声乐演唱实践与表演训练 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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莫大尼唐芳 编

图书标签:

• 声乐
• 演唱技巧
• 表演
• 音乐教学
• 声乐训练
• 舞台表现
• 音乐表演
• 发声
• 呼吸
• 共鸣

店铺： 土星图书专营店

出版社： 中国纺织

ISBN：9787518027941

商品编码：29673952123

开本：16

出版时间：2018-07-01

基本信息

• 商品名称：声乐演唱实践与表演训练
• 作者：莫大尼//唐芳
• 定价：71
• 出版社：中国纺织
• ISBN号：9787518027941

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-07-01
• 印刷时间：2018-07-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：262
• 字数：227千字

内容提要

莫大尼，唐芳著的《声乐演唱实践与表演训练》 对声乐演唱实践与表演训练的相关内容进行了系统探 讨研究，主要内容包括：美声唱法的技巧与实践、民 族唱法的技巧与实践、流行唱法的技巧与实践、声乐 其他唱法实践、声乐表演作品的分析与情感表达、声 乐表演排练与心理训练、声乐表演的形体训练与舞台 实践等。本书内容系统且有针对性，条理清晰，内容 丰富新颖，是一本值得学习研究的著作。
    

目录

第一章 美声唱法的技巧与实践
第一节 美声唱法的产生与发展
第二节 美声唱法的声音造型特征
第三节 美声唱法技巧
第四节 美声唱法的演唱实践
第二章 民族唱法的技巧与实践
第一节 民族唱法的发展与创新
第二节 民族唱法的具体类型
第三节 民族唱法的风格特征
第四节 民族唱法技巧
第五节 民族唱法的演唱实践
第三章 流行唱法的技巧与实践
第一节 流行唱法的界定
第二节 流行唱法的源流与历史进程
第三节 流行唱法的技巧分析与训练
第四节 流行唱法的演唱实践
第四章 声乐其他唱法实践简析
第一节 原生态唱法实践
第二节 戏曲与曲艺唱法实践
第五章 声乐表演作品的分析与情感表达
第一节 声乐表演作品的选择
第二节 声乐表演作品的分析与处理
第三节 声乐表演语调的情感表达
第六章 声乐表演排练与心理训练
第一节 声乐表演排练的步骤及方法
第二节 不同样式的声乐表演排练
第三节 声乐表演心理调控与训练
第七章 声乐表演的形体训练与舞台实践
第一节 声乐表演的形体训练
第二节 声乐表演中的“台风”
第三节 声乐表演中与伴奏者的合作
参考文献

