西方音乐通史音乐卷于润洋上海音乐出版社艺术考研正版教材9787805539508 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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于润洋 著

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• 西方音乐史
• 音乐史
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• 教材
• 于润洋
• 上海音乐出版社
• 9787805539508
• 音乐
• 艺术
• 考研

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805539508

商品编码：29684811844

页数：438

图书基本信息
书名：	西方音乐通史  音乐卷（修订本）
丛书名：	普通高等教育“九五”重点教材
作者/主编：	于润洋
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805539508
出版年份：	2003年

版次：	第3版
总页数：	438页
开本：	1/16
图书定价：	68.00元
实际重量：	821g
新旧程度：	正版全新

 

 

 

 

《中国艺术教育大系·音乐卷:西方音乐通史(修订本)》内容丰富，理论深厚，性强。是普通同等教育艺术学生的好教材。

 《中国艺术教育大系》序 编写说明 编 古代希腊和罗马音乐 概述 章 古希腊音乐 节 古希腊的音乐生活 （一）音乐与神的崇拜 （二）古希腊的乐器 （三）诗歌的繁荣 （四）古希腊戏剧 第二节 古希腊的音乐理论 （一）音程和音阶理论 （二）音乐社会功能的学说 第二章 古罗马音乐 节 古罗马的音乐生活 第二节 基督教音乐的兴起 第二编 中世纪音乐 概述 章 中世纪教会礼拜音乐 节格里高利圣咏 （一）格里高利圣咏的形成 （二）格里高利圣咏的基本特征 第二节 圣咏在礼拜仪式中的运用 （一）日课 （二）弥撒 第三节 教会音乐理论 （一）音乐美学 （二）记谱法 （三）教会调式 （四）六声音阶 第四节 格里高利圣咏的扩展 （一）附加段 （二）继叙咏 （三）宗教剧 第二章 多声部复调音乐的兴起 节 早期的复调音乐 （一）奥尔加农 （二）华丽奥尔加农 （三）节奏模式 （四）第斯康特 第二节 圣母院乐派的复调 （一）文献及一般风格特征 （二）莱奥南和佩罗坦 （三）孔杜克图斯 第三节经文歌 （一）克劳苏拉 （二）经文歌的产生 （三）13世纪下半叶经文歌的发展 第三章 中世纪单声歌曲 节 拉丁歌曲 （一）孔杜克图斯 （二）戈利亚德歌曲 第二节 方言歌曲 （一）早期的方言歌曲 （二）法国游吟诗人 （三）其他地区的方言歌曲 第三节 中世纪器乐 …… 第三编 文艺复兴时期音乐 第四编 巴罗克时期音乐 第五编 古典主义时期音乐 第六编 浪漫主义时期音乐 第七编 20世纪音乐 人名索引 参考书目

 古代希腊和罗马音乐、中世纪音乐、文艺复兴时期音乐、巴罗克时期音乐、古典主义时期音乐、浪漫主义时期音乐、20世纪音乐七编内容。《普通高等教育“九五”重点教材·中国艺术教育大系：西方音乐通史（修订本 音乐卷）》（修订本）是普通高等教育“九五”重点教材。是中国艺术教育大系之“音乐卷”。读者介绍了西方音乐通史。全书共分七编，以时间为序分为：古代希腊和罗马音乐，中世纪音乐，文艺复兴时期音乐，巴罗马时期音乐，古典主义时期音乐，浪漫主义时期音乐，20世纪音乐。全书内容丰富，理论深厚，性强。是普通同等教育艺术学生的好教材。

