正版音乐课程与教学论程煜广东高等教育出版社考研大中专9787536150195 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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程煜，余幼梅 著

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出版社： 广东高等教育出版社

ISBN：9787536150195

商品编码：29859836390

页数：302

图书基本信息
书名：	音乐课程与教学论
丛书名：	现代基础教育课程与教学研究丛书
作者/主编：	程煜  余幼梅
出版社：	广东高等教育出版社
ISBN号：	9787536150195
出版年份：	2014年

版次：	第1版
总页数：	302页
开本：	1/16
图书定价：	42.00元
实际重量：	422g
新旧程度：	正版全新

 

《现代基础教育课程与教学研究丛书:音乐课程与教学论》讲解了音乐课教学研究。

 绪论 节课程与教学论概述 一、课程与教学的基本认识 二、课程论与教学论的基本认识 第二节音乐课程与教学论的历史发展 一、音乐教授法 二、音乐教学法 三、音乐教材教法 四、音乐教育学 五、音乐课程与教学论 第三节音乐课程与教学论的研究任务 第四节音乐课程与教学论的学习意义及方法 一、音乐课程与教学论的学习意义 二、音乐课程与教学论的学习方法 章基础教育音乐课程改革 节音乐课程标准产生背景及意义 一、基础教育音乐课程改革及课程标准制定 二、我国基础教育音乐课程的现状及存在的主要问题 三、以视野看音乐教育的改革与发展 第二节基础教育音乐课程性质与特征 一、基础教育音乐课程性质 二、基础教育音乐课程价值 三、基础教育音乐课程任务及其基本特征 第三节音乐课程标准解析 一、音乐审美体现音乐课程核心 二、兴趣爱好是学习音乐课程的关键 三、音乐创造在音乐课程中的意义 四、对“关注学科综合”的正确理解 第四节音乐课程标准的实验稿与2011年版的比较 一、音乐课程改革十年主要成果与问题 二、音乐课程标准修订相关概况 第二章音乐课程内容 节感受与欣赏 一、《标准（2011年版）》之变化 二、感受与欣赏领域在音乐教学中的地位和作用 三、感受与欣赏及其教学法 第二节表现 一、演唱 二、演奏 三、综合性艺术表演 四、识读乐谱 第三节创造 一、探索音响与音乐 二、即兴创造 三、创作实践 四、创造教学案例 第四节音乐与相关文化 一、音乐与社会生活 二、音乐与姊妹艺术 三、音乐与艺术之外的其他学科 第三章高中音乐课程 节高中音乐课程改革与现状 一、我国高中音乐课程现状及问题 二、高中音乐课程发展状况 第二节高中音乐课程标准解析 一、概述 二、基本理念 三、教学观念 四、教学模块 第三节音乐新课程教学案例 第四章音乐课程资源 节音乐课程资源的范畴 一、课程资源的概念及其分类 二、音乐教育课程资源的概念及分类 第二节学校音乐课程资源的开发与利用 一、教师资源 二、学生资源 三、学生课外音乐活动的开展 四、学校宣传媒体的建立 五、教学设施设备的配置 六、校本课程的开发 第三节音乐教材的选用 一、人民音乐出版社音乐实验教材简介 二、花城出版社音乐实验教材简介 第五章音乐课程实施 节课程实施与教学过程概述 一、课程实施的含义 二、教学过程的含义 三、音乐教学过程 四、课程实施与教学的关系 第二节音乐课程与教学实施建议 一、音乐课程与教学实施中应注意的问题 二、音乐课程与教学内容的实施建议 第三节音乐教学策略与方法 一、教学策略与音乐教学策略的概念 二、音乐课堂教学基础课型教学实施策略 三、常见的几种音乐教学方法 第六章音乐教学设计与案例 节教学设计概述 一、教学设计的含义 二、音乐课堂教学设计的含义 第二节音乐课堂教学设计基本理念和原则 一、新课程音乐课堂教学设计的基本理念 二、新课程音乐课堂教学设计的基本原则 第三节音乐课堂教学设计的基本要素 一、确定教学任务 二、制定教学目标 三、设计教学策略 四、设计教学过程 五、进行教学评价 第四节音乐课堂教学设计的基本书写步骤 第五节音乐新课程教学案例 第七章音乐课程评价 节课程评价相关理论与知识 一、课程评价的内涵 二、课程评价的基本知识——信效度 三、十类典型的课程评价 四、课程评价的模式 第二节音乐课程评价 一、音乐课程评价简述 二、音乐课程评价的功能 三、音乐课程评价的研究（如表7—1所示） 第三节我国音乐课程评价内容与要求 一、评价内容 二、评价的方式与方法 第八章世界音乐教育研究 节欧洲音乐教学法 一、瑞士达尔克罗兹“体态律动”教学法 二、瑞士学校音乐教育简述 三、德国奥尔夫音乐教育 四、匈牙利柯达伊音乐教育 第二节美国音乐教学法 一、美国综合音乐感教学法 二、费尔阿本德音乐教育 三、美国学校音乐教育概述 第三节日本学校音乐教育 一、《音乐学习指导要领（2008年版）》简介 二、“综合学习时间”与综合性音乐教学 三、日本音乐教育中的传统音乐 第四节音乐教学法比较研究 一、教学法的比较与沿承 二、教学案例 参考文献  

