古典音乐(海顿莫扎特与贝多芬的时代原版引进)(精)/诺顿音乐断代史丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙国忠沈旋伍维曦... 编

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• 古典音乐
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出版社： 上海音乐

ISBN：9787552300932

商品编码：29673980916

开本：16

出版时间：2012-12-01

基本信息

• 商品名称：古典音乐(海顿莫扎特与贝多芬的时代原版引进)(精)/诺顿音乐断代史丛书
• 作者：***·唐斯|译者:孙国忠//沈旋//伍维曦//孙红杰
• 定价：148
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552300932

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2012-12-01
• 印刷时间：2017-11-01
• 版次：1
• 印次：6
• 开本：16开
• 包装：精装
• 页数：813

内容提要

诺顿音乐断代史丛书（The Norton Introduction to Music History）是美国诺顿出版 公司于二十世纪后期策划的一套音乐史系列丛书，共 有六部专著组成。分别由各个断代史领域的**学者 执笔，反映了当今音乐研究的新成果，堪称西方音乐 断代史论的**文本。这六部音乐断代史以周密详实 的史实论述、深人地道的音乐剖析、视野广阔的文化 诠释和条分缕析的清晰体例赢得了学界的普遍赞誉， 在英语世界被广泛采用为音乐专业研究生（及本科生 ）层面的重要教学和研究参考书目，同时也是广大音 乐爱好者深入了解音乐的**读物。诺顿音乐断代史 丛书延续了诺顿出版公司传播音乐学术的**传统。
    为西方音乐历史演进及其人文蕴涵的深人研究提供了 引发思考的论域和视角。
     ***·唐斯著的《古典音乐：海顿莫扎特与贝 多芬的时代（原版引进）（精）》为其中一册。
    

目录

插图列表
序言
**部分 源自巴洛克的过渡：1760年以前的音乐
第一章 十八世纪思想的背景艺术与哲人·作为哲学家的音乐家·“趣味”在十八世纪的重要性
第二章 社会中的音乐家
赞助体系·印刷与出版·公众音乐会的兴起·教学文献
第三章 私人音乐
华丽风格·通奏低音伴奏的独奏奏鸣曲·三重奏鸣曲·键盘独奏奏
鸣曲·情感风格·其他键盘乐形式·歌曲
第四章 公众音乐
交响曲·协奏曲
第五章 舞台上的词与乐
作为社交中心的剧院·歌唱家·戏剧传统·意大利正歌剧·宣叙
调与咏叹调·风格模拟曲·意大利喜歌剧·法国歌剧·意大利歌
剧·德语**的歌剧·伦敦的歌剧·巴黎的歌剧
第二部分 新风格的接受：1760—1780年的音乐
第六章 社会环境与哲学背景
美与崇高·文学的崇古之风·狂飙突进运动·“古典”的观念及其
对立面
第七章 音乐家的生存状态
音乐会组织·音乐出版业·音乐著作
第八章 家庭音乐
通奏低音奏鸣曲的进一步演变·键盘奏鸣曲·带有替换声部的键盘
奏鸣曲·弦乐三重奏·弦乐四重奏·弦乐五重奏·声乐
第九章 音乐会与教堂音乐
“古典主义的”交响曲的出现·交响协奏曲·独奏协奏曲·宗教仪
式音乐‘欧洲的罗马天主教音乐·欧洲非天主教的教堂音乐
第十章 歌剧
意大利正歌剧-变化中的意大利喜歌剧·意大利之外的正歌剧·法
国的喜歌剧·伦敦的喜歌剧·德国的喜歌剧
第三部分 海顿：成长中的大师
第十一章 早年岁月：1732—1760
早期生活·作品
第十二章 在艾斯特哈齐宫廷的初期岁月：1760—1770
始获承认·作品
第十三章 伟大的风格突破：1770--1779
海顿在艾斯特哈兹的职责·作品
第四部分 莫扎特：天才初露
第十四章 神童时代：1756—1773
**次巡回演出·返回故乡：萨尔茨堡与维也纳·意大利之行
第十五章 早期风格
**批键盘奏鸣曲·弦乐四重奏·交响曲·协奏曲·歌剧作品·教堂音乐
第十六章 “科罗莱多”岁月：1773—1781
赞助人。赞助体制下的作品·日趋拓展的表现空间·第二次巴黎之
行·萨尔茨堡的二度“雇员”生涯
第十七章 萨尔茨堡的高峰
键盘作品·带伴奏的奏鸣曲·不带键盘乐器的室内乐·交响曲·
小夜曲和嬉游曲·协奏曲-歌剧作品·宗教音乐
第五部分 古典风格的极盛期：1780—1800
第十八章 革命与变化的年代

