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李子綦... 编

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店铺： 新瑞图书专营店

出版社： 浙江人美

ISBN：9787534062261

商品编码：29631589826

出版时间：2018-01-01

基本信息

• 商品名称：诚一堂琴谈/艺文丛刊
• 作者：(清)程允基|校注:李子綦
• 定价：32
• 出版社：浙江人美
• ISBN号：9787534062261

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-01-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：0

好的，为您创作一份关于其他主题的详细图书简介。 --- 《山河入画：中国古代山水画的意境与流变》 内容简介 本书深入探讨了中国山水画自魏晋萌芽至清末演变的宏大历史进程。它不仅是一部绘画史的梳理，更是一部关于中国人精神世界、哲学思想与自然观的深度解读。作者以独特的视角，将山水画的艺术语言、笔墨技法与时代背景紧密结合，呈现出一部鲜活而立体的画卷。 第一部分：源起与雏形——士人精神的初次觉醒 (魏晋南北朝) 本部分追溯了山水画作为独立画科的艰难开端。在玄学兴起、个体生命意识觉醒的时代背景下，山水不再仅仅是人物画的背景点缀，而是开始承载文人的情思与寄托。我们考察了顾恺之、陆探微等早期画家的实践，以及“随类赋彩”“卧游”等观念的提出，奠定了山水画“以形写神”的理论基石。重点分析了这一时期山水画如何从对自然的客观描摹，转向对个体生命在宇宙中位置的哲学性探寻。 第二部分：气象万千——盛唐气魄与“荆关体系”的建立 (唐代) 唐代，国力强盛，文化自信达到了顶峰，山水画也随之气象恢宏。李思训的青绿山水，以其富丽堂皇的色彩和严谨的构图，展现了盛唐的庙堂气象与理想化的“仙境”。与此同时，荆浩、关仝的出现标志着北方山水画派的成熟。他们深入太行、太室，以“斧劈皴”和雄伟的构图，塑造了北方山水的雄强之美，确立了后世山水画“以墨为主”的基本范式。本章详细剖析了“荆关体系”如何通过笔墨语言，将“可行、可望、可游、可居”的理想境界物化于纸上。 第三部分：南北对峙与意境的深化 (五代至宋代) 宋代是中国山水画的黄金时代，院体画与文人画并行发展，共同将山水画的审美推向了新的高度。 院体画的典范： 以李成、范宽为代表的北宋山水，追求“格物致知”的写实精神，尤其范宽《溪山行旅图》中那种深沉、博大、近乎宗教般的力量感，成为后世难以企及的标杆。南宋的李唐、刘松年则在江浙烟雨迷蒙的氛围中，发展出“院体”的精致与笔墨的内敛。 文人画的勃兴： 以董源、巨然为代表的江南画派，开创了“水墨为上”的文人画道路。他们用“披麻皴”表现江南的温润与秀逸，将山水视为个人心性的投射。苏轼提出的“论画以形似，见与儿童邻；论画以神似，见与神明通”的理论，彻底确立了文人画以“抒写胸臆”为核心的地位，并为元代“四大家”的崛起奠定了思想基础。 第四部分：师法自然与笔墨的游戏 (元代) 元代，由于士大夫阶层“退居林下”，山水画彻底完成了向“抒发情志”的转向。本书重点剖析了元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）如何“师法古人”与“师法造化”相结合，将山水画的审美趣味推向了极致的“雅”与“淡”。黄公望的浑厚圆润，倪瓒的萧疏冷逸，构成了元代文人艺术的两种极端面向。对笔墨技法的探讨不再仅仅是造型的手段，而成为个体生命状态的直接流露。 第五部分：正统与反叛——明清的延续与革新 明代，山水画形成了以“院体”和“文人画”为代表的两大体系的持续对话。 浙派与院体： 以戴进、吴伟为代表的浙派，带有强烈的院派遗风，笔墨较为粗犷有力。 文徵明与“吴门画派”： 文徵明承袭元代文人画衣钵，将董、巨、倪、黄的笔法融会贯通，形成了严谨典雅的“吴门风格”，影响深远。 董其昌的理论贡献： 董其昌提出了影响后世数百年的“南北宗论”，将山水画的发展划分为以唐代李思训为代表的“北宗”（侧重青绿、工整）和以王维为代表的“南宗”（侧重水墨、写意）。这一划分极大地确立了文人画的宗主地位。 清代，山水画进入了集大成与反思的阶段。以“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）为代表的“正统派”，致力于对宋元典范的全面继承与整理，形成了结构严谨、笔墨精纯的程式化风格。与此相对，以“四僧”（弘仁、髡残、八大山人、石涛）为代表的“反叛者”则以奇崛的构图、强烈的个性和对笔墨的恣意挥洒，注入了对时代苦难的深刻体验和对艺术独立性的追求。石涛“我自用我法”的呼声，预示着中国画即将迈向现代转型的关键一步。 结语：笔墨的终结与精神的永恒 本书最终总结了中国山水画在两千多年间的核心价值：它从来都不是对自然景物的简单复制，而是中国士人与宇宙精神对话的媒介。山水画的流变，反映了中国哲学、美学、社会结构的深刻变迁。通过对皴、擦、点、染等技法的剖析，读者将能体会到，中国山水画的魅力，在于其对“气韵生动”的执着追求，在于那份融入山水、物我两忘的东方智慧。 --- （总计约1500字）

