正版调性和声及20世纪音乐概述斯蒂凡库斯特卡人民音乐出版社9787103038970 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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斯蒂凡·库斯特卡 著

图书标签:

• 调性
• 和声
• 20世纪音乐
• 音乐理论
• 音乐史
• 斯蒂凡·库斯特卡
• 人民音乐出版社
• 高等教育
• 音乐教材
• 西方音乐

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103038970

商品编码：29684801696

页数：677

图书基本信息 书名：   调性和声及20世纪音乐概述 丛书名：  当代外国高校精品音乐教材 作者/主编：  斯蒂凡·库斯特卡  出版社：   人民音乐出版社  ISBN号：   9787103038970   出版年份：   2010年5月1日   版次：   第1版 总页数：   677页 开本：   16 图书定价：  129 元 实际重量：  1.3k g 新旧程度：   正版全新

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《当代外国高校精品音乐教材:调性和声及20世纪音乐概述(第六版)》由人民音乐出版社出版。

作者简介

作者：（美国）斯蒂凡·库斯特卡 （美国）多萝茜·佩恩 译者：杜晓十

目录

第*部分基本理论
第*章音高元素
键盘与八度音区
五线谱记谱法
大调音阶
大调调号
小调音阶
小调调号
音级名称
音程
纯音程、大音程、小音程
增音程与减音程
音程的转位
协和与不协和和声音程
小结
拓展学习
第二章节奏元素
节奏
时值符号
拍子与速度
节拍
拍子的细分
单拍子拍号
复拍子拍号
拍号综述
更多的时值符号
小结
拓展学习
第三章三和弦与七和弦概述
导言
三和弦
七和弦
和弦的转位
转位标记与数字低音
字母标记
在不同织体中辨识和弦
小结
拓展学习
第四章大调和小调的自然和弦
导言
小调音阶
大调的自然三和弦
小调的自然三和弦
大调的自然七和弦
小调的自然七和弦
小结
拓展学习
第二部分自然三和弦
第五章声部进行的基本原则
导言
旋律线
和弦的记谱
单个三和弦的声部写作
平行进行
小结
拓展学习
第六章原位三和弦声部写作
导言
同和弦反复原位三和弦声部写作
根音四（五）度关系原位三和弦
声部写作
根音三（六）度关系原位三和弦
声部写作
根音二（七）度关系原位三和弦
声部写作
乐器音域及移调乐器
小结
第七章和声进行与模进
导言
模进与五度圈
Ⅰ和弦和Ⅴ和弦
Ⅱ和弦
Ⅵ和弦
Ⅲ和弦
Ⅶ和弦
Ⅳ和弦
常见的例外
小调的不同点
含有七和弦的进行
关于和声模进的更多情况
为简单旋律配和声
结论
小结
第八章三和弦的第—转位
导言
分解和弦式低音
第*转位三和弦的使用
字母标记中的转位和弦
平行六和弦
第*转位三和弦声部写作
高音部—低音部对位
小结
拓展学习
第九章三和弦的第二转位
导言
分解和弦式低音与旋律化低音
终止四六和弦
经过四六和弦
持续音四六和弦
第二转位三和弦声部写作
小结
第十章终止，乐句，乐段
曲式
终止
终止与和声节奏
动机与乐句
莫扎特：《欢乐颂》
乐段
句子
小结
第十一章和弦外音（1）
导言
和弦外音分类
经过音
邻音
延留音与上行延留音
简单织体的修饰
数字低音与字母标记
小结
第十二章和弦外音（2）
倚音
规避音
邻音组
先现音
持续音
和弦外音分析中的特殊问题
小结
拓展学习
第三部分自然七和弦
第十三章V7和弦
导言
声部进行的一般原则
原位V7和弦
三声部中的V7和弦
V7和弦的其他解决
转位V7和弦
V65和弦
V43和弦
V42和弦
七音的到达
小结
第十四章Ⅱ7和弦与Ⅶ7和弦
导言
Ⅱ7和弦
大调Ⅶ7和弦
小调Ⅶ7和弦
小结
第十五章其他自然七和弦
Ⅳ7和弦
Ⅳ7和弦
Ⅰ7和弦
Ⅲ7和弦
七和弦与五度圈模进
小结
……
第四部分半音体系（1）
第五部分半音体系（2）
第六部分20世纪音乐概述
附录A乐器音域及移调乐器
附录B字母标记
附录C集合分类表
附录D自测答案
谱例索引
译后记
CD目录