西方音乐史的宏伟画卷：巴赫到德彪西的辉煌与变革 本书带领读者深入探索西方音乐史上一段波澜壮阔的时期，从巴洛克晚期的巅峰到浪漫主义的恢弘，再到印象主义的细腻变革。这是一部聚焦于音乐发展脉络、风格演变、以及关键作曲家思想与作品的深度研究。 第一部：巴洛克的余晖与古典主义的曙光（约1700-1770年） 本卷首先描绘了巴赫（Johann Sebastian Bach）与亨德尔（George Frideric Handel）所代表的巴洛克晚期音乐的集大成。我们将解析复调音乐的精妙结构，探讨赋格、协奏曲大协奏曲（Concerto Grosso）以及清唱剧的成熟形式。重点分析巴赫晚期作品中蕴含的逻辑严密性与精神深度，以及亨德尔在歌剧和神剧领域所取得的巨大成就，特别是《弥赛亚》如何成为宗教音乐的里程碑。 随后，叙事转向“前古典时期”（Pre-Classical Era）的过渡。随着社会结构和哲学思潮（如启蒙运动）的变化，音乐开始寻求清晰、平衡与自然。我们将探讨“风格骚动”（Style Galant）的兴起，这种风格强调旋律的优美、节奏的轻快和结构的简洁，是对巴洛克繁复的直接回应。这一时期的重要人物如卡尔·菲利普·伊曼纽尔·巴赫（C.P.E. Bach）和格鲁克（Christoph Willibald Gluck）对歌剧改革所做的努力将被细致剖析，他们主张回归戏剧的内在逻辑，简化不必要的炫技，为后来的古典主义奠定了美学基础。 第二部：启蒙与秩序的时代——古典主义的巅峰（约1770-1820年） 古典主义时期是西方音乐理性精神的集中体现。本部分将深入探讨奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟与规范化，交响曲和弦乐四重奏如何成为最重要的音乐体裁。 奏鸣曲式的解构与重建： 我们将详细分析呈示部、展开部和再现部各自的功能和情感张力，探讨不同作曲家如何在其框架内展现个性。 管弦乐队的规范化： 探究乐团编制如何稳定下来，以及不同声部（弦乐、木管、铜管）如何协同工作，创造出前所未有的音响平衡。 维也纳古典乐派的精髓： 虽然海顿、莫扎特和贝多芬是古典乐派的代表，但本书将着重分析他们如何超越彼此之间的差异，共同构建起这一时期的美学典范。例如，海顿在幽默感和结构实验上的贡献；莫扎特在旋律的完美无瑕与心理描绘上的天赋；以及贝多芬早期作品如何继承并预示着变革。 第三部：浪漫主义的觉醒与抒情爆炸（约1800-1850年） 随着欧洲社会动荡和个人主义的崛起，音乐不再满足于古典主义的克制与和谐，而是将情感的深度、个体的激情和对超凡的追求置于核心地位。本卷详细阐述浪漫主义音乐的特征。 情感表达的极致化： 分析作曲家如何利用和声的扩展、调性的模糊以及节奏的灵活性来描绘复杂、甚至矛盾的内心世界。 艺术歌曲（Lied）的兴起： 舒伯特（Franz Schubert）如何将诗歌与音乐完美融合，创造出以钢琴伴奏烘托人声叙事的微型杰作。 