阿勃特练声曲固定唱名20首朱梅玲西南师范大学出版社9787562180807 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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朱梅玲 著

图书标签:

• 声乐教材
• 练声曲
• 固定唱名
• 朱梅玲
• 阿勃特
• 西南师范大学出版社
• 音乐教学
• 高等教育
• 艺术类
• 教材

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562180807

商品编码：29684804314

页数：78

图书基本信息
书名：	阿勃特练声曲固定唱名20首
丛书名：	21世纪音乐教育丛书
作者/主编：	朱梅玲
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562180807
出版年份：	2016年8月

版次：	第1 版
总页数：	78页
开本：	16
图书定价：	20元
实际重量：	0.24kg
新旧程度：	正版全新

录唱概况综述
第1首
第2首
第3首
第4首
第5首
第6首
第7首
第8首
第9首
第10首
第11首
第12首
第13首
第14首
第15首
第16首
第17首
第18首
第19首
第20首

　　《阿勃特练声曲固定唱名20首》选自《阿勃特声乐练习曲（作品474）》中的第三部分20首固定唱名练习内容，编者特将20首练习分别做成高音调与中音调两部分，并对其进行逐一剖析。以上20条练习包含多种技术类型，如节拍上有二拍子、三拍子及复合而成的四拍子、九拍子等；节奏上，阿勃特也常会把针对性的节奏放在某条练习里，如切分节奏的练习，小符点节奏的训练等。同时对每一条练习曲的速度、音乐表情及乐句换气处也做了严格要求和详尽的标示。此部分练习包含了编者根据自己多年的教学实践对20首固定唱名练习不仅编写了讲解提示，还精心录制了范唱与钢琴伴奏以供声乐同行参考习唱。