《调性和声及20世纪音乐概述（第6版）/当代外国高校精品音乐教材》自1989年起稳居美国音乐理论教学教材的**和主导地位；二十年来，应用于全美八百多所高校的音乐理论一线教学实践中；历时六次修订，2009年，第六版来到中国；以化的知识结构、科学化的叙述方式、人性化的教学理念、媒体化的教辅手段，与中国音乐师生分享教育资源。

 

音乐的脉络与风貌：跨越时代的听觉探索 本卷聚焦于西方音乐史的宏大叙事，旨在为读者构建一个清晰、系统的音乐发展框架，深入剖析不同历史时期、流派的核心特征、美学追求以及代表人物的艺术贡献。我们不局限于单一的理论分析，而是力求展现音乐作为一种文化载体，如何与社会、哲学、技术变迁相互作用，共同塑造了我们今日所听闻的丰富音响世界。 第一部分：古典主义的理性与平衡——光辉时代的典范 本部分将回溯至18世纪中叶至19世纪初的“古典主义”时期，探究其对“自然”、“和谐”与“清晰结构”的极致追求。我们将详细解析奏鸣曲式（Sonata Form）的严谨结构，如何成为该时期器乐创作的基石。 海顿的“交响曲之父”地位： 深入分析海顿如何确立了四乐章交响曲的范式，以及他如何通过精妙的对位与主题发展，将幽默感和深刻性完美结合于看似简单的形式之中。他的晚期伦敦交响曲（如《惊奇》）如何预示了浪漫主义的某些倾向，值得细致考察。 莫扎特的旋律天赋与戏剧性： 莫扎特的音乐常被誉为“神赐的旋律”，本章将探讨其旋律的内在逻辑与情感深度。重点剖析其歌剧创作，如《费加罗的婚礼》和《唐璜》，如何将启蒙运动的人文精神融入到对人物复杂心理的刻画中，以及他如何将歌剧的宣叙调与咏叹调结构推向了新的高度。 贝多芬：古典主义的终结者与浪漫主义的先驱： 贝多芬是音乐史上一个无法绕过的转折点。我们将从早期作品中对海顿、莫扎特风格的继承，分析其中期（“英雄时期”）如何通过打破既有形式的限制（例如《第三交响曲》的规模与张力），展现“个体意志”的崛起。晚期作品（如第九交响曲）对人声的引入，以及对更深层次精神探索的尝试，标志着音乐进入了新的维度。 第二部分：浪漫主义的激情与主观性——情感的无限扩张 19世纪是音乐史上情感表达最为丰沛的时期。本部分着重探讨浪漫主义音乐如何反叛古典主义的克制，转而拥抱个体的主观体验、对自然的崇拜、对异域风情的向往以及对超自然事物的迷恋。 艺术歌曲（Lied）的兴盛： 舒伯特、舒曼以及后来的沃尔夫，如何通过钢琴伴奏与人声旋律的紧密结合，将诗歌的意境提升至与音乐同等重要的地位。我们将分析德语艺术歌曲中“动机”与“氛围”的营造技巧。 民族主义的勃兴： 欧洲各国音乐家如何从本国民族的民间音乐、神话传说和历史事件中汲取灵感，塑造独具特色的国家音乐语言。考察德沃夏克（捷克）、斯美塔那（捷克）、穆索尔斯基（俄罗斯五人组）等人的具体实践。 标题音乐的崛起与管弦乐队的革新： 柏辽兹的《幻想交响曲》如何奠定了“标题音乐”的基础，以及李斯特如何通过“交响诗”这种单乐章、富含文学叙事性的体裁，拓展了管弦乐的表现范围。同时，探讨19世纪后期瓦格纳对和声的极端探索，以及他如何构建了“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的理念，对后世产生的颠覆性影响。 第三部分：印象主义与后浪漫主义的过渡——色彩与氛围的捕捉 随着19世纪末期，音乐的中心逐渐从德奥地区向法国转移，音乐语言开始发生微妙的变化。