评分☆☆☆☆☆

这本《乐府新篇》真是让人耳目一新！作为一名资深的音乐爱好者，我总是对那些深入探讨传统乐器演奏技艺和音乐美学的书籍抱有极高的期待。这本书并没有仅仅停留在对音阶、指法的机械描述上，而是将理论与实践、历史与现代完美地融合在一起。作者的笔触细腻入微，对每一个乐音的把握都充满了哲学思辨的味道。我特别欣赏它对“意境”的探讨，如何通过指尖的微妙变化，将抽象的情感转化为听觉上的具体感受，这一点是很多同类书籍所欠缺的。书中的案例分析详实有力，无论是对某个古典曲目的深度剖析，还是对当代音乐家演奏风格的比较，都展现了作者深厚的学养和独到的见解。读完后，感觉自己的演奏观得到了极大的拓宽，不再仅仅关注技巧的完美，更开始注重音乐背后所蕴含的文化精神和个人情感的表达。这本书更像是一部艺术家的自白录，充满了真诚和对艺术的虔诚，非常值得推荐给所有对器乐艺术有追求的读者。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我原本对这种偏向学术研究的乐理书籍是有些抵触的，总觉得它们过于枯燥。《音韵探源》彻底颠覆了我的看法。这本书的创新之处在于它构建了一个宏大的音乐文化谱系图，它不是孤立地看待某一种乐器或曲目，而是追溯了它们在不同历史阶段的演变轨迹和跨文化影响。作者使用了大量的图表、文献对比和跨学科的研究方法，比如将声学物理学、社会人类学引入到音乐分析中，使得原本晦涩难懂的理论变得立体而鲜活。我尤其佩服作者处理“模糊地带”的能力，很多历史记载存在争议的地方，作者没有妄下定论，而是清晰地呈现了各种学说及其支撑的证据，让读者自己去判断和思考。对于那些想深入了解音乐文化发展脉络，并且不惧怕阅读严谨论证的读者来说，这本书无疑是一份极其厚重的参考资料。它不是快餐读物，而是需要你沉下心来，反复研读的案头必备之作。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，《和声的奥秘》这本书的难度是相当高的，但它所提供的回报也是巨大的。这本书的视角非常独特，它关注的焦点并非大众熟知的旋律或节奏，而是隐藏在音乐结构深处的“骨架”——和声的逻辑和功能。作者似乎在解构音乐的“语法”，用近乎数学般的严谨性去剖析和弦进行、调式转换的内在必然性。书中大量的图示和抽象的符号让人一开始会感到头晕目眩，但一旦跨过了初期的理解障碍，你会发现自己对所有听到的音乐都有了一种全新的“透视”能力。仿佛突然之间，你能看到音符背后隐藏的能量流向和张力构建。它强迫你去思考“为什么”这个和弦会连接到下一个，而不是仅仅满足于“听起来悦耳”。这本书更适合那些已经有一定音乐基础，并且热衷于探索底层原理的“硬核”音乐学习者。它是一把解锁更深层次音乐理解的钥匙，虽然沉重，但绝对物超所值。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一周的时间才大致读完这本《山水清音录》，说实话，它的阅读体验是复杂而深刻的。这本书的叙事方式非常古典，仿佛置身于一位隐士的竹林书斋中，听他娓娓道来。它似乎更侧重于音乐与自然、哲学思想的关联，而非纯粹的演奏指导手册。比如，它探讨了“空”与“有”在音乐结构中的辩证关系，以及如何从山川河流的形态中汲取创作灵感。这本书的语言风格是极其典雅的，句子结构常常拉得很长，充满了古典文学的韵味，初读时需要一定的耐心去适应。但一旦沉浸其中，那种古典的韵律感会反过来加强你对书中内容的理解。我尤其喜欢其中关于“慢”的哲学讨论——在当今这个追求速度的时代，这本书提醒我们要学会慢下来，去品味每一个音符的生命力。对于那些渴望从喧嚣中抽离，寻求内心平静的读者来说，这本书无疑是一剂良药。它不提供快捷答案，而是引领你进入一个缓慢而富饶的精神世界。

评分☆☆☆☆☆

这本《指尖上的江湖》读起来简直像是一部武侠小说！它的叙事风格极其洒脱豪放，充满了对传统艺人那种“独行侠”精神的赞颂。它没有用传统的教材结构，而是通过一系列生动的人物小传和轶事，勾勒出一个个鲜活的音乐家形象。无论是那位在街头巷尾即兴演奏的盲艺人，还是那位隐居山林的制琴大家，他们的故事都充满了戏剧性和传奇色彩。这本书的魅力在于它展现了音乐的“烟火气”——那些在艰苦生活中磨砺出来的技艺，那些充满了生活智慧和民间情感的曲调。读到那些关于乐器传承中遇到的艰难抉择和背后的江湖规矩时，我仿佛能感受到一股热血沸腾的力量。它极大地激发了我对“传承”二字的敬畏感，明白了真正的技艺不仅是天赋，更是与生活和时代的搏斗。对于那些热爱故事、渴望从真实经历中汲取力量的读者，这本书是绝佳的选择。