 《现代基础教育课程与教学研究丛书:音乐课程与教学论》指出面对日益深化的基础音乐教育改革，高等师范音乐教育改革也迫在眉睫，音乐教育人才培养的内容和模式也势必顺应基础教育改革的需要，“音乐课程与教学论”正是在这一背景下应运而生的一门新课程。它是一门具有实践性的理论课程，是音乐教育学科的重要组成部分，具有其他学科不可替代的重要价值。它所涵盖的内容也是培养高等师范学校音乐教育和教师职业专门化所必不可少的核心组成部分，其理论体系和实践取向尚处于快速的发展和完善阶段。

《二十世纪音乐的迷宫：结构、美学与文化回响》 一部深度剖析现代音乐复杂景观的权威著作 作者： [此处留空，或代以某位假想的权威音乐理论家姓名，例如：亚历山大·冯·霍夫曼] 出版社： [此处留空，或代以某家专注于前沿学术出版的机构名称，例如：欧陆前沿音乐研究社] ISBN：[此处留空，或代以一个与原书无关的虚构ISBN] --- 内容导览：跨越世纪的听觉革命 本书并非对二十世纪音乐进行简单的编年史梳理，而是一次深入结构肌理、美学哲学以及社会文化背景的探险之旅。我们试图拆解那些令人困惑却又引人入胜的音乐构架，探究其如何从浪漫主义的温床中挣脱而出，最终分裂、重组，构建起一个充满张力与悖论的全新听觉世界。 全书分为五个核心部分，层层递进，旨在为读者构建一个全面、严谨且富有洞察力的理论框架。 第一部：瓦解的基石——调性体系的终结与重建（约300字） 本部分聚焦于世纪之初的音乐危机。我们首先探讨了后瓦格纳主义（Post-Wagnerianism）的“危机时刻”，即调性语言如何被推至其内在逻辑的极限。详细分析了勋伯格如何通过自由无调性（Free Atonality）来表达精神上的焦虑与现代性的分裂感。 随后，我们将焦点转向十二音序列主义（Dodecaphony）的诞生。这不仅仅是一种作曲技巧的革新，更是一种深植于哲学层面的理性秩序重建的尝试。书中对韦伯恩的结构严谨性、伯格的韵律创新，以及布列尼的对序列的灵活运用进行了细致的对位分析，尤其强调了序列主义在战后欧洲（尤其是达姆施塔特学派）中如何演变为一种新的“正统”。我们批判性地考察了序列主义在追求绝对客观性过程中，如何可能疏远了听众的情感共鸣。 第二部：声音的拓扑学——电子、噪声与机遇的介入（约400字） 进入中叶，音乐的疆域被彻底拓宽。本章是全书最具实验性和争议性的部分。我们详细阐述了具体音乐（Musique concrète）的诞生及其与传统记谱法的决裂。皮埃尔·舍费尔对“现成声音”的处理方式，挑战了作曲家作为“创世主”的传统角色。 紧接着，我们深入探讨了电子音乐工作室的建立（如科隆的WDR工作室），分析了布鲁克豪斯、施托克豪森等人如何利用振荡器和录音技术，构建出纯粹的声波景观。这种对“非音高”声音的系统化运用，如何使得音乐的物质性超越了其结构意义。 更进一步，本书对机遇音乐（Aleatoric Music）进行了深入的理论剖析，重点考察了约翰·凯奇的“偶然性”哲学。我们分析了《易经》在作曲过程中的介入，以及不确定性如何成为作品的内在驱动力。通过对凯奇后期作品的分析，探讨了音乐从“有目的的艺术品”向“环境感知”转化的深刻哲学意义。 第三部：结构的反叛——极简主义与回归的张力（约350字） 二十世纪六十年代，对前卫主义的过度复杂化和理论束缚的疲劳感催生了对“回归”的渴望。本部分聚焦于极简主义（Minimalism）的兴起。 我们细致考察了莱利、赖希和格拉斯等人的早期作品，分析了他们如何通过过程音乐（Process Music）和相位差（Phasing）技术，将材料的复调性简化为高度可感知的节奏和音色循环。与序列主义对材料的分解不同，极简主义是对材料的持续、叠加与渐变。书中强调了极简主义与非西方音乐（如印度拉格音乐和非洲复节奏）之间的内在联系，揭示了其对西方听觉习惯的温柔而坚定的挑战。 此外，我们还对比分析了极大主义（Maximalism）的代表人物（如潘德列茨基和利盖蒂）如何运用音块（Mass/Cloud Texture）和微观复调（Micropolyphony）来构建宏大、令人窒息的听觉空间，展示了现代作曲家在“简约”与“繁复”之间的两极摇摆。 第四部：语言的裂痕——后现代的戏仿与文化挪用（约350字） 进入后现代语境，音乐开始主动与自身的历史、与大众文化进行对话。本章探讨了拼贴（Collage）和戏仿（Pastiche）在音乐中的运用。 布列兹（Pierre Boulez）对序列技巧的延伸与对早期现代主义的批判、卢西亚诺·贝里奥（Luciano Berio）的《歌谣》（Sequenza）系列中对人声潜能的挖掘，以及斯特拉文斯基在晚期作品中对自身风格的自我解构，构成了现代作曲家处理“历史负担”的三种主要路径。 重点分析了非传统媒介的融合，包括对爵士乐、摇滚乐、民间音乐元素的系统性吸收与转化（如克劳斯曼和当代歌剧的实践）。探讨了“高雅艺术”与“通俗文化”之间的界限如何被故意模糊，以及这种模糊性如何反映了后现代社会对统一真理的质疑。 结语：二十世纪的回响与二十一世纪的悬念（约100字） 本书最后总结了二十世纪音乐留下的遗产：一个拒绝被单一理论体系束缚的、充满活力和矛盾的声响宇宙。它不仅是作曲家技术革命的记录，更是人类面对科技进步、战争创伤和哲学转向时，精神状态最真实的听觉投射。本书引导读者带着批判性的耳朵，去迎接未来声音的无限可能。 --- 本书特色： 结构分析的深度： 突破流派划分，侧重于技术在不同流派间的演变和对位。 理论与实践结合： 结合关键作品的详细乐谱分析（图例丰富，但此处仅为文字描述），使抽象理论具象化。 跨学科视角： 融入了现象学、符号学和文化批评的理论工具，以理解音乐背后的时代精神。 致读者： 如果您曾对那些看似随机的音符、冰冷的序列或突兀的噪音感到困惑，本书将为您提供一把开启现代音乐殿堂的钥匙。它要求您的聆听是主动的、富有探究精神的。