这一时期的作品不再追求宏大的叙事，而是转向对瞬间感觉、光影变化和朦胧意境的捕捉。 德彪西与印象主义： 重点分析德彪西如何运用全音阶、五声音阶以及非功能性的和声进行，来创造一种“暗示性”而非“明确性”的听觉体验。探讨他对法国象征主义诗歌美学的音乐化解读，以及他如何将管弦乐的音色运用到极致。 拉威尔的精湛技艺： 对比拉威尔在继承法国传统的同时，如何表现出更清晰的结构感和对节奏的精确控制。他的配器技巧被视为管弦乐配器法的典范，本章将细致分析其配器选择的逻辑。 马勒与理查·施特劳斯： 作为后浪漫主义的集大成者，马勒的宏大交响曲如何将音乐的哲学深度推向新的极限，探讨其对“人与世界”的终极追问。理查·施特劳斯则在交响诗（如《查拉图斯特拉如是说》）中展现了对技术难度和表现力的极致追求。 第四部分：二十世纪音乐的多元探索——打破与重塑 20世纪是西方音乐史上结构和观念被彻底解构和重建的时代。技术进步、两次世界大战以及社会思潮的剧变，共同催生了前所未有的音乐流派。 表现主义与无调性音乐： 勋伯格如何从调性体系的“瓦解”出发，追求音乐中纯粹的“情感紧张感”，探讨其早期的不协和和声倾向。 十二音体系的诞生与发展： 详细阐释勋伯格发展出的十二音列技法（Serialism）的原理、操作规则及其在西方音乐理论中的地位。分析其学生如贝尔格和韦伯恩如何将这一体系应用于具体的创作实践中，特别是韦伯恩如何将其推向了极简与高度的结构化。 新古典主义的回溯： 面对浪漫主义的过度膨胀，斯特拉文斯基等作曲家如何主张“回到巴赫”（Back to Bach），倡导清晰的结构、简洁的配器和对位手法。分析其对古老体裁的“现代化”处理。 原始主义与节奏的解放： 重点分析斯特拉文斯基《春之祭》首演带来的巨大冲击，探讨其对多重节拍、不协和音响和原始力量的运用，如何永久改变了西方音乐对节奏的认知。 美国音乐的独特声音： 考察艾夫斯、科普兰等人如何将本土的民间旋律、爵士乐元素或田园风光融入古典音乐体系，构建具有地域特色的现代音乐语言。 本卷通过以上四个阶段的深入梳理，旨在为读者提供一个连续且富有洞察力的视角，理解音乐是如何从对秩序的追求，走向对个体情感的释放，再到对声音本质的解构与重建，最终形成我们今天所听到的复杂而迷人的音乐图景。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本厚重的乐理宝典，扑面而来的首先是那种严谨到近乎刻板的学术气息。对于初涉和声学领域的学习者来说，它无疑是一座宏伟的知识殿堂的基石。作者的叙述方式如同精密仪器的操作指南，每一个和弦的构成、每一个转调的逻辑，都被分解得如同化学分子结构图一般清晰可辨。我花了很长时间才适应这种深入骨髓的逻辑推演，尤其是在处理到那些复杂的、涉及多声部织体建构的部分时，几乎需要全程备着纸笔，随时准备捕捉那些稍纵即逝的理论节点。它的优势在于其无懈可击的体系性，它不只是告诉你“怎么做”，更是深入探讨“为什么非得这么做”的内在规律。不过，对于那些追求灵感和即兴表达的音乐人而言，这种过于规范化的讲解方式，可能会在初期产生一种束缚感，仿佛所有的可能性都被预先框定在了既有的法则之内。但这本教材的价值恰恰在于，只有真正理解了这些“法则”的坚实地基，才能更自由、更有底气地去探讨和打破它们。对我个人而言，它更像是一本需要反复研读的工具书，而非轻松愉快的“读物”，但正是这份沉甸甸的重量，保证了其作为经典参考资料的地位。

