中外声乐曲选集(第5版)/21世纪音乐教育丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

胡郁青 编

图书标签:

• 声乐
• 曲谱
• 合唱
• 独唱
• 音乐教材
• 艺术教育
• 音乐教学
• 中外音乐
• 声乐选集
• 21世纪音乐教育

店铺： 博库网旗舰店

出版社： 西南师大

ISBN：9787562120438

商品编码：29678660550

开本：16

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：中外声乐曲选集(第5版)/21世纪音乐教育丛书
• 作者：编者:胡郁青
• 定价：58
• 出版社：西南师大
• ISBN号：9787562120438

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：5
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：431
• 字数：723千字

内容提要

胡郁青主编的《中外声乐曲选集（第5版）》是 为高等音乐院校和高等师范院校音乐专业选编的声乐 教材。全书共分为两个部分，其中**部分为声乐理 论，本部分对歌唱的呼吸、共鸣、语言及歌曲的艺术 处理等基本原则和规律进行了较详细的论述。第二部 分为中外声乐曲选，分四个年级，共选编了300多首 。授课教师可根据学生的实际情况选择曲目。本书曲 目广泛，内容涉猎面广，在选编时编者本着严肃审慎 的态度，参考了全国部分音乐院校的声乐教学大纲， 充分考虑歌曲的难易度及可唱性，每首歌曲都是几经 推敲*后才确定下来的。
     本书供四年制本科音乐专业学生使用，专科及中 师学生亦可根具体情况选择各年级的歌曲演唱。这本 教材也适合广大声乐爱好者使用。
    

目录

**部分 歌唱的技巧
引言
一、歌唱的气息
二、歌唱的共鸣
三、歌唱的语言
四、歌曲的艺术处理
五、各年级的训练要求
第二部分 教材歌曲
一年级
花非花
长城谣
二月里来
西风的话
秋水伊人——电影《古塔奇案》插曲
清流
页里麦
沂蒙山风光
嘎达梅林
跑马溜溜的山上
摇篮曲
采花
牧羊姑娘
高高太子山
故乡的小路
牧羊歌
大海啊，故乡
绒花——电影《小花》插曲
游子吟——电视剧《虾球传》主题歌
雁南飞——电影《归心似箭》插曲
中秋月，分外明
鼓浪屿之波
塔里木河
秋问——电影《张铁匠的罗曼史》插曲
***的恩情比山高比水长
猎人魂——电视剧《乌龙山剿匪记》插曲
北风吹——歌剧《白毛女》选曲
天边有颗闪亮的星——歌剧《党的女儿》选曲
愿你有颗水晶心——电影《水晶心》主题曲
橄榄树
摇篮曲
桑塔·露琪亚
幻妮塔
德聂泊尔河掀起了怒涛
樱花
莎丽楠蒂
桔梗谣
摇篮曲
阿路路
月亮河
摇篮曲

