音乐理论简单学(1)/我爱乐理 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 土星图书专营店

出版社： 广西师大

ISBN：9787559801555

商品编码：29675924239

开本：8

出版时间：2018-03-01

基本信息

• 商品名称：音乐理论简单学(1)/我爱乐理
• 作者：编者:(马来)琳娜昂|译者:陈娴
• 定价：40
• 出版社：广西师大
• ISBN号：9787559801555

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-03-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：48
• 字数：50千字

内容提要

“我爱乐理”这套系列乐理书编者为来自马来西 亚的琳娜昂，作者有多年音乐教育实践经验。
     《音乐理论简单学(1)》是特别为4岁儿童所设计 的版本，书中有许许多多的练习与游戏。可以引导儿 童从这些书中找到学习音乐的*大兴趣。并且还可以 与“英皇乐理考级”同步使用！

目录

音符时值(Time Values)
拍号(Time Signatures)
复习l(Revision 1)
五线谱上的音符(Notes on the Stave)
十六分音符(Semiquaver)
复习2(Revision 2)
休止符(Rests)
延音线(Ties)
附点音符(Dotted Notes)
复习3(Revision 3)
临时记号(Accidentals#b □)
半音程和全音程(Semitones and Tones)
调号(Key Signatures)
复习4(Revision 4)
音阶(Scales)
音程(Intervals)
主三和弦(Tonic Triads)
复习5(Revision 5)
编写节奏(Rhythm Writing)
演奏指示(Performance Directions)
综合练习(General Exercises)
找出意大利术语游戏(Know your Italian Terms Game)
纵横填字游戏(Crossword Puzzle Game)