好的，以下是一本与《声乐演唱实践与表演训练》内容无关的图书简介，字数大约1500字。 《古建筑的修复与重生：传统工艺的现代应用》 图书简介 本书深入探讨了中国传统古建筑的修复与再利用这一复杂而精密的领域，旨在为建筑师、文物保护工作者以及对传统工艺有浓厚兴趣的读者提供一套系统、详实的理论框架与实践指南。本书不涉及声乐演唱或表演训练的任何内容，而是聚焦于实体建筑的保护、修复、结构分析以及工艺传承。 第一部分：传统建筑的语汇与结构解析 本书首先建立了一个坚实的理论基础，详细剖析了中国传统木构架体系的内在逻辑与美学特征。我们从建筑的“骨架”——榫卯结构入手，通过大量的图解和案例分析，展示了古代工匠如何在没有现代紧固件的情况下，实现构件之间的精确咬合与整体的柔性抗震能力。 榫卯系统的精微之道： 重点解析了斗栱、穿斗、抬梁等不同体系的结构差异及其对建筑整体形态的影响。书中收录了数种关键榫卯（如燕尾榫、十字榫、楔形榫）的制作流程、应力分布模型，以及它们在不同历史时期（如唐宋、明清）的演变脉络。 材料的生命力： 详细考察了传统建筑中使用的主要材料——木材、石材、砖瓦——的特性。如何根据建筑的地理环境、使用功能选择合适的材料，以及这些材料在自然老化、虫蛀、腐蚀过程中表现出的物理化学变化，都是本书探讨的核心议题。我们特别关注了传统漆艺、油饰在保护木材免受湿热侵蚀中的作用。 空间秩序与风水观念： 建筑不仅是工程学上的奇迹，更是文化哲学的载体。本章剖析了院落布局、朝向选择、开间比例等如何反映中国古代的社会伦理与宇宙观。通过对故宫、苏州园林、徽派民居等经典范例的对比分析，揭示了“天人合一”思想在空间设计中的具体体现。 第二部分：病害诊断与科学保护策略 修复工作的核心在于准确的诊断。本书将修复过程视为一场“考古”与“医学”的结合体，强调在干预前必须充分理解建筑的历史层次和病害成因。 病害的分类与成因分析： 系统梳理了影响古建筑耐久性的主要因素：地基沉降、木构件腐朽（白腐、褐腐）、白蚁侵蚀、苔藓及生物污染、以及人为破坏。每种病害都配有实地拍摄的高清显微图像，帮助读者识别早期病变信号。 无损检测技术的应用： 探讨了现代科技如何服务于古建保护。内容包括：探地雷达（GPR）对地下结构和地基空鼓的探测、超声波检测对木构件内部空洞的评估、红外热成像对墙体含水率和结构缺陷的追踪。强调科学检测是制定“最小干预”修复原则的前提。 传统修缮技艺的复兴与规范： 这一部分是本书实践指南的精华。重点介绍了传统工艺在现代修复中的应用，而非简单替代。例如，针对局部腐朽木材的“抽换法”与“嵌入法”的工艺细节、传统灰泥的配方（石灰、麻刀、糯米浆的比例控制）、以及传统瓦作中“望砖”与“望沟”的精确铺设技术。我们强调，每一次修复都必须留下清晰的记录，以尊重历史的真实性。 第三部分：古建筑的现代功能转换与可持续发展 古建筑的“重生”并非简单地恢复其原貌，更重要的是赋予其适应当代社会需求的生命力，实现可持续发展。 功能置换的伦理考量： 探讨了将传统祠堂、会馆、民居改造为博物馆、精品酒店、文化创意空间时，如何平衡历史风貌的完整性与现代使用功能的安全、舒适需求。书中提出了“可识别性原则”，即现代增建部分必须在风格、材料上与主体保持对话，但不应试图以假乱真。 结构加固的隐蔽化处理： 针对现有古建筑在抗震和荷载能力上无法满足现行规范的问题，本书介绍了多项隐蔽式加固技术。包括在不破坏主体结构的前提下，采用高强度碳纤维布对梁架进行局部加固、使用预应力锚索对墙体进行约束、以及对地基进行注浆加固的施工流程与验收标准。 传统工匠的教育与传承： 认识到传统技艺面临失传的危机，本书呼吁建立更有效的工匠培养体系。详细介绍了建立“影子学徒制”的模式，通过记录当代优秀工匠的操作过程，数字化建档，确保这些非物质文化遗产能够在下一代工匠手中得以延续和创新性发展。 结论：时间、尺度与永恒 本书的最终目的，是引导读者以一种更谦卑、更具敬畏之心对待每一块砖、每一根梁。古建筑的修复不是对过去的简单复制，而是一场与时间对话、与历史和解的艺术实践。它要求我们精确理解过去留下的技术密码，并运用当代的科学精神，确保这些人类智慧的结晶能够安全、有尊严地走向未来。全书配有数百张原创测绘图、施工节点图以及历史文献对照表，为读者提供了一份立足于实践的深度参考。