独家珍藏：西方音乐史上的瑰宝——《巴赫键盘作品精选与演奏技巧探析》 出版社： 音乐学府出版社 ISBN： 978-7-5621-9988-3 定价： 128.00 元 开本： 16开 --- 卷首语：跨越时空的对话——探寻巴赫键盘艺术的永恒魅力 本书并非对既有教材或曲集进行的简单重述，而是一部立足于实践性、历史性与前沿分析的深度研究专著。我们聚焦于约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）为键盘乐器（包括大键琴、羽管键琴以及早期钢琴）创作的核心与最具代表性的作品群，旨在为专业音乐院校的学生、演奏家、研究人员以及严肃的音乐爱好者提供一套系统、深入且富有洞察力的学习和研究资源。 本书深刻认识到，巴赫的音乐是西方音乐体系的基石之一，其复调写作的逻辑、对位法的精妙以及情感表达的深度，至今仍是衡量一位键盘演奏家艺术造诣的重要标尺。然而，许多现有的巴赫版本和研究往往侧重于某一特定体裁（如赋格或创意曲），或是停留在单纯的乐谱再现层面。本书则力求在“理解-演奏-诠释”三个维度上实现突破。 我们坚信，要真正理解巴赫，必须将其置于他所处的时代背景、宗教信仰以及键盘乐器的物理限制之中进行考察。本书的撰写团队汇集了多位在巴赫研究领域享有盛誉的音乐学家和活跃于国际舞台的巴赫演奏大师，以严谨的学术态度和高度的演奏敏感性，共同构建了这部内容详实、结构严谨的学术精品。 --- 第一部分：巴赫键盘音乐的时代语境与乐器演变 (The Context and Instruments) 本部分为深入解析巴赫作品奠定了坚实的历史与技术基础。 第一章：巴赫的音乐哲学与神学观照 详细探讨巴赫作为路德宗虔诚信徒，其作品中蕴含的“荣耀上帝”（Soli Deo Gloria）的创作理念。分析《平均律键盘曲集》第一、二册的结构布局与象征意义，以及它们如何体现了对宇宙秩序和神圣逻辑的追求。重点解析巴赫如何通过音乐结构来表达神学主题，例如对“三位一体”的音乐隐喻。 第二章：键盘乐器的历史边界与演奏实践 本章细致考察了巴赫创作时期（18世纪早期）主流键盘乐器——大键琴（Harpsichord）的内部结构、音色特性（如双排音栓的切换）以及其对演奏触键（Touch）提出的独特要求。同时，对比分析了巴赫晚期接触的羽管键琴（Clavichord）的微妙颤音（Bebung）技术，以及这些乐器特点如何直接塑造了巴赫作品的音响效果和节奏处理。这部分内容提供了详尽的乐器复原性研究资料，指导读者理解原汁原味的巴赫音色。 第三章：体裁的演进与巴赫的创新——从意大利风格到德意志精神 系统梳理巴赫继承并发展的主要键盘体裁，包括：托卡塔（Toccata）、前奏曲与赋格（Prelude and Fugue）、组曲（Suite）、协奏曲（Concerto）以及卡农（Canon）的特性。深入剖析巴赫如何将意大利式明快的旋律线（如维瓦尔第的影响）与德意志复调的严谨结构完美融合，创立了独特的“巴洛克晚期风格”。 --- 第二部分：核心作品的结构解剖与演奏技法指南 (Anatomy of Masterpieces and Performance Practice) 本部分是全书的核心，对巴赫最具挑战性和代表性的作品进行了逐一的深度剖析。 第四章：《平均律键盘曲集》的复调逻辑重构 本书对《平均律》的分析超越了传统的“主题与对位分析”。我们引入了“声部逻辑图谱”（Voice Leading Topology），用可视化方式展示了24组大小调中，不同声部（高、中、低）如何相互独立又相互依存地构建起音乐的张力与和谐。 重点分析： C大调第一首赋格的简洁性原理；c小调第二首赋格的线性驱动力；升F小调沉思性赋格的色彩运用。 演奏指导： 针对不同调性的作品，提出了不同指法（Fingering）的建议，特别是针对跨越声部的快速换指和保持长线条呼吸感的具体练习方案。 第五章：英国与法国组曲的风格对比与装饰音的运用 详细区分英国组曲（更注重器乐的纯粹性与结构清晰）与法国组曲（更强调装饰性、优雅的舞曲节奏和精致的音色变化）。 技术聚焦： 深度解析阿拉曼德（Allemande）、库朗特（Courante）、萨拉班德（Sarabande）和吉格（Gigue）这四种核心舞曲的速度规范与重音模式。 装饰音的诠释： 探讨颤音（Trill）、回音（Appoggiatura）和倚音（Mordent）在巴赫音乐中的“必须性”与“选择性”，并提供了依据手稿的准确演奏法，避免了现代演奏中常见的过度装饰。 第六章：《哥德堡变奏曲》：键盘技术的百科全书 将《哥德堡变奏曲》视为巴赫键盘写作的“集大成之作”。本书从和声骨架、变奏主题的隐藏与显现两个层面进行解析。 技巧挑战： 专门辟出章节讨论第5、14、23、29变奏中双手交叉、跨越与双层演奏的极端要求。提供了专门针对这些段落的肌肉记忆训练法，旨在解决现代钢琴演奏中常出现的“音群模糊”问题。 叙事结构： 分析了变奏曲中三声部卡农的数学美感，以及它们如何巧妙地穿插在其他变奏之间，构建出宏大的建筑结构。 第七章：早期奏鸣曲与协奏曲的“对比性”演奏 研究巴赫从维也纳和魏玛时期对意大利协奏曲（如维瓦尔第小提琴协奏曲）的改编和创作。 速度与驱动力： 强调协奏曲中“快板-慢板-快板”三乐章的速度对比必须是结构性的，而非纯粹的个人情感表达。 三声部织体： 如何在单一台键盘乐器上，清晰地区分“独奏声部”与“伴奏声部”的音量、触键和音色差异，这是体现巴赫“音乐家-作曲家”双重身份的关键。 --- 第三部分：当代演奏的继承与超越 (Legacy and Contemporary Interpretation) 本书的最后部分着眼于面向未来，探讨如何将巴赫的精髓融入二十一世纪的音乐实践。 