爵士作曲理论与实践特德辟斯人民音乐出版社正版教材课本作曲9787103037607 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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特德辟斯 著

图书标签:

• 爵士乐
• 作曲
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• 音乐教材
• 高等教育
• 人民音乐出版社
• 特德·辟斯
• 9787103037607

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103037607

商品编码：29684843186

页数：237

图书基本信息
书名：	爵士作曲理论与实践
丛书名：	美国伯克利音乐学院教材
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103037607
出版年份：	2009年9月1日

版次：	第1版
总页数：	237页
开本：	1/16
图书定价：	99元
实际重量：	1.3Kg
新旧程度：	正版全新

作者简介作者：(美国)特德·辟斯 译者：赵仲明

目录参考曲目 前言 导论 什么是爵士？ 什么是爵士作曲？ 学习爵士作曲的先决条件 致谢 作者简介 如何使用本书与随书附赠的CD 复习  音阶 调试 张力（紧张度） 近音与其他装饰音 先现音与起音 引导音 第*章旋律 术语定义 习题 旋律节奏 具有风格意义的旋律节奏疏密 习题 音阶资源 音程模式 习题 通过调式转换的旋律多样性 习题 旋律写作与基本曲式 反复 模进 主题转换 主题装饰 习题 根据音程模式建立的动机 习题 根据引导音建立的旋律 习题 引导音装饰 习题 以复线条为基础的旋律 习题 乐句中的上、下句  习题 音高走势与音域 高潮 习题 具有风格功能的旋律张力 习题 本章参考谱例 第二章和声 调性和声（大调倾向） 习题 调性和声（小调倾向） 习题 调式和声 四度叠置声部中的转位声部 调式的相近和弦  调式旋律 习题 通过调式互换的和声多样性 习题 半音和声 和声节奏（疏密度） 转调 习题 固定音型 习题 转位和弦与"斜线"和弦（Slash) 持续音与固定结构 持续音与泛全音阶 初配和声 习题 再配和声  习题..........: 本章参考谱例 第三章布鲁斯及其曲式 曲式  布鲁斯 布鲁斯的和声形式 布鲁斯的旋律形式 习题 布鲁斯参考谱例 节奏变换 习题 节奏变换参考谱例 aaba曲式  热身训练 习题 aaba曲式参考谱例 abac曲式  习题 abac曲式参考谱例 固定音型（回顾） 习题 固定音型参考谱例 abca曲式  习题 曲调编配 习题 习题 经过加工的作品参考谱例 第四章乐曲编配与整体布局 演奏你创作的曲调 二部独奏写作 习题 背景写作/来自引导音的对位 习题 引子、间奏及尾声 编配家的合奏 《共同努力》 习题  本章参考谱例 第五章节拍 节拍转换 习题 本章参考谱例 第六章融合爵士 融合爵士的旋律 融合爵士的和声  融合爵士的节奏  融合爵士的配器 第七章插句及其曲式 《萨克斯的庆典》 习题 插句参考谱例 第八章主题写作 习题 主题写作的内部形式  《动力二重奏》——内部形式 习题 主题写作参考谱例 第九章作品扩展 作品扩展中的主题连续性 作品扩展的外部形式  作品扩展的内部形式  《爵士乐队组曲》 第*乐章《开始》  第二乐章《倒影》  第三乐章《这就是我们要做的》  习题 参考书目 

《爵士作曲理论与实践》包括能有效示范爵士旋律、和声，以及节奏的CD，同时还包括旋律、和声、节奏写作的各种习题。你可以通过这些练习，开始创作属于你自己的爵士音乐作品。从20世纪初起至今，爵士作曲已经成为了一门既有严格规则，并也能充分表达人类情感深度与广度的音乐艺术。尽管长期以来，爵士音乐与爵士作曲仍然被人们神化。然而，伯克利音乐学院教爵士作曲课程长达25年的特德？匹斯教授的《爵士作曲理论与实践》一书，使得爵士作曲不再神秘。   