好的，这是一份关于其他图书的详细介绍，不涉及您提到的《音乐理论简单学(1)/我爱乐理》。 《西方音乐史纲：从文艺复兴到二十世纪》 深度剖析音乐演变脉络，洞悉西方文明的听觉密码 第一部分：文艺复兴的曙光与巴洛克的辉煌（约1450-1750年） 本书以严谨的学术态度和引人入胜的叙事风格，带领读者穿越西方音乐史的第一个重要分水岭——文艺复兴时期。我们不仅考察了奥兰多·迪·拉索和乔斯坎·德普雷等大师如何将人文主义精神融入复调音乐的织体，更深入探讨了宗教改革与反宗教改革对音乐创作的深刻影响，特别是集体唱颂（Choral Music）的演变。 随后，我们将进入气势恢宏、情感浓烈的巴洛克时代。本卷详细分析了这一时期音乐的“激情理论”（Doctrine of the Affections）及其如何指导了宏大叙事与精妙技巧的结合。重点章节聚焦于歌剧的诞生与成熟，从蒙特威尔第在曼图亚宫廷的早期探索，到亨德尔在伦敦舞台上的英美融合。此外，我们对奏鸣曲（Sonata）、协奏曲（Concerto）以及赋格曲（Fugue）等器乐体裁的规范化过程进行了细致的描摹，并以巴赫的《平均律键盘曲集》作为技术巅峰的例证，揭示了对位法如何达到空前的高度。本书特别强调了数字低音（Basso Continuo）在构建巴洛克音乐结构中的核心作用。 第二部分：古典主义的理性与浪漫主义的激情（约1750-1900年） 从巴洛克的繁复中解放出来，古典主义的清晰、平衡与典雅成为时代的主旋律。本部分聚焦于维也纳古典乐派“三巨头”——海顿、莫扎特和贝多芬——如何确立了奏鸣曲式（Sonata Form）作为西方音乐结构思维的基石。我们探讨了交响曲、弦乐四重奏和钢琴奏鸣曲如何从贵族沙龙走向公共音乐厅，以及这种社会环境的变迁如何影响了作曲家的创作理念。贝多芬，作为连接古典与浪漫的桥梁，其作品被置于更广阔的历史背景下考察，分析其突破性的和声运用和对个人英雄主义的表达。 进入十九世纪，音乐彻底成为“时代的良心”。浪漫主义音乐的特点是极端的主观性、对民间文学的偏爱以及对超自然主题的迷恋。我们细致分析了舒伯特的艺术歌曲（Lied）如何将诗歌与音乐完美融合，肖邦的钢琴作品如何探索了波兰民族精神与室内乐的细腻质感。此外，中欧的民族乐派，如德沃夏克和斯美塔那，如何从民间音乐中汲取养分，构建具有地域特色的音乐语言，也构成了本卷的重要内容。最后，我们审视了晚期浪漫主义，如瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，及其对传统调性体系造成的巨大冲击。 第三部分：二十世纪的剧变与多元探索（约1900年至今） 二十世纪是音乐史上最动荡、最富有实验精神的时期。随着调性体系的瓦解，作曲家们以前所未有的自由度探索新的音响可能性。本书详细梳理了德彪西和拉威尔如何开创印象主义，用色彩和氛围取代传统的功能和声。随后，我们进入了对传统规则的彻底反叛：勋伯格如何通过十二音体系（Twelve-Tone Technique）建立起“无调性”的新秩序，以及其追随者（如贝尔格和韦伯恩）如何发展了序列音乐。 本书的下半部分关注全球化背景下的音乐多元化。我们探讨了斯特拉文斯基在《春之祭》中引发的节奏革命，以及他对原始主义的运用。同时，本书也给予了美国音乐史上的重要地位，分析了科普兰和格什温如何成功地将欧洲的严肃音乐技法与美国本土的爵士乐、民间音乐元素相结合，创造出独特的“新世界”之声。我们还涵盖了极简主义（Minimalism）的兴起，如赖克和菲利普·格拉斯如何通过过程音乐和极度重复的手法，为听众提供了一种全新的时间感知体验。 最终，我们触及了电子音乐、偶然音乐（Aleatoric Music）以及后现代主义对音乐的界定与挑战，为读者提供一个理解当代音乐复杂性的清晰框架。 《管弦乐队配器法与实践指南》 从概念到舞台：精通交响织体艺术的实用手册 本书是一本面向作曲家、编曲家以及有志于深入理解管弦乐队声音制作的音乐专业人士的深度指南。它超越了简单的乐器介绍，旨在提供一套完整的、可操作的配器原则和技巧，确保读者能够准确、高效地将音乐构思转化为实际的管弦乐音响。 一、 乐器家族的音域、音色与技术限制 本书首先对交响乐队的四大支柱——木管组、铜管组、打击乐组和弦乐组——进行了详尽的分析。 木管组： 重点不在于识别长笛、双簧管、单簧管和巴松管的音高，而在于深入探讨每种乐器的混合能力、转调的敏感性、以及在不同八度范围内的音色变化。例如，如何利用高音单簧管的穿透力，或双簧管的鼻音特性来突出旋律线条。我们提供了大量关于“假指法”（Cross-Fingering）在特殊效果中的应用案例。 铜管组： 本部分详细解析了圆号、小号、长号和大号在力量、延展性与音准（特别是圆号在解决复杂和声时的技巧）上的特性。特别关注了弱奏（Muting）技术——使用直音、弱音器（Cup, Harmon, Straight Mutes）对音色质感的微妙影响，以及如何利用这些变化来创造层次感。 打击乐组： 这不仅仅是一个清单，而是关于声音的纹理设计。我们系统分类了敲击乐器（有音高/无音高），并提供了针对定音鼓（Timpani）的调音技巧、马林巴与颤音琴在交响配乐中的作用，以及如何处理大型管弦乐中的铙钹和低音鼓的动态平衡。 弦乐组： 弦乐组被视为管弦乐的“粘合剂”。除了标准的揉弦（Vibrato）和换把技术，我们深入探讨了弓法（Bowing Techniques）对音色的决定性影响，包括：跳弓（Spiccato）、断弓（Staccato）、捶弦（Col legno）和泛音（Harmonics）的精确记写与效果。同时，分析了不同弦乐声部（如第一小提琴与第二小提琴的对位布局）在声部平衡中的战略部署。 二、 动态与平衡的艺术：层次构建与声部交织 配器法的核心在于“听起来如何”，而非“写出来如何”。本书的大部分篇幅致力于解决动态平衡与音色融合的实际问题。 1. 声部间的穿透力分析： 建立一个实际的“穿透力图表”，展示在不同动态下（如 p, mf, ff），哪些乐器倾向于被淹没，哪些乐器能自然地突出。例如，在全乐队齐奏时，次中音萨克斯风（如果使用）与中提琴的音量关系需要进行特殊处理。 2. 和声的着色（Coloring Harmony）： 探讨如何通过选择不同的乐器组合来“着色”同一个和弦。