音乐的广袤画卷：西方音乐史的深度探索 这部百科全书式的音乐史著作，带领读者穿越时空的迷雾，系统而深入地考察了西方音乐自古希腊文明萌芽至二十世纪末的漫长演进历程。它不仅仅是一部简单的编年史记录，更是一部融汇了历史背景、社会思潮、美学观念与具体音乐实例的综合性研究。 第一部分：古老的回响与中世纪的奠基 本书伊始，将焦点投向了音乐的源头。我们首先探寻古希腊的音乐理论，解析毕达哥拉斯的音律观念如何塑造了后世的音乐哲学基础。从抒情诗歌的伴奏，到酒神祭祀中的颂歌，古希腊音乐的社会功能与精神内涵被细致剖析。 紧接着，叙事线索平稳地过渡至中世纪。在罗马帝国衰落与基督教兴起的宏大历史背景下，音乐的形态发生了根本性的转变。格里高利圣咏（Gregorian Chant）作为西方音乐的第一个成熟的复调前身，其旋律特征、记谱法（从纽姆谱到五线谱的演变）以及在宗教仪式中的核心地位，被给予了详尽的论述。 中世纪的音乐发展并非止步于教堂。书中对中世纪世俗音乐的复兴给予了同等重视。特鲁巴杜尔（Troubadour）、特鲁维尔（Trouvère）诗人和乐师们创作的游唱诗歌，展现了贵族文化对音乐主题和情感表达的影响。此外，对于早期复调音乐，如奥尔加农（Organum）的萌芽与发展，特别是巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）——如列奥宁和佩罗坦——如何突破单音音乐的局限，构建起严格的节奏框架与交织的声部，进行了深入的文献考证与音乐分析。 第二部分：文艺复兴的多元觉醒 文艺复兴时期标志着以人为本的思想对音乐的解放。本书详细阐述了“人文主义”如何影响了作曲家的创作取向，使音乐从单纯服务于神，转向表达人类情感与世俗生活。 勃艮第乐派的约翰内斯·蒂努克图里斯和吉约姆·杜法伊等人，在声部均衡与旋律连贯性上的突破，为文艺复兴盛期的合唱音乐奠定了基础。书中重点分析了奥兰多·德·拉絮斯与乔斯坎·德普雷的艺术成就。乔斯坎的作品，尤其是其弥撒曲和经文歌，如何通过精妙的模仿对位与清晰的文本处理，达到了“音乐为文字服务”的理想境界，是本部分论述的重中之重。 同时，本书没有忽视世俗音乐的蓬勃发展。意大利的牧歌（Madrigal）如何以其大胆的和声色彩和对诗歌意境的直观描摹，成为表达个人情感的先锋；法国香颂的轻快与英国对位技术的成熟，共同构成了文艺复兴音乐百花齐放的图景。对早期印刷术对音乐传播的革命性影响，也有独到的见解。 第三部分：巴洛克的光辉与戏剧性 巴洛克时期（约1600-1750年）是西方音乐史上最富于结构感和情感张力的阶段。本书系统梳理了这一时期音乐语言的形成过程。 首先，对歌剧（Opera）的诞生进行了细致的回溯，从佛罗伦萨的卡梅拉塔尝试复兴古希腊戏剧，到蒙特威尔第如何通过“第二实践”确立了宣叙调与咏叹调的对比，成功捕捉戏剧冲突。 继而，本书深入剖析了巴洛克音乐的核心特征——对位艺术的登峰造极。约翰·塞巴斯蒂安·巴赫作为集大成者，其《平均律钢琴曲集》对大小调体系的固定和赋格曲的逻辑严密性，被置于严谨的音乐分析框架下。同时，亨德尔的清唱剧，特别是《弥赛亚》的结构宏大与戏剧张力，也得到了充分的展现。 器乐方面，协奏曲（Concerto）的兴起，尤其是维瓦尔第对“快速-慢板-快速”结构的标准化，以及奏鸣曲、组曲等形式的成熟，构成了对听觉空间体验的拓展。对位技术、装饰音的运用、数字低音的实践，共同构建了巴洛克音乐独特的华丽与理性并存的风格。 第四部分：古典主义的平衡与启蒙精神 古典主义时期，音乐风格转向追求清晰、平衡、典雅的“自然美”。本书认为，启蒙运动的精神——理性、秩序和普遍性——是这一时期音乐美学的基础。 维也纳古典乐派，即海顿、莫扎特和贝多芬三人组，是本部分的核心。约瑟夫·海顿被誉为“交响曲之父”，书中详细解析了他如何完善奏鸣曲式结构，并通过对发展部的处理，赋予了交响曲前所未有的逻辑性和戏剧性。莫扎特则在歌剧中，尤其是在对人物内心世界的细腻刻画上，达到了极致。 贝多芬被视为古典主义向浪漫主义过渡的关键人物。他的九部交响曲，特别是从第三号《英雄》开始，体现了音乐承载个人意志和英雄叙事的能力。本书侧重分析贝多芬后期作品中对传统形式的突破，以及他如何通过主题的动机性发展，构建起宏大的音乐结构。 第五部分：浪漫主义的自由翱翔与民族主义的兴起 十九世纪，音乐进入了浪漫主义的黄金时代。感性、主观性、对无限的向往、对自然的崇拜以及对民间传说的迷恋，取代了古典主义的克制。 