扬琴演奏艺术(技巧与练习)/哆唻咪快乐音乐教与学丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘达章 编

图书标签:

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• 音乐艺术
• 技巧与练习

店铺： 土星图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103017289

商品编码：29672237090

开本：16

出版时间：1999-09-01

基本信息

• 商品名称：扬琴演奏艺术(技巧与练习)/哆唻咪快乐音乐教与学丛书
• 作者：编者:刘达章
• 定价：40
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103017289

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：1999-09-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：5
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：222

内容提要

这是一套入门的、普及性的、方便于读者学习的 初、中级器乐演奏教程，尤其是对于准备考级或者准 备继续考取高一级的学琴者具有较为实用的攻效。与 同类教程相比，本套教程在相对“速成”的基础上， 又不失循序渐进的科学性与严谨性。同时，为为增加 学习者的学习兴趣，力求在练习曲的编排上兼具一定 的趣味性，因此谓之“快乐音乐”。本教程会使你在 快乐的时光，快乐地“玩儿好”快乐的音乐。希望你 能在轻松快乐的氛围中，玩儿好你的“技巧与练”， 成为一位演奏快乐音乐的快乐音乐家。
     刘达章编的《扬琴演奏艺术(技巧与练习)》是本 套丛书之一册。在学习演奏技巧的顺序安排上分为三 个阶段：1.弹弦基础。2.轮竹技巧及和声、复调技法 。3.综合性技法。特别是本书对扬琴演奏中弹、轮、 颤、滑、点、拨、揉、勾等八大技法清晰明了的教授 ，会使你受益匪浅。

目录

第一章 概述
第一节 中国扬琴的历史及发展
一、早期传统扬琴
二、传统扬琴的发展
三、传统扬琴艺术流派的形成
四、当代扬琴的发展
第二节 扬琴的结构和各部名称
第三节 三种扬琴
一、401快速转调扬琴
二、广州十二平均律扬琴、敦煌81型扬琴
第四节 琴竹、琴架
一、琴竹
二、琴架
第二章 扬琴的演奏方法
第一节 演奏姿势
第二节 持琴竹方法
第三节 弹弦方法
一、正确的弹弦动作
二、准确掌握*佳发音点的技术动作
第四节 竹法及其运用
一、竹法
二、竹法的运用
第五节 演奏符号
第三章 扬琴的演奏技巧
第一节 弹弦技巧及其练习
一、单竹练习
二、双竹练习
三、单竹双音练习
四、几种类型的弹奏练习
五、弹弦技巧的综合练习
第二节 轮竹技巧及其练习
一、双竹轮练习
二、单竹轮练习
三、弹奏和声性两声部织体的练习
四、弹奏复调性两声部织体的练习
五、轮竹技巧的总综合连续
第三节 点弦技巧及其练习
一、顿音技巧及其练习
二、泛音技巧及其练习
第四节 拨弦与滑拨技巧及其练习
一、拨弦技巧及其练习
二、滑拨技巧及其练习
三、拨弦与滑拨技巧的综合练习
第五节 颤竹技巧及其练习
一、但颤竹练习
二、双颤竹练习
三、连续尝竹练习
第六节 滑竹机巧及其练习
一、单滑竹练习
二、双滑竹练习

