续性的声音，也是由“刚诞生便立刻衰减”的声音组成的集合。声音到头来还是敌不过寂静。
欣赏交响曲的听众，在演奏结束的那一刻，才能真正把握这部作品的全貌。就“鉴赏音乐”而言，最关键的时刻正是演奏结束的那一瞬间，也就是寂静最初造访的时刻。因此音乐作品的价值也是由寂静决定的。现代的演奏会带上了越来越浓厚的娱乐色彩，导致人们还没等到演奏结束，就急不可耐地开始欢呼鼓掌。对鉴赏者来说，最重要的瞬间就这样被生生打断了。这实在是一种不幸的习惯。
从上面所说的角度来看，寂静正是音乐的基础。
用户评价
这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉稳中透着典雅的气质，拿在手里就感觉这不是一本快餐式的读物，而是需要静下心来细细品味的。我尤其喜欢封面上选用的那种略带纹理的纸张，触感非常舒服，让人联想到老式唱片封套的质感。内页的排版也看得出是用心设计的，字体的选择既保证了阅读的舒适度，又在某些关键概念的强调上做得恰到好处，不会显得过于突兀。装订得很结实，即便是经常翻阅，也丝毫不用担心书脊会松散。初次翻阅时，我就注意到插图和图表的质量非常高，不是那种廉价的扫描件，而是经过精心绘制或排版的示意图，尤其是对乐理结构进行可视化处理的部分，那些复杂的线条和几何图形，竟然能让人瞬间领悟到原本抽象的音乐原理。这不仅仅是一本书，从感官体验上来说，它已经超越了一本普通教材的范畴，更像是一件值得收藏的艺术品。对于一个注重阅读体验的读者来说，这种对细节的极致追求，无疑是提升阅读兴致的催化剂。它给人的第一印象是专业、严谨，但绝不古板，反而充满了对知识的尊重和对读者的友好。
评分这本书最让我感到惊喜的是其广博的视野和跨学科的融合能力。它远超出了传统乐理书的范畴，展现出一种将音乐置于更广阔文化背景下审视的独特视角。阅读过程中，我常常会被一些意料之外的章节所吸引，比如探讨声音物理学与音乐美学之间关系的论述，或是关于不同文化中音乐功能差异的对比分析。这些内容不仅拓宽了我的知识面，更重要的是，它促使我开始用一种更加整体性的眼光去理解“音乐”这个概念。它不再仅仅是音符的组合，而是人类情感、社会结构乃至哲学思考的载体。书中对某些音乐现象的讨论，甚至会触及到认知心理学或社会学的前沿理论，这些跨界的引用显得非常自然，绝非生硬地拼凑。这种开放性的思维模式，对于渴望全面提升自身综合素养的读者来说，无疑具有巨大的吸引力。它在传授专业技能的同时，也在潜移默化地培养读者批判性思考和连接不同领域知识的能力，真正做到了“博学才能精深”。
评分我抱着一种既期待又有些忐忑的心情开始阅读，毕竟“入门书”这个标签有时意味着过于浅尝辄止。然而，这本书很快就颠覆了我的固有印象。它的叙事逻辑构建得极其精妙，从最基础的音高、节奏概念引入，过渡到和声、曲式结构的讲解，每一步都像是攀登一座精心规划的阶梯，每一步都有清晰的落脚点，绝不会让人感到迷失在高深的术语森林里。作者的文笔有一种独特的魔力，他似乎深谙如何将那些听起来枯燥乏味的理论知识，转化为生动的故事或有趣的类比。比如，他对复调音乐的解析，就引用了某个宏伟的建筑结构来比喻，一下子就把原本头疼的对位关系变得清晰可辨。我发现自己不仅仅是在“学习”知识，更像是在“体验”音乐的内在逻辑。书中对不同历史时期音乐风格的梳理，也很有条理，没有那种为了罗列而罗列的堆砌感，而是紧密围绕着核心理论的演变来展开，让人明白为什么音乐会以这种方式发展至今。这种循序渐进、又充满洞察力的讲解方式，极大地降低了学习的门槛，却又保证了知识的深度，对于初学者而言，简直是醍醐灌顶。
评分在阅读体验的最后阶段，我深刻体会到这本书在塑造读者“音乐思维”上的独特贡献。它没有简单地提供一套“做什么”的说明书，而是致力于帮助读者建立一套“如何思考”的框架。书中关于音乐“表达性”和“结构性”之间辩证关系的探讨，尤其发人深省。它引导我去超越表面上悦耳或刺耳的听感，去探究音乐家创作背后的意图和遵循的内在逻辑。每一次阅读，都像是和一位深谙音乐之道的智者进行对话，他不仅展示了音乐的“骨架”，更引导你去感受其“血肉”和“灵魂”。这种对“理解深度”的追求，是区分普通读物和经典之作的关键所在。它教会我的，不是如何去模仿别人演奏或创作，而是如何去倾听、去辨识、去构架自己对音乐世界的独特认知体系。读完合上书本的那一刻，我感觉自己对日常听到的所有音乐——无论是古典音乐会上的宏大交响，还是街边耳机里播放的流行歌曲——都有了一种前所未有的清晰度和洞察力，仿佛是突然被赋予了“音乐的透视眼”。
评分作为一本被推荐为“入门”的书籍，它在专业性上的坚持令人钦佩。很多入门读物为了追求易懂，常常会牺牲掉某些关键的学术严谨性，但这本书在这方面做得非常平衡。它在介绍基本概念时毫不含糊，对于那些需要精确定义的术语，它会给出详尽的解释，并且在必要的时候，会明确指出不同流派或不同理论体系之间的细微差别。例如，在讲解调性系统时，它不仅阐述了基于传统功能和声学的观点，还引入了非西方音乐的音高系统作为参照，让读者理解“音高”和“调性”并非绝对真理。此外，书中对于如何进行“有效的听力训练”和“如何系统地分析乐曲”给出了非常具体的操作指导，而不是停留在空泛的建议层面。这些实操性的内容，对于那些真正想将理论付诸实践，希望提升自身专业技能的读者来说，提供了切实可行的路线图。这本“入门书”，实际上更像是一本结构严谨、内容扎实的基础学术著作的浓缩精华版，为后续的深入研究打下了极其坚实的基础。
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