例如，一个C大和弦，用长笛和竖琴演奏将产生轻盈感；而用圆号和低音单簧管演奏则会带来厚重感。本书提供了大量如何使用“混合”和“分离”技巧来构建复杂和声纹理的实例。 3. 过渡与衔接： 教授如何实现从木管到铜管，或从弦乐到打击乐的平滑过渡，避免突兀的音色断裂。这涉及到对相邻乐器共同音区的精确匹配。 三、 现代配器技巧与效率实践 本书最后关注如何应用这些知识于现代作曲实践中，特别是针对电影配乐、电子音乐与管弦乐结合等新兴领域。 我们提供了关于“记谱效率”的实用建议，包括如何利用现代数字音频工作站（DAW）进行预听和调整，以最小化排练中的不确定性。此外，对“限制性配器”（如只使用弱音器或特定音区）的挑战进行了专门讨论，帮助读者在约束条件下激发创造力。 本书的附录包含一系列标准管弦乐团的实际配置图表、常用弱音器规格以及高效率的演奏法缩写对照表，是作曲者工具箱中不可或缺的参考书。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，最初选择这本书是因为它的名字看起来“不那么吓人”，但读完之后，我发现它带给我的远超我的预期。这本书的叙事风格非常流畅，完全没有传统乐理书那种生硬和教条感。它更像是音乐前辈在跟你分享他的经验和感悟，而不是冷冰冰的知识传授。我特别欣赏作者在解释概念时所展现出的那种同理心。比如在讲解节奏和节拍时，作者非常细致地分析了不同文化背景下的音乐如何处理时值，这极大地拓宽了我的音乐视野，让我明白了乐理不应该仅仅局限于古典音乐的框架内。这本书的另一个突出优点是，它非常注重“听觉训练”与“视觉认知”的结合。它不仅教你如何“看懂”五线谱上的符号，更重要的是教你如何“听出”这些符号背后蕴含的情感和色彩。我发现自己开始下意识地在听歌的时候去分辨和声的进行，去体会旋律的走向，这种潜移默化的影响，是我以前通过其他材料学习时难以获得的。这本书确实做到了“化繁为简”，但绝不是“以简代繁”，它在保证准确性的前提下，做到了极致的可读性。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让人眼前一亮，尤其是对于像我这种对音乐理论一知半解的入门者来说，它简直就是一盏明灯。我之前尝试过一些传统的乐理书籍，那些厚厚的教科书和复杂的术语总是让我望而却步，感觉就像是在攀登一座知识的高山，还没开始就已经气喘吁吁了。而这本书，它的名字虽然带着“简单学”，但内容却丝毫不含糊。作者的叙述方式非常口语化，完全没有那种高高在上的学术腔调。我记得我拿到书的时候，随便翻了几个章节，就被它那种娓娓道来的感觉吸引住了。比如讲到和弦构成时，它不是简单地罗列公式，而是会用一些非常生活化的比喻，让我一下子就能抓住核心概念。最让我惊喜的是，这本书在讲解基础知识的同时，非常注重实践应用，它会引导你去听、去感受音乐中的理论，而不是仅仅停留在纸面上。这种“学以致用”的理念，让学习乐理不再是枯燥的任务，而变成了一种探索音乐奥秘的有趣过程。我特别喜欢它排版设计，清爽简洁，重点突出，即便是第一次接触这些概念的人也能轻松跟上节奏。它让我真切地体会到了“原来音乐理论可以这么好玩”的感受。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经接触过一些基础乐理，但总感觉知识体系不够扎实的人，这本书对我来说更像是一次系统性的“查漏补缺”之旅。我一直对一些进阶的乐理概念感到困惑，比如调式转换或者复杂的和声进行，总觉得理解得不够深入，一到实际编曲或者分析乐曲时就卡壳。这本书的优点在于，它没有急于抛出那些让你头晕的专业术语，而是用一种极其有条理的方式，将知识点层层递进地铺展开来。它的逻辑性极强，每学完一个概念，都会自然而然地引向下一个相关联的知识点，形成一个完整的知识闭环。我记得有一次我卡在一个关于转调的知识点上很久，翻阅了网上很多资料都收效甚微，结果在这本书里，作者通过一个巧妙的例子，一下子点亮了我的思路。这种醍醐灌顶的感觉，真的非常美妙。它不是那种填鸭式的灌输，而是像一个耐心的老师，知道你哪里没理解透，然后用最恰当的方式帮你打通任督二脉。对于想要把乐理知识真正内化吸收，用在自己的音乐创作和鉴赏中的人来说，这本书的深度和广度都拿捏得恰到好处，绝不是那种肤浅的入门指南。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我是一个对理论学习容易分心的人，耐心值通常不高。很多乐理书籍在我翻阅几页之后就束之高阁了。但是这本《音乐理论简单学(1)》却成功地“绑架”了我的注意力。它最吸引我的地方在于其“小步快跑”的教学策略。每一个知识点都被拆解得非常细碎，配上大量清晰的图示和音例，让你感觉每读完一小节，都能立刻获得一个成就感。我不需要花费大量时间去理解一个宏大的理论框架，而是可以专注于眼前这个具体的、可操作的小模块。这种设计对于提升学习的持续性非常重要。此外，我发现这本书在处理一些容易混淆的概念时，会非常直白地指出它们之间的细微差别，并且会用一种对比的方式来加深印象，这比那种仅仅是并列描述要有效得多。它就像是为你搭建了一个坚固的基石，让你在学习更复杂的乐理结构时，不用担心地基不稳会随时塌方。这本书的阅读体验是轻松愉快的，但它所传递的知识却是扎实且体系化的，这是我个人认为它非常成功的地方。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最大的震撼，在于它彻底颠覆了我对“乐理学习枯燥”的刻板印象。我以前总觉得，要真正理解音乐，就得啃那些晦涩难懂的大部头。但这本书告诉我，好的教学方法可以跨越这种障碍。作者在全书中都保持着一种充满热情的语气，仿佛他自己也在享受着和读者一起探索音乐世界的乐趣。我特别喜欢其中一些历史小插曲的穿插，它们不是无关紧要的填充内容，而是能让人理解某个理论或概念是如何在音乐发展长河中被孕育和完善的，这极大地增加了学习的趣味性和深度。它不仅仅是一本教材，更像是一本关于音乐思维方式的指南。它教会我的不是死记硬背，而是如何像一个音乐家那样去思考和感知声音。从基础的音程到后期的简单的和声关系，这本书都处理得极其精妙，总能在关键节点上给出恰到好处的解释和练习。读完它，我感觉自己对音乐的“内在逻辑”有了更清晰的认识，这对我日后的听歌和演奏都有着不可估量的帮助。