这一时期的钢琴音乐发展迅猛，肖邦的艺术歌曲和练习曲，李斯特的交响诗，展示了键盘乐器表现力的极限。歌剧领域，威尔第的意大利歌剧和瓦格纳的德意志“乐剧”形成了鲜明的对比。瓦格纳的“主导动机”理论和对“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，对后世音乐产生了深远影响。 此外，民族乐派的崛起是本书关注的重点。肖斯塔科维奇、德沃夏克、格里格等作曲家如何从本国（或本民族）的民间音乐、舞蹈和民间传说中汲取灵感，创造出具有鲜明地域色彩的音乐语言，本书提供了丰富的案例分析。 第六部分：二十世纪的多元探索与变革 二十世纪是西方音乐史上最为动荡和多元的时期。技术的进步（如录音技术）和社会思潮的剧变，使得作曲家们以前所未有的自由探索新的音乐语言。 本书全面考察了印象主义（德彪西）对传统和声的瓦解，以及表现主义（勋伯格）对调性体系的彻底抛弃，探讨了十二音体系（Dodecaphony）的严格逻辑。随后，对于斯特拉文斯基的原始主义、新古典主义的回归，以及后来的序列音乐（如巴比特、布列兹）的极端理性化，都进行了深入的介绍。 同时，本书也关注非主流但同样重要的发展。对美国音乐的崛起，如艾夫斯和格什温的探索，以及极简主义（Minimalism，如赖希、菲利普·格拉斯）的节奏驱动美学，提供了对战后音乐图景的完整描绘。 总结 这部音乐通史以严谨的学术态度，辅以清晰的逻辑结构和丰富的音乐实例分析，旨在为学习者构建一个立体、连贯且充满细节的西方音乐发展图景。它不仅梳理了风格的流变，更揭示了音乐艺术如何作为社会、哲学和美学思想的镜子，映照出人类文明的每一次重要的转向。对于艺术史和音乐学的深入研究者而言，这是一部不可或缺的、富有启发性的参考巨著。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本《西方音乐通史》是冲着它在考研圈里的口碑去的，但真正读下来，最大的惊喜是它在宏大叙事下展现出的细致入微的洞察力。比如在巴洛克时期，很多教材只是泛泛而谈巴赫和亨德尔的伟大，但这本书却深入剖析了“播种-开花-结果”式的赋格曲结构是如何一步步完善的，还对歌剧“正歌剧”与“改革歌剧”之间的张力做了非常精彩的对比分析。我个人对浪漫主义时期的民族乐派尤其感兴趣，这本书没有将他们简单地归类为追随贝多芬或瓦格纳的“后辈”，而是清晰地梳理了แต่ละ国家（如俄国五人组、捷克民族乐派）是如何从民间音乐和史诗中提炼出独特的音乐语言，并最终形成与德奥主流抗衡的力量的。这种将音乐发展与特定的社会文化背景紧密结合的写法，极大地拓宽了我对“西方音乐”的理解边界，让它不再是孤立的声音艺术，而是特定时代精神的物质载体。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的语言风格偏向学术化，初读时可能会感到有些枯燥，尤其是涉及早期音乐理论概念的部分，文字简练到近乎晦涩。但正是这种“不讨好读者”的硬核态度，保证了其内容的专业水准。我发现作者在对特定音乐时期或风格进行总结时，往往能提炼出几个高度概括性的核心特征，这些总结性的段落，成了我记忆和复习时的“锚点”。比如，他对古典主义音乐中“平衡与清晰”原则的阐述，不仅停留在风格描述，还关联到了启蒙运动的理性精神。对我而言，这本书的价值不只在于它“教了什么”，更在于它“如何思考”——它教会我如何用历史的、结构的和哲学的视角去审视每一段音乐的产生与消亡，这才是真正从一个学习者蜕变为一个研究者的关键一步。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧，作为一本专业教材，可以说是中规中矩，但其中蕴含的学术精神却是扑面而来的。我发现作者在叙述二十世纪的现代主义音乐时，处理得尤为精彩且不失客观。面对勋伯格的十二音体系、斯特拉文斯基的原始主义冲击，乃至于后来的极简主义和电子音乐，作者没有采取批判或赞美的单一视角，而是尽可能地还原了当时音乐界产生的巨大分裂与争论。尤其是在分析第二维也纳乐派时，那种音乐语言的“重构”过程，被作者描述得极具张力，仿佛能听到音乐家们在观念上的激烈交锋。这对于我们理解当代音乐的复杂性至关重要，它告诉我们，艺术的进步往往伴随着痛苦的决裂和不被理解。对于希望在音乐史论领域有所建树的人来说，这种辩证的思维模式比单纯的知识点罗列更为宝贵。