标题音乐的探索： 叙事诗交响曲（Symphonic Poem）的前身——如柏辽兹（Hector Berlioz）的《幻想交响曲》——展示了音乐如何直接描绘文学情节和异想天开的梦境。 钢琴的黄金时代： 钢琴作为个人情感的终极表达工具，其技术复杂性和表现力达到了新的高度。肖邦（Frédéric Chopin）的夜曲、圆舞曲和奏鸣曲如何将波兰民族色彩与精微的触键艺术融为一体；李斯特（Franz Liszt）如何通过“钢琴之王”的形象，拓展了演奏技巧的边界，并发展了“主导动机”的构思。 第四部：德奥传统的延续与民族主义的浪潮（约1850-1890年） 中晚期浪漫主义的音乐呈现出“两极分化”的趋势：一方面是对古典传统的坚守与继承；另一方面是民族身份的强烈表达。 “新德意志乐派”与瓦格纳的革命： 重点分析李斯特领导的这一派别，他们主张音乐应服务于诗歌和哲学。尤其深入探讨瓦格纳（Richard Wagner）的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，以及他在和声（如“特里斯坦和弦”）和戏剧结构上对后世的颠覆性影响。 绝对音乐的坚守者： 与瓦格纳相对立的勃拉姆斯（Johannes Brahms）如何以其严谨的结构和对奏鸣曲式的深刻理解，在浪漫主义的语境下，为“纯粹音乐”正名。他的室内乐和交响曲被视为古典主义精神在浪漫时代的回响。 民族主义的勃兴： 探讨俄罗斯的“五人强力集团”（如穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫），以及德沃夏克（Antonín Dvořák）如何从本国（波希米亚/捷克）的民间旋律和节奏中汲取灵感，创造出既具有地方特色又具有世界影响力的音乐语言。 第五部：晚期浪漫主义的张力与印象主义的色彩（约1890-1910年） 音乐在达到表现力的顶峰后，开始寻求新的出口。本部分关注音乐如何走向瓦解古典平衡，并向现代性迈进。 晚期浪漫主义的过度饱和： 探讨马勒（Gustav Mahler）和理查·施特劳斯（Richard Strauss）如何将交响曲推向前所未有的规模，融合了民间音乐、戏剧性的呼喊和深刻的哲学沉思，使和声语言达到了极端的复杂性。 印象主义的诞生与东方美学： 德彪西（Claude Debussy）的出现标志着一次重大的美学转向。本书分析他如何从文学和绘画中汲取灵感，侧重于音色的“色彩”而非传统的功能和声逻辑。探讨全音阶、五声音阶的使用，以及踏板的广泛应用如何营造出朦胧、瞬息万变的听觉景观。 通往二十世纪的桥梁： 简要回顾勃拉姆斯的学生勋伯格（Arnold Schoenberg）在这一时期的早期创作，他如何通过极度扩张的调性语言，最终在世纪之交挑战了西方音乐体系的根基，为接下来的剧变埋下伏笔。 本书旨在为严肃的音乐爱好者、学生和研究人员提供一个全面、深入且富于洞察力的历史框架，理解这一历史时期中，从庄严的巴洛克到朦胧的印象派之间，音乐语言如何反映和塑造了西方的文化与精神面貌。