歌剧的辉煌与人声的艺术：一部探寻西方声乐发展史的深度著作 书名：歌剧的灵魂：从蒙特威尔第到当代——西方声乐艺术的百年流变 作者：[虚构] 伊莎贝尔·德·拉弗朗索瓦 译者：[虚构] 王建国 出版社：[虚构] 巴黎艺术评论出版社/上海音乐学院联合出版 ISBN：[虚构] 978-7-5629-4567-8 --- 内容简介 《歌剧的灵魂：从蒙特威尔第到当代——西方声乐艺术的百年流变》是一部宏大而精微的学术专著，它将目光聚焦于西方音乐史中最为光彩夺目、也最具戏剧张力的门类——歌剧，并深入剖析了与之血脉相连的人声演唱技巧、美学观念以及社会文化背景的深刻互动。本书并非简单的作曲家或作品罗列，而是一部以“声音”为核心线索，追溯其历史演变轨迹的音乐人类学与美学研究。 本书分为四大部，共计二十二章，内容涵盖了歌剧自巴洛克萌芽至二十一世纪实验性发展的全部关键节点。作者伊莎贝尔·德·拉弗朗索瓦教授，凭借其在巴黎高等音乐院深厚的历史学养和在米兰斯卡拉歌剧院多年的舞台实践经验，构建了一个既具学术严谨性又不失文学感染力的叙事框架。 第一部：蒙特威尔第的黎明与美声的奠基（1600-1750） 本部分详尽考察了歌剧的起源——佛罗伦萨“鲁蒂社”对古希腊戏剧的“复兴”尝试，以及克劳迪奥·蒙特威尔第如何通过《奥尔费奥》确立了抒情性宣叙调与咏叹调的初步二元结构。重点深入分析了卡斯特拉托（阉伶歌手）在巴洛克时代盛行的社会结构性原因及其对声乐线条的极端要求。 核心议题： “情感的表达”（Affetti）原则如何在早期歌剧中体现？那不勒斯学派（如普赛尔与阿里斯蒂德）如何将声乐炫技推向极致？卡斯特拉托的“人造英雄”形象如何塑造了观众对高音域的审美偏好？ 技术剖析： 巴洛克时期声乐装饰音（Aggiunta）的即兴创作传统，与现代“规范化”演唱方式的差异。 第二部：古典主义的平衡与浪漫主义的狂飙（1750-1900） 从格鲁克对巴洛克繁缛的净化运动开始，本书进入了歌剧美学观念的剧烈变革期。莫扎特歌剧中“人物性格”与“音乐形式”的完美融合被视为古典主义的典范。 进入浪漫主义时期，叙事需求压倒了纯粹的炫技。本部分详尽对比了意大利美声学派（罗西尼、贝里尼、多尼采蒂）对气息与音色的极致追求，与德语歌剧（尤其是瓦格纳）在音乐与戏剧融合上的探索。 焦点分析： 瓦格纳的“主导动机”体系如何改变了对咏叹调的认知？“乐剧”（Gesamtkunstwerk）理念如何重塑了歌手对管弦乐队的依赖和对声音“体积”的要求？威尔第中后期作品中戏剧冲突驱动下的声乐线条如何为后世“强声唱法”铺路？ 技术侧重： 颤音（Tremolo）与力度变化（Dynamics）在不同流派中的功能差异，以及“穿透力”在大型剧场中成为核心指标的历程。 第三部：二十世纪的碎片化与声音的探索（1900-1980） 本部分讨论了普契尼的“写实主义”对传统美声概念的冲击，以及第一次世界大战后，歌剧艺术如何面对现代主义的挑战。德彪西、斯特拉文斯基等作曲家开始试验非传统音阶和节奏结构，迫使歌手必须发展出全新的发声和诠释技巧。 关键流派： 意大利“真实主义歌剧”（Verismo）对人声极限的检验（如《卡门》和《丑角》中的情感爆发）。德国表现主义对“非和谐音”和“神经质”声音的追求。 技术演变： 声音的“覆盖度”（Covering）概念在现代演唱中的应用与争议。二十世纪中叶，录音技术的普及如何反作用于现场演唱风格的“标准化”。 第四部：当代声音的边界拓展与跨界融合（1980至今） 最后一部分聚焦于当代歌剧，探讨了后现代主义、极简主义以及电子技术对人声艺术的深刻影响。作者考察了如菲利普·格拉斯、约翰·亚当斯等作曲家对重复结构和调性模糊性的运用，以及如何要求歌手在极度克制的发声中传达强烈的心理状态。 前沿探讨： 电子合成声与人声的混合演唱（如电子歌剧）。非西方音乐元素（如日本能乐、非洲节奏）对当代声乐创作的借鉴。当代歌手在美声、戏剧与“真实”嗓音之间的游走与平衡。 结论反思： 经过四个世纪的演变，歌剧演唱的“标准”究竟是历史的遗产，还是持续探索的起点？作者提出，当代声乐艺术的真正价值在于其对“可能发出的声音”的不断拓宽。 本书特色与学术价值 本书的独特之处在于其多维度的研究视角： 1. 音乐学与社会史的结合： 不仅分析乐谱，更考察了剧院的经济结构、皇室赞助、新兴中产阶级观众对歌剧题材和歌手选择的影响。 2. 科学与哲学的交汇： 引用了最新的嗓音生理学研究成果，来解释特定历史时期对发声技巧的要求（例如，巴洛克高音的支撑机制与浪漫主义高音的冲击力在生理学上的区别）。 3. 跨文化对话： 首次将东方美学中对“气”的理解，与西方对“气息支撑”的精细区分进行了有益的参照和对比。 《歌剧的灵魂》是声乐教师、音乐史学生、专业歌剧演员以及所有对西方艺术史抱有浓厚兴趣的读者不可或缺的参考指南。它提供了一种全新的、充满洞察力的视角，使读者得以超越单纯的欣赏层面，真正理解人声艺术如何承载了人类文明变迁中的情感与技术高峰。全书配有珍贵的历史乐谱片段、舞台设计图及罕见的早期歌手肖像分析。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的选曲实在是太妙了，简直是为我这种声乐学习者量身定做的宝典！我尤其欣赏编者在古典与近现代作品之间的平衡把握。比如，那些耳熟能详的西方艺术歌曲，从舒伯特到德彪西，每首作品的选取都精准地触及了不同声乐学派和时期风格的核心特征。歌词的翻译和附注也极其用心，很多晦涩难懂的德语或法语表达，在注释中都得到了清晰的阐释，这对于我们理解作品的深层内涵至关重要。更让我惊喜的是，它并没有止步于传统的欧洲经典，而是大胆地纳入了一些具有国际视野的声乐作品，这无疑拓宽了我们的音乐视野，让我们得以领略不同文化背景下声乐艺术的魅力。每一次翻阅，都像是一次穿越时空的音乐对话，让我对声乐艺术的理解又深入了一层。这本书的排版设计也非常人性化，谱面清晰，音符和文字的间距恰到好处，长时间练习也不会感到视觉疲劳，这对于需要大量阅读乐谱的我们来说，简直是福音。强烈推荐给所有声乐专业的师生！