评分☆☆☆☆☆

我个人认为，任何想要系统性攻克西方音乐史的学生，都绕不开这本教材的深度和广度。它最大的价值在于其知识的系统性和逻辑的严密性。它不是一本可以随便翻阅的“故事书”，而是一套需要配合听觉训练和乐理知识同步进行的“工程手册”。我记得有一次查阅关于格里高利圣咏演变的内容，书中对于调式和记谱法发展的描述，逻辑链条清晰得令人叹服，几乎不需要太多跳转就能理解其内在的演进关系。相较于一些侧重于音乐家生平和轶事的读物，这本书的聚焦点始终牢牢锁定在“音乐本体”——即和声、曲式、织体如何随时间推移而变化——之上。这使得我们在构建自己的音乐史知识体系时，拥有一个非常坚实且不易动摇的框架。每次做习题或回顾知识点时，都能清晰地定位到书中的具体段落，这种确定性在备考时是极大的心理安慰。

评分☆☆☆☆☆

这套书，我算是断断续续啃了好几年了，每次拿起它，都感觉像是在攀登一座知识的巨山。初拿到手的时候，厚重感和油墨香就让人觉得这是本“正经”的学术著作。翻开目录，那密密麻麻的时间线和作曲家名字，就已经预示了阅读过程的艰辛。它不像那些通俗的音乐普及读物，用轻松幽默的笔调介绍几个著名乐章，而是扎扎实实地从古希腊的音乐理论讲起，一直铺陈到二十世纪后半叶的先锋实验。我特别欣赏作者在处理早期欧洲中世纪和文艺复兴音乐时的那种严谨态度，每一个教会圣歌的演变、每一种复调技法的诞生，都考据得一丝不苟，引用了大量的原始资料和乐谱片段进行分析。对于我这种想深入了解西方音乐“骨架”的学习者来说，这本书提供了无可替代的深度。唯一美中不足的是，有些章节的文字密度实在太大了，需要反复阅读才能理清复杂的音乐史脉络，但瑕不掩瑜，它无疑是考研路上最坚实的基石之一。