评分☆☆☆☆☆

当我把这本书带到咖啡馆里阅读时，总会引来身边人的好奇目光。这或许是因为它的印刷质量和装帧设计散发出一种“老派”的魅力。然而，内容上的深度绝非徒有其表。我特别喜欢它在处理莫扎特那近乎完美的音乐语言时所采取的笔触——那种克制而又充满灵性的赞美，避免了过度神化的倾向。作者非常细致地分析了莫扎特是如何在继承巴赫和亨德尔的传统技艺的基础上，注入他那独有的、仿佛与生俱来的歌唱性和戏剧张力。书中穿插的一些插图和乐谱节选，选择得恰到好处，帮助理解那些复杂对位法下的微妙变化。对于我这个业余学习过一些乐理的人来说，它就像一个私教课本，每次阅读都能发现新的知识点，比如某部协奏曲中某个乐章速度处理的细微差别如何影响了整体的情绪走向。这本书的知识密度很高，但叙事流畅，读起来完全没有负担感，是一种高质量的知识享受。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种沉稳又不失典雅的色调，仿佛一下子就把人拉回了那个辉煌的年代。初次翻阅，我最直观的感受是编排的匠心独运，它不像一些厚重的学术著作那样让人望而生畏，反而充满了引导性。作者在讲述每一位作曲家的生平时，并没有陷入冗长的人物传记泥潭，而是巧妙地将他们的音乐创作与当时的社会、文化背景紧密结合。比如，描述海顿的作品时，那种贵族赞助下自由与约束并存的张力被描绘得淋漓尽致，让我对“交响乐之父”的称号有了更深一层的理解——那不仅仅是形式上的创新，更是精神内核的转变。更让我惊喜的是，书中对乐曲结构的分析，既专业又易懂，即便是对配器法知之甚少的普通爱好者，也能顺着作者的思路，在脑海中构建出清晰的听觉画面。整体来看，这本书更像是一本精心准备的导览手册，引领我们走进那个交响乐、奏鸣曲形式臻于成熟的黄金时期，让人迫不及待地想要去聆听那些被文字激活的旋律。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，刚开始我有点担心“断代史”这个概念会不会过于局限，只关注了欧洲古典乐的某一个特定时间段。但事实证明，海顿、莫扎特和贝多芬这三人，本身就构成了一个完整的音乐宇宙的转折点。这本书的成功之处在于，它将这三位大师放在一个动态的演化链条中进行考察。它清晰地展现了音乐是如何从海顿的规范化、平衡美，逐步过渡到莫扎特的灵动与人性化，最终在贝多芬那里爆发为对人类精神自由的歌颂。书中对“维也纳古典乐派”这一概念的界定和分析尤其精彩，它不像教科书那样生硬地贴标签，而是通过对比分析他们的作品差异，让读者自然而然地理解了何为“典范”。对于想要系统性了解西方音乐史核心阶段的爱好者来说，这本书无疑提供了一个非常扎实、可靠且极具启发性的文本基础。它不是让你成为音乐家，而是让你成为一个更有洞察力的聆听者。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上关于古典音乐的书不少，但大多要么过于枯燥，要么就是浮光掠影的介绍，真正能沉下心来深入挖掘核心思想的作品凤毛麟角。而这本著作的厉害之处，就在于它提供了一种全新的“断代史”视角。它并非简单地按时间顺序堆砌事实，而是着重探讨了在海顿、莫扎特和贝多芬这三位巨匠手中，音乐语言是如何完成从古典主义向浪漫主义过渡的“质变”。我尤其欣赏作者对“奏鸣曲式”发展脉络的梳理，它不仅仅是在解释一种固定的结构，而是在展示作曲家们如何利用这种结构进行情感的表达和思想的博弈。书中对贝多芬后期作品中那种挣脱束缚、直面命运的宏大叙事的剖析，读来令人热血沸腾。它让你意识到，听古典音乐不只是在欣赏优美的旋律，更是在参与一场跨越时空的思想对话。这本书提升了我的“听力门槛”，让我不再满足于表面上的悦耳，而是开始探寻旋律背后的哲学重量。

评分☆☆☆☆☆

这套丛书的引进版本，在翻译质量上做到了极高的水准，这一点非常值得称赞。很多音乐史著作，即便是原版优秀，翻译过来也会因为术语不统一或风格僵硬而大打折扣。但这本关于“海莫贝”时代的译本，保留了原文那种严谨的学术态度和恰到好处的文学性。例如，当描述贝多芬创作《英雄交响曲》时的心路历程时，译者的用词精准有力，将那种从古典秩序的束缚中挣脱出来的精神史诗感，生动地传达给了中文读者。它不仅是知识的传递，更是一种文化体验的复制。读完关于他们三人的篇章后，我立刻去重听了《第九交响曲》和《安魂曲》，突然间，那些曾经听过无数遍的音符仿佛被重新赋予了生命，我能更清晰地捕捉到作曲家们在特定历史关口所要表达的深层意图，不再是模糊的情绪笼罩，而是清晰的观点表达。这种阅读与聆听的互相促进，是这本书带给我最宝贵的财富。