《和声的织锦：从巴赫到布里顿的音乐色彩之旅》 导言：听觉的架构与情感的共鸣 音乐，作为一种超越语言的艺术形式，其魅力深植于其内在的结构逻辑与外在的情感张力之中。和声，作为音乐的骨架与血肉，不仅定义了音符之间的垂直关系，更是构建音乐情绪、推动叙事流向的核心驱动力。本书并非对既有作曲技术进行僵硬的规则罗列，而是旨在带领读者深入探索和声语言在不同历史时期、不同音乐风格中的演变脉络及其内在的审美逻辑。我们相信，理解和声，即是理解音乐的“语法”与“修辞”，从而能够更自由、更深刻地表达内心世界。 本书的结构分为四个主要部分，层层递进，从古典时期的清晰规范，过渡到浪漫主义的色彩饱和，再深入探究二十世纪音乐的结构性突破。 第一部分：古典传统的基石——功能与清晰 本部分聚焦于十八世纪中后期至十九世纪初的音乐实践，这是西方调性体系最为成熟和规范的时期。我们将以海顿、莫扎特和早期贝多芬的作品为主要范例，剖析古典主义和声的“黄金法则”。 调性关系的构建与平衡： 详细探讨主、属、下属三和弦的稳定与不稳定关系如何确立音乐的“家园感”。重点分析导音的强化作用，以及如何利用清晰的终止式（如正终止、伪终止）来明确乐段的结束与过渡。 和声的“句法”： 音乐的组织如同清晰的散文。我们考察乐句的构成，如何通过二部曲式、三部曲式的和声展开来支撑清晰的旋律线条。特别关注古典协奏曲中“再现部”的和声处理，即如何通过巧妙的转调与回归主调来达成戏剧性的平衡。 装饰音与和声的交织： 探索古典时期和弦内外的处理方式，如经过音、倚音、反复音等装饰手法如何丰富和声的表面纹理，同时又不破坏其内在的逻辑清晰度。 第二部分：浪漫的澎湃——色彩与情感的拓宽 随着十九世纪的到来，音乐家们开始挣脱古典时期对形式的严格束缚，和声的色彩性与功能复杂性得到空前的扩张。这是从“清晰的叙事”转向“深沉的抒情”的关键转折点。 和声的“润饰”与模糊化： 重点研究九和弦、十一和弦、十三和弦在肖邦和李斯特作品中的应用。探讨如何利用七和弦的副属功能（如属七的转位）来制造更具“流动性”的连接，削弱清晰的终止感。 远关系转调的艺术： 本章将深入分析瓦格纳对“半音化和声”的激进探索。以《特里斯坦与伊索尔德》中的著名“三音和弦”为例，剖析如何通过模糊主调归属，营造永恒的渴望与未竟感。这不再是简单的关系调转调，而是对传统调性边界的系统性挑战。 民族主义的色彩注入： 审视德彪西（虽然更偏向印象主义，但其和声色彩的运用与浪漫主义晚期紧密相关）与德沃夏克等作曲家如何将民间音调与传统功能和声相结合，创造出独特的地域色彩。 第三部分：印象主义与印象的碎片——音响与氛围的重构 进入二十世纪的门槛，德彪西和拉威尔的工作标志着音乐重心从“功能推动”转向“音响描绘”。和声不再是驱动旋律前进的动力，而是营造特定瞬间氛围的工具。 调性的“漂浮”： 深入探讨全音阶、五声音阶在和声构建中的作用。这些音阶的使用有效地削弱了导音的“导向性”，使和声在听觉上呈现出一种静止或漂浮的状态。 平行和声的解放： 研究和弦进行中不再遵循严格的功能关系，而是以平行的运动方式展开。这极大地拓展了和声的听觉维度，使得和声本身成为一种独立的、非功能性的审美对象。 音响的叠加与混合： 聚焦于和弦的非传统构成，例如四度和五度的叠加，以及如何通过复杂的音响层来描绘光影、水波等自然景象。 第四部分：结构与解构——二十世纪的革新与挑战 本部分关注音乐语言在两次世界大战前后的剧烈变革，特别是勋伯格及其追随者对传统调性体系的彻底超越。 十二音技法的逻辑： 详细解析“音组”（Tone Row）的创建规则、变换（移位、逆行、倒影）及其如何在旋律与和声中得到系统性的应用。这是一种对传统和声学体系的反叛，用数学和逻辑来取代情感驱动的直觉。 自由无调性（Free Atonality）： 在十二音体系确立之前，音乐家如何通过避免调性中心和三和弦的出现来构建音乐结构。这要求听者从全新的视角去理解音高之间的关系，关注音程的对比和音响的密度。 序列主义的拓展： 探讨韦伯恩等后学者的工作，如何将序列原则扩展到节奏、力度和音色的层面，实现对音乐要素的全面控制，从而创造出高度结构化但听觉上极其稀疏的音乐语言。 结语：面向未来的和声对话 本书的终极目标是培养读者一种批判性的听觉敏感度。掌握了这些历史上的和声语言，并非是为了僵硬地模仿，而是为了更清晰地认识到每一次“规则”的建立与打破，背后都蕴含着时代的精神与作曲家的独特诉求。通过对这些经典范例的深入剖析，读者将能够更自信地驾驭和声工具，无论是在传统框架内进行精妙的润饰，还是在探索全新的音乐疆域时，都能找到属于自己的声音。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种复古又带着点现代感的排版，一下子就抓住了我的注意力。拿到手里沉甸甸的，感觉非常扎实，纸张的质感也很好，阅读体验很棒，长时间翻阅眼睛也不会太累。内页的排版布局清晰合理，图表和乐谱的印刷都非常清晰，即便是复杂的和声进行和织体分析，也能看得一清二楚，这一点对于学习作曲理论来说太重要了。出版社的用心程度真的能感受得到，从字体的选择到章节的划分，每一个细节都透露着专业和对读者的尊重。而且，作为一本专业的教材，它在内容深度和广度上都做得非常到位，不是那种浮于表面的介绍，而是真正深入到了爵士乐的骨髓里。这本书不光是工具书，更像是一件艺术品，摆在书架上也是一种享受。我特别喜欢它在讲解一些核心概念时，会配上相应的历史背景或者大师案例，这让枯燥的理论知识一下子鲜活了起来，读起来更有代入感和启发性。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初对爵士乐的理解还停留在一些耳熟能详的旋律上，觉得它神秘而遥远，遥不可及。直到我翻开这本书，才发现原来爵士乐的“魔法”背后，是如此系统和严谨的理论体系在支撑着。作者的叙述方式非常平易近人，他似乎有一种魔力，能将那些看似高深的乐理知识，用最生活化、最直观的方式解释清楚。比如，他讲解属七和弦的替代和导向时，不是干巴巴地堆砌公式，而是会用一种“对话”的方式，引导你去体会和声色彩的变化和情感的流动。这种教学方法极大地降低了学习门槛，让我这个科班出身但对爵士乐接触不深的人也能很快抓住重点。书中的例曲选取也非常精妙，很多都是爵士乐史上的经典曲目，通过分析这些范例，我不仅学会了理论，更重要的是，培养了对爵士乐风格的“耳朵”，这比单纯背诵规则要重要得多。