第八章：从羽管键琴到现代钢琴的“音色桥接” 坦诚面对现代钢琴对巴赫音乐演奏带来的挑战——延音、更强的动态范围和更长的共鸣。本章提出了一套“触键的减法哲学”：如何在不依赖踏板的情况下，通过控制指尖对琴弦的初始冲击力，模拟出巴洛克乐器的清晰度和颗粒感。 提供了关于踏板的“节制性使用指南”，区分了哪些段落可以适度使用延音以增强和声连接，哪些段落则必须保持绝对的“干奏”以维护复调的清晰度。 第九章：巴赫演奏的“诠释自由度”边界研究 探讨了在尊重历史文献的前提下，演奏家在节奏的细微处理、力度对比和装饰音处理上应有的自由度。分析了如古尔德（Glenn Gould）、希夫（András Schiff）等大师在处理巴赫时的核心差异点，引导读者形成自己成熟而合理的演奏观点，而非盲目模仿。 附录：巴赫键盘作品的历代手稿与版本学基础参考 提供了一份精选的巴赫键盘作品重要版本目录，包括原稿副本、早期出版版本（如B&H版、C.P.E. Bach编辑版）的对比分析，帮助研究者在进行个性化版本选择时，具备扎实的文献基础。 --- 本书特色总结： 1. 跨学科视野： 融合了音乐学、乐器制造史、神学哲学等多学科视角。 2. 实践指导性强： 每一技术难点均配有针对性的练习方法，可直接应用于日常练琴。 3. 拒绝流于表面： 对巴赫音乐的结构分析深入到声部逻辑层面，而非简单的主题识别。 4. 严谨的版本学态度： 强调对历史文献的尊重，引导演奏者理解巴赫的“意图”。 本书是追求专业高度的键盘学习者和研究者不可或缺的参考宝典，它将引领读者真正步入巴赫那座由逻辑、信仰与无上美感构建而成的音乐殿堂。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简洁而富有内涵，那种深邃的蓝色调一下就抓住了我的眼球，让人忍不住想深入了解里面的世界。装帧的质感也相当不错，拿在手里沉甸甸的，透着一股扎实的专业气息。我特别喜欢扉页上印着的那段引言，寥寥数语，却道出了音乐学习的真谛，仿佛在引导读者进入一个更深层次的听觉体验。每一次翻开它，都能感受到制作者的用心良苦，从纸张的选择到字体的排布，都透露出一种对艺术的敬畏。它不仅仅是一本教材，更像是一件精心打磨的艺术品，摆在书架上也是一道亮丽的风景线。这本书的整体气质非常沉稳，让人一接触到它，就能感受到它所承载的重量和深度，期待着在接下来的阅读中能有更多的惊喜和收获，相信它能带我领略到声乐学习中不为人知的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远超其本身的定价，这绝对是一笔物超所值的投资。我对比了好几家同类出版物，发现这本在内容的广度和深度上都占据了绝对优势。它所收录的那些精选曲目，种类丰富，风格多样，涵盖了不同历史时期和地域的声乐精粹。这对我来说简直是宝藏，意味着我不需要东奔西走去搜集零散的资料，一本之内就能满足我全面的学习需求。而且，我发现书中的一些注释部分处理得极为考究，对于那些容易被忽视的演唱细节和历史背景都有着独到的见解。这不仅仅是教你“怎么唱”，更重要的是让你明白“为什么这样唱”，从而构建起一个完整的知识体系。这种体系化的学习，才是真正能提升演唱水平的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性体现在每一个细节里，让人爱不释手。我最欣赏的一点是它对实践操作的强调，理论和实践的结合达到了完美的平衡。书中的每一个练习都有明确的指导方针，告诉你应该着重注意哪些发声部位的协调，以及如何调整呼吸支持。我尝试着根据书中的建议进行了一段时间的练习，明显感觉到自己的音准和控制力有了显著的提升。更棒的是，作者似乎能预见到学习者在练习中可能遇到的各种“卡壳”点，并提前给出了行之有效的解决方案。这感觉就像是有一位全天候待命的私人声乐教练在身边指导，随时都能找到突破困境的钥匙，极大地提高了我的自主学习效率和练习的积极性。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这类专业书籍，说实话，我有些担心自己能否完全跟上节奏。毕竟，音乐理论和技巧的门槛摆在那里，很容易让人望而却步。然而，这本书的编排结构却出乎意料地清晰流畅，它并没有一上来就抛出那些晦涩难懂的术语，而是循序渐进地引导读者进入主题。每一个章节的过渡都处理得非常自然，就像一位经验丰富的老师在耳边细细讲解，让你在不知不觉中掌握了核心概念。我尤其欣赏作者在处理复杂乐理时所使用的那些生动的比喻和图示，它们极大地降低了理解的难度，让枯燥的理论瞬间变得鲜活起来。这种教学方式非常人性化，充分考虑到了初学者的实际需求，让人在学习过程中充满信心，完全不会感到迷茫或挫败。

评分☆☆☆☆☆

从排版和印刷质量来看，这本书绝对是达到了专业级别的标准。纸张的厚度和反光度都非常适中，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳，这对需要反复研读的教材来说至关重要。墨水的清晰度和均匀度也无可挑剔，即便是最小的音符和最复杂的谱号都能看得一清二楚，这对于精确把握乐谱细节是极其重要的。装订方面，我特意翻阅了几次，发现它能够平摊在桌面上，非常方便边看谱边进行演唱练习，不需要费力地去按住书页，这种设计上的贴心之处，在实际使用中体现出了巨大的便利性。总而言之，这本制作精良的书籍，从视觉到触觉，再到使用体验，都给读者带来了一种极佳的享受，让人愿意投入时间去深入钻研其中的内容。