评分☆☆☆☆☆

作为一本理论教材，其排版和图表的清晰度直接影响了学习体验。令人欣慰的是，这本书在这方面做得非常出色。那些密集的乐谱示例，无论是用于展示和声的层级关系，还是用来佐证二十世纪音乐中不协和音的逻辑性，都处理得赏心悦目。特别是涉及到复杂的对位和复调写作时，通过不同的字体和符号区分不同的声部，极大地减轻了阅读的认知负担。我发现，在学习那些需要视觉辅助才能理解的理论点时，例如封闭式和开放式和声的结构差异，或者某个复杂的变音记号如何影响调性中心的转移，清晰的示例图胜过千言万语的文字描述。这使得原本枯燥的理论学习过程，在很大程度上变成了一种视觉上的解码过程。这本教材在注重知识的深度之余，并没有牺牲掉阅读体验的舒适度，这一点在面对如此庞杂的音乐知识体系时，无疑是一个巨大的加分项。

评分☆☆☆☆☆

我对本书中处理“新材料”和“旧范式”交接部分的处理方式印象尤为深刻。在讲解了古典和浪漫主义和声的成熟体系后，作者并没有急于抛弃它们，而是将后来的作曲家如何“解构”这些传统作为切入点。这种循序渐进的叙事策略，有效地帮助读者理解“创新”并非凭空产生，而是对既有框架的修正、拉伸或扭曲。例如，书中对功能和声从瓦格纳后期开始的“游移”状态的描述，就非常到位地解释了为何后来的作曲家会转向无功能和声。这种对历史脉络的尊重和清晰的因果链条梳理，使得学习者能够将理论知识放入一个动态的历史框架中去审视，而不是孤立地看待每一个和弦。对于那些希望深入理解现代音乐美学基础的读者来说，这种“承上启下”的结构设计，是极其宝贵的学习路径。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，我个人感觉是那种典型的、沉稳的学院派风格，极少使用情绪化的词汇，始终保持着一种客观、描述性的语调。这在传授严谨的科学性知识时是必要的，但也意味着它不会主动“讨好”读者。你必须主动去挖掘其中的精髓。我记得有一次我被某个特定的调式和弦使用方法困扰了很久，反复查阅了前后的章节，最终在一个看似不相关的配器技巧讨论中，找到了关键的理论依据。这说明作者的知识体系是高度互联的，信息分布得非常密集，要求读者必须保持高度的专注力，进行跨章节的知识整合。它不是那种能让你“轻松入门”的书，但它绝对是能将你塑造成一个“扎实”的音乐学者的书。每一次的阅读，都会在原本的基础上增加新的理解层次，体现出其作为一本优秀参考著作的耐读性。

评分☆☆☆☆☆

这本书在探讨二十世纪音乐的演变时，展现出了一种令人赞叹的广度和深度。它没有满足于仅仅罗列勋伯格、斯特拉文斯基等几位巨匠的作品，而是试图构建一个完整的、涵盖了不同流派和地域影响的音乐图景。我特别欣赏它对非德奥传统，例如德彪西印象主义的精致解析，以及对新维也纳乐派十二音体系的细致剖析。阅读过程中，我感觉自己就像是进入了一个巨大的音乐博物馆，每一件展品——无论是特定的和声进行、还是特定的配器手法——都有其明确的时代背景和理论注解。然而，对于那些对特定作曲家或特定流派抱有强烈偏好的读者来说，这本书的“概述”性质可能会显得不够聚焦。它需要读者具备相当的耐心和一定的音乐背景知识，才能真正跟上作者在不同音乐语境间快速切换的节奏。如果期待找到某一位作曲家某一特定作品的深度分析，这本书可能无法提供，但若想建立起对整个二十世纪音乐思潮变迁的宏观认知，它绝对是无可替代的蓝图。