评分☆☆☆☆☆

我观察到，这本书在处理不同历史时期的爵士乐风格时，展现出了极高的学术严谨性。它没有把爵士乐简单地视为一个单一的流派，而是清晰地梳理了从早期布鲁斯根源到后来的比波普、冷爵士乃至融合爵士的演变脉络。在理论的阐释上，作者非常注重区分不同时代的特征——比如，早期摇摆乐的稳定律动和现代爵士乐中更自由的节奏处理之间的差异，它们在和声色彩运用上的细微差别都被细致地剖析了。这种宏观的视野，让我对爵士乐的“活”的生命力有了更深的理解，它不是静止的教条，而是一个不断自我革新的过程。对我而言，这本书不仅是一本作曲指南，更像是一部浓缩的爵士乐发展史，填补了我在这方面知识体系上的空白。

评分☆☆☆☆☆

与其他市面上一些过于“学院派”或“过度简化”的教材相比，这本书的平衡感把握得恰到好处。它既有扎实的音乐学基础支撑，确保了理论的正确性和深度，又避免了陷入象牙塔式的晦涩难懂。我发现，很多国外顶尖音乐学院可能使用的教材，其核心思想和框架都能在这本书中找到呼应，但它的中文表述更贴合亚洲学习者的思维习惯，很多西方术语都有精准且易于理解的中文释义。特别是对节奏和律动的讲解，书中采用了图形化和听觉化的双重描述方式，这对于理解爵士乐中复杂的切分和摇摆感（Swing Feel）至关重要。读完之后，感觉自己不再是被动地“模仿”爵士乐，而是能够主动地“思考”并“创造”爵士乐了，这是一种由内而外的能力提升。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实践导向性非常强，这一点深得我心。很多理论教材读完后，感觉像是在知识的海洋里打转，不知道如何将学到的东西应用到实际创作中去。但这本书不同，它在理论讲解的末尾，几乎都会紧跟着大量的练习和创作提示。比如，在讲解了和弦层叠（Chord Voicing）的技巧后，它会立刻给出不同风格（如波萨诺瓦、硬波普）下的具体配置练习。我按照书中的步骤一步步操作下来，很快就能感受到自己演奏或编配时的音响效果发生了质的飞跃。尤其是一些关于即兴Solo的章节，它没有直接给出“答案”，而是提供了一套可迁移的思维框架，教你如何从和声结构中提炼动机、发展主题，真正做到了授人以渔。对于那些渴望将理论转化为实际演奏能力的朋友来说，这本书无疑是一张宝贵的路线图。