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量，是我关注的另一个亮点。在这个数字阅读日益盛行的年代，实体乐谱的质感变得尤为重要。这本《选集》的纸张厚度适中，摸起来有一种温和的阻尼感，即使用钢笔在上面做标记也不会洇墨，非常适合进行大量的批注和划线。更重要的是，它的开本设计非常合理，无论是放在钢琴谱架上还是抱着阅读，都显得恰到好处，不会出现某些大部头教材那样，因为尺寸过大而难以平稳放置的问题。翻页时的流畅度和耐用性也令人满意，看得出出版社在制作环节上投入了时间和成本。一本好的教材，不仅内容要好，物理载体也必须能够经受住长期的、高强度的使用。从这个角度来看，这本教材是一次非常成功的“实体体验”。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的“审美趣味”印象深刻，它体现出一种非常成熟和高雅的音乐品味，绝非那种为了凑数而堆砌曲目的粗浅之作。那些被选入的德奥艺术歌曲（Lied），每一首都经过了精心挑选，它们的旋律线条、和声色彩，无一不代表了德语艺术歌曲创作的巅峰水平。我常常在练习某首小诗的歌曲时，被其精致的音乐语言所震撼，感觉每一次呼吸、每一个乐句的连贯性都需要全身心的投入和精确的控制。这种对“精美”的执着追求，也潜移默化地影响着我自身的演唱标准。此外，我注意到对歌词的排版也十分考究，使得歌手在演唱时，目光能够自然地在乐谱与歌词之间切换，减少了不必要的阅读障碍。这本书的每一页都散发着对音乐艺术本身应有的尊重与热爱。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始对“第5版”这个标签有点持保留态度，总觉得经典再版无非是换个封面糊弄事。然而，当我真正深入阅读后，才发现这次的修订工作是多么的扎实和必要。最让我眼前一亮的，是它对于“中国声乐作品”的收录和处理方式。过去很多选集对中国作品往往只是象征性地放上几首，但这一版明显加大了力度，不仅选取的曲目更具代表性，而且在风格的多样性上做得非常出色，涵盖了从民歌改编到学院派创作的各个维度。更难能可贵的是，有些作品的版本和注记似乎也参照了最新的学术研究成果，这对于追求准确性和规范性的我们来说，无疑是极大的提升。我感觉这不仅仅是一本“选集”，更像是一部不断与时俱进的“声乐发展史的缩影”。这种与时俱进的态度，让我对这套丛书的专业性肃然起敬。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐教育工作者，我最看重一本教材的“可用性”和“结构逻辑”。这本《选集》在这方面表现得非常出色。它的编排逻辑不是简单的按年代堆砌，而是明显融入了教学的考虑。比如，它似乎在不同单元之间设计了某种“技能递进”的线路，从音域的跨度，到演唱技巧的要求，再到情感表达的复杂程度，都做了循序渐进的铺垫。我特别喜欢它在每组作品前加入的简短“风格导览”，虽然篇幅不长，但几句话就能精准概括出该组作品需要注意的艺术处理要点，这极大地节省了备课时间。而且，很多小曲目的选择非常巧妙，它们可能是难度适中但艺术价值很高的“遗珠”，非常适合用来进行阶段性的小测验或课堂展示。这种注重实践操作和教学效率的设计，让它在众多声乐教材中脱颖而出，是课堂教学的得力助手。