好的，这是一份不包含您提到的《扬琴演奏艺术（技巧与练习）/哆唻咪快乐音乐教与学丛书》内容的图书简介，侧重于其他音乐学习领域，力求详尽且自然： --- 《和声的秘密：西方古典音乐语汇的深度解析与创作实践指南》 作者： [此处可填入虚构的知名音乐理论家姓名，例如：阿尔弗雷德·冯·施特劳斯 或 李明德] 出版社： [此处可填入信誉良好的音乐专业出版社名称，例如：和声学研究出版社 或 环球音乐文库] ISBN： [此处可填入一组符合行业规范的虚构ISBN，例如：978-1-5678-9012-3] 卷首语：探寻音乐的骨骼与灵魂 音乐，作为人类情感的无声表达，其魅力根植于其内在的结构逻辑与形式美感。对于任何渴望深入理解西方古典音乐体系的演奏者、作曲家、音乐学家乃至高阶爱好者而言，掌握和声学，如同掌握一门建筑师的蓝图，是构建复杂听觉景观的基石。本书《和声的秘密：西方古典音乐语汇的深度解析与创作实践指南》并非一套简单的规则手册，而是一部深入探究巴赫时代至德彪西时代（约1600年至1910年）音乐“语法”的详尽考察录。它旨在拆解那些宏大交响乐章、精妙奏鸣曲结构和感人室内乐作品背后的数学与情感的交织点。 第一部分：调性的基石——从复调到主调的演变 本部分专注于西方音乐从文艺复兴晚期向巴洛克早期过渡的关键时期，梳理了大小调体系建立的理论与实践基础。 第一章：中世纪与文艺复兴的和声雏形 教会调式（Modes）的复习与辨析： 深入探讨多利亚、弗里吉亚等古老调式的音高特征及其在早期宗教音乐中的功能。 早期对位法的影响： 分析平行五度与八度的禁忌与松动，为理解三和弦的出现奠定基础。 帕莱斯特里那风格的纯净之声： 通过分析其作品，展示严格对位下和声进行（Progression）的内在线性逻辑。 第二章：巴洛克时期的功能和声确立 通奏低音（Basso Continuo）的演奏与记写： 详述数字低音（Figured Bass）的解读技术，强调低音线在驱动和声变化中的核心地位。 大小调体系的统治地位： 详细界定主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）的三大功能区，以及它们在乐句划分中的作用。 导音与终止式的解析： 深入剖析导音（Leading Tone）在引导听觉预期和实现调性中心确定过程中的不可替代性，区分完全终止式、不完全终止式和伪终止式。 第二部分：浪漫主义的色彩与冲突——和声的扩张与张力 进入浪漫主义时期，作曲家们开始寻求超越古典功能和声的限制，以表达更深层次、更个人化的情感体验。 第三章：拓展的色彩与七和弦的深化应用 七和弦的精细划分： 不仅限于属七和弦，本书将详述大七、小七、减七、增五七和弦的构造、解决路径及其色彩倾向。 九、十一、十三和弦的运用： 探讨这些高叠和弦如何在德彪西和印象派音乐中转化为纯粹的音响色彩，而非仅仅是功能性的推动力。 变化音（Altered Tones）的魔力： 重点分析经过和弦（Passing Chords）和变化属和弦（Altered Dominants）在调性模糊化中的作用，例如升五音或降五音属和弦的戏剧性效果。 第四章：转调的艺术与远关系调的探索 常见的转调技巧： 系统梳理最常用的转调方法，包括共同和弦转调、经过和弦转调（Pivot Chord Modulation）和半音阶转调。 远关系调的引入： 深度解析作曲家如何利用平行调（Parallel Keys）和关系较远的调性（如C大调转入升G小调）来制造突兀或惊喜的听觉效果。 半音化和声（Chromatic Harmony）： 分析李斯特、瓦格纳等人在和声上对调性中心进行“溶解”的技法，例如使用三全音关系和弦。 第三部分：超越功能——二十世纪的听觉革命 本部分将视野扩展至调性瓦解的边缘地带，探讨印象主义、表现主义以及早期序列音乐对传统和声的颠覆。 第五章：印象派的和声图景 九声部和弦的运用： 分析德彪西如何将九和弦、十一和弦视为独立的音响实体，淡化其传统的解决要求。 五声音阶与全音阶的和声化： 探讨这些非西方或特定音阶结构如何被纳入和声织体，创造出漂浮、朦胧的听觉氛围。 平行和弦的回归： 考察作曲家如何重新启用被古典主义禁止的“平行五度/八度”与“平行三和弦”，赋予其新的审美价值。 第六章：无调性与序列的结构基础 十二音技法的原理与实践： 详尽解释勋伯格的十二音体系，包括音列（Tone Row）的构造、倒影、逆行和倒影逆行变体的制作。 集合理论（Set Theory）的初步介绍： 为理解20世纪中叶及后期的和声结构（如对位复调与集合划分）提供必要的理论工具。 节奏与和声的相互作用： 探讨在传统功能消失后，节奏的复杂性和对位密度如何接管音乐的组织结构。 附录：分析工具箱与创作练习 本书不只停留在理论层面，更致力于将理论转化为实践能力。 和声分析符号速查表： 涵盖罗马数字标记法、阿尔伯特·劳舍尔标记法及各种变化音的精确符号标注。 配器实例选读： 选取莫扎特、肖邦、拉赫玛尼诺夫作品中的经典和声片段，进行逐和弦分析，展示理论在大师作品中的实际运作。 创作挑战模块： 针对性地设计了基于特定调性冲突、特定转调目标或特定和弦集合的短期创作练习，旨在培养读者的“听觉想象力”和“和声语汇库”。 为什么选择这本书？ 《和声的秘密》的独特之处在于其深度、广度与实践性的完美融合。它要求读者不仅要“知道”和弦是什么，更要“理解”作曲家在特定历史语境下为何选择某个和弦，以及这个选择如何影响听者的心理感知。本书采用清晰的图表、大量的乐谱示例（涵盖从四部和声到复杂管弦乐配器片段），以及逻辑严密的章节递进，确保即便是面对最晦涩的理论概念，读者也能沿着清晰的路径，最终洞察和声这位“音乐的建筑师”是如何精妙地搭建起人类最伟大的听觉艺术殿堂的。它不仅仅是一本教材，更是一把开启古典音乐深层理解之门的钥匙。 --- 目标读者： 音乐学院学生、严肃的业余音乐家、有志于作曲或编曲的创作者、音乐史与理论研究者。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经学习扬琴多年，但总感觉自己停滞不前的中年爱好者，我对于那些针对初学者的教材往往提不起兴趣，因为它们的内容对我来说太过基础。但是，这本专门深入探讨扬琴演奏艺术的书籍，却成功地引起了我的共鸣。它最打动我的，是其中关于“演奏中的心理调适与舞台管理”这部分内容。在我们的演奏生涯中，技术不是唯一的障碍，临场紧张、注意力分散这些“心魔”往往才是毁掉一次精彩演出的元凶。这本书用一种近乎哲学的笔触，探讨了演奏者如何与乐器建立一种深层的、超越技巧的默契，如何将排练时的最佳状态稳定地移植到舞台上。我学习了它建议的几种快速冥想和呼吸控制方法，虽然听起来有些玄妙，但实际操作起来，发现它们对于缓解我面对听众时的手部僵硬现象，有着立竿见影的效果。这不再仅仅是一本“弹奏指南”，更像是一本“演奏家心法”。它拓宽了我对“演奏艺术”的理解边界，让我意识到，音乐的完美呈现，是身心合一的结果。