评分☆☆☆☆☆

我尝试用一种比较历史批判的视角来审视这本书中的某些训练方法，看它们是否与当前声乐教学的前沿趋势有所脱节。我注意到书中对某些传统技巧的强调非常坚决，似乎将它们视为不可动摇的真理。然而，在近些年来的声乐科学研究中，许多传统观念已经被新的声学和生理学发现所修正或挑战。我期待看到作者能对这些现代声乐科学的成果进行整合和批判性吸收，比如关于共鸣腔体使用的新模型，或者对嗓音保护的最新建议。但这本书给我的感觉，就像是停留在上世纪中叶的教学理念，虽然经典，却显得有些保守和固执。它没有展现出一种开放的学习和迭代精神，而是将一套既定的、成熟的“方法论”全盘托出，缺少了对未来发展方向的探讨和展望。对于追求与时俱进的年轻学习者而言，这种缺乏现代视角支撑的训练体系，可能会让他们在面对更广阔的国际化舞台时，遇到不必要的思维定势的束缚。我更希望看到的是一个融合了传统精髓与现代科学的，面向二十一世纪的声乐训练蓝图。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书时，我正在为一场重要的独唱音乐会做准备，急需一些能够迅速提升舞台表现力、解决现场紧张感的“急救包”。我特别关注了关于舞台形象构建和与听众互动的章节，希望能找到一些独到的见解。然而，这本书的重点似乎完全不在“表演”的范畴内。它对情感表达的描述极其程式化，例如，它会告诉你“在弱起时，声音要轻盈且富有穿透力”，但却很少深入探讨如何将角色内心最真实、最复杂的情感波动，通过声音的细微变化自然地流露出来。读起来，总觉得作者在描述的声乐家，更像是一个没有情感的完美机器，而不是一个有血有肉的艺术家。我更喜欢那种探讨艺术家如何将个人经历融入艺术创作的叙事，那种带着温度和挣扎的文字。这本书对“训练”的关注度远高于对“艺术”的关注，以至于我在寻找如何更好地诠释一首艺术歌曲中的诗意时，只能失望地发现大量关于发声位置的冗长讨论。这让我不禁怀疑，对于一个已经可以稳定演唱的歌手来说，这本书的价值主要停留在基础巩固层面，而对于高阶的艺术感染力的培养，它提供的指导略显苍白和模板化。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量实在令人担忧，纸张偏薄，字体排版也显得有些拥挤，阅读体验大打折扣。我是一个非常注重阅读仪式感的人，尤其对于这种承载着专业知识的书籍，清晰的图示和舒适的阅读空间至关重要。这本书中涉及到的一些复杂发声器官的解剖图示，由于印刷质量不佳，细节模糊不清，我不得不时常对照网络上的其他资料才能勉强理解作者的意图。更让我感到遗憾的是，书中似乎完全没有收录任何音频辅助材料或者二维码链接，这对于声乐学习来说是致命的缺陷。理论总是需要声音的佐证，没有听觉的参照，再精妙的文字描述也容易产生歧义。我原本期待书中能提供一些示范性的录音片段，来对比正确和错误的发声状态，但现实是，我只能依靠自己或老师的声音去“脑补”作者所描述的状态，这极大地影响了学习的效率和准确性。对于一本以“实践”为名的书籍，缺乏听觉支持，无疑是一种重大的疏忽。

评分☆☆☆☆☆

这本书，说实话，我本来是冲着它的理论深度去的，想看看作者是如何剖析那些经典声乐作品背后的文化语境和美学思想。结果翻开目录，我就有点懵了。它似乎更侧重于“实操”层面，那些关于气息控制、音准训练的细节描述，简直像一本技术手册。我期望的是那种可以引发思考、可以构建宏大艺术观的文字，但这本书提供的更多是“怎么做”的步骤，而不是“为什么这么做”的深刻阐释。比如，它详细讲解了某种喉位调整的技术，配有大量的图解，这对于初学者或许很有帮助，但对于我这种已经有一定基础，更渴望在艺术理解上有所突破的人来说，就显得有点“初级”了。我希望能读到更多关于歌剧角色塑造的心路历程，或者对不同时期声乐流派的风格演变进行一次跨时代的梳理，但这些内容在书中几乎找不到踪影。它更像是一本教你如何把音唱准、把气息用对的工具书，缺乏那种让人醍醐灌顶的哲学思辨，让人在读完后，感觉知识点是掌握了，但灵魂深处的共鸣却少了些许。我原以为它会是一场深入文本的学术探险，结果更像是一次严谨的体能训练指导。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事逻辑非常线性，从基础呼吸到高音区的处理，一步一个脚印，严谨得有些刻板。我个人更偏爱那种能够穿插案例分析、名人轶事的书籍，通过鲜活的实例来串联起枯燥的技巧讲解。比如，我希望作者能讲讲某位伟大歌唱家是如何克服他/她的特定嗓音弱点，或者某个著名唱段的录音版本之间，在处理上存在哪些微妙的、体现个人理解的差异。但这本书几乎是纯粹的“技术手册”，缺乏人情味和故事性。阅读过程显得有些单调乏味，就像在背诵复杂的乐理公式一样。我希望能从中学到更多关于“如何思考”的智慧，而不仅仅是“如何操作”的技能。缺乏这种生动的背景故事和个性化的洞察，使得书中的知识点虽然有效，却难以在读者的记忆深处留下深刻的印记，更难以激发持续深入探索的内在动力。它是一本实用的参考书，但绝非能让人手不释卷、沉醉其中的艺术读物。