评分☆☆☆☆☆

这本关于扬琴演奏的指导书，着实让我这个业余爱好者眼前一亮。我一直觉得扬琴这门乐器，入门看似容易，但想真正弹得出神入化，其中的门道可深了。这本书最吸引我的地方，在于它没有那种高高在上的学院派腔调，而是用非常接地气的方式，把那些抽象的“乐感”和“技巧”掰开了揉碎了教。比如，关于竹弦的击打角度和力度控制，作者竟然配上了非常细致的图解，甚至连手指在竹钯上的微小变化都考虑进去了，这对于我这种靠自己摸索的人来说，简直就是及时雨。我试着按照书里讲解的“微颤音”练习，一开始还觉得别扭，但坚持了几天后，确实能感觉到音色上的变化，那种通透感和颗粒感一下子就出来了。更难得的是，它不仅仅关注“怎么弹快”，更注重“怎么弹好听”。书中用了不少篇幅来探讨不同乐曲风格下的音色处理，比如演奏民乐的婉约和演奏西方小品时的明快感，这种对音乐表现力的引导，让我体会到了原来扬琴的潜力远不止我之前想象的那么有限。这本书更像是一位耐心又严厉的老师，在你遇到瓶颈时，总能准确地指出问题的关键所在，而不是空泛地叫你“多练习”。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对细节有强迫症的人，尤其是涉及到乐器调音和音准控制的部分，总觉得教科书上的描述过于简单化了。翻阅这本关于扬琴演奏的专业读物时，我简直是如获至宝。它对扬琴的共鸣箱体特性、不同温度湿度对音色的影响，甚至细致到不同品牌琴弦在不同力度下的动态反应都有深入的分析。作者提供了一套非常科学的、基于听觉训练和物理反馈的音准校正体系，这远超出了我之前听老师口述的经验之谈。书中专门有一个章节讨论如何利用扬琴的特定泛音来“修正”听觉上的偏差，这种基于声学原理的实践指导，极大地提高了我的调律准确性，也让我对扬琴这件乐器的声音结构有了更微观的认识。我过去只是被动地接受琴的声音，现在，我能主动地去“塑造”每一个音符的品质，这种掌控感是无与伦比的。这本书的专业深度，足以让专业的音乐院校学生进行参考研究。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买过好几本所谓的“乐器精通”类书籍，很多都是把别人已经发表过的练习曲目简单罗列一遍，然后敷衍地写几句技术说明，读起来枯燥乏味，几乎没有实用价值。然而，这本关于扬琴演奏的著作，却展现出一种扎实的学术功底和丰富的舞台经验的完美结合。它对传统演奏技法的梳理，可以说是做到了“追本溯源”。作者没有满足于仅仅介绍现有的指法，而是深入分析了这些指法背后的声学原理和历史沿革，这让我在学习技巧时，多了一层理解的深度。我特别欣赏它在“连音处理”那一章的论述，作者打破了传统的“一弓到底”的僵硬概念，提出了几种适应现代扬琴演奏需求的快速换把和粘连技巧，这些技巧的示范性练习材料，设计得极其巧妙，难度梯度设置得非常合理，让人感觉每一步提升都是建立在牢固的基础之上的。读完这一部分，我立刻尝试运用到我正在练习的曲目中，果然，原本那些听起来有些断裂的乐句，现在变得如行云流水般顺畅，那种听觉上的愉悦感是语言难以形容的。这本书的价值，在于它提供了“所以然”，而不仅仅是“所以然”。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初对这本书抱有怀疑态度，毕竟市面上关于传统乐器的“艺术”类书籍，往往华而不实，内容空洞。但这本书的编排逻辑和内容深度，彻底颠覆了我的固有印象。它以一种非常清晰的、模块化的方式，构建了一个从基础功到高级表现力的完整学习路径。我特别赞赏它在“改编与创作”方面提供的思路。对于我们这些希望能够在演奏现有曲目的基础上有所突破的演奏者来说，知道如何处理和改编不完全适合扬琴特性的作品至关重要。这本书并没有直接给出改编的“答案”，而是提供了一套严谨的“分析工具箱”——如何分析旋律的连贯性、如何合理利用扬琴的音域优势、以及如何巧妙地处理不适合击弦的音程。这种授人以渔的教学方法，极大地激发了我对音乐再创作的兴趣，让我看到了扬琴在现代音乐语境下更广阔的生命力。这本书，绝对是为那些渴望超越模仿、走向创造的演奏者准备的。