评分☆☆☆☆☆

从内容的广度和深度来看，这本书无疑是教科书级别的作品。它系统地梳理了音乐课程设置的理论基础，从教育学、心理学、美学等多个维度进行了交叉论证，构建了一个非常坚实的知识体系框架。尤其是在课程改革和评价体系这部分，它紧密结合了最新的教育政策导向，对未来音乐教育的发展趋势有着非常前瞻性的把握。我发现很多过去在其他资料中零散学习到的知识点，在这本书里得到了系统性的整合和升华，形成了一个完整的知识网络。对于准备专业考试的读者而言，这种结构化的呈现方式无疑是事半功倍的，它帮助我们快速建立起宏观的认知地图，然后再逐一深入细节，构建起牢固的知识结构。

评分☆☆☆☆☆

我尝试着用这本书中的一些方法论去指导我自己的实践，效果立竿见影。书中提到的“以学生为中心的音乐体验式学习”理论，我将其应用于一个具体的合唱排练中，不再仅仅是强调技巧的修正，而是注重引导学生去感受音乐的情感张力。结果发现，学生们的投入度和音乐表现力都有了显著的提升，他们不再是被动的接受者，而是主动的创作者。这种理论与实践的紧密结合，是这本书最大的价值所在。它不像有些纯理论书籍，读完后感觉像是做了一场智力体操，合上书本就束之高阁，而是真正能指导日常工作的实用工具书。这种“学以致用”的成就感，是我衡量一本专业书籍优秀与否的关键标准。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，初次接触这本书时，我对它作为考研参考书的定位有些疑虑，担心它是否会过于侧重知识点的堆砌而忽略了思维的训练。然而，事实证明我的担忧是多余的。这本书在处理一些核心概念时，总能引导我们去追溯其思想源头，比如对某位音乐教育家学说的引用和解读，都非常到位，显示出作者深厚的学术功底和严谨的治学态度。它不仅仅是告诉你“是什么”，更重要的是引导你思考“为什么会这样”，以及“在我的情境下应该如何发展”。这种高阶的思维训练，对于提升考生的综合分析能力和解决实际问题的能力至关重要。读完之后，我感觉自己的知识边界被极大地拓宽了，对整个音乐教育领域有了更具批判性和建设性的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，它没有那种学院派著作常见的枯燥和晦涩，而是采用了一种非常贴近一线教学实践的叙述方式。作者在讲解复杂的教学法原理时，常常会穿插一些生动的案例和亲身的教学心得，仿佛是经验丰富的老师在耳边进行一对一的辅导。比如，在谈到如何激发低龄学生的学习兴趣时，书中提供的几种活动设计和组织策略，都非常具有可操作性，不是那种空泛的理论口号。我特别喜欢它在论述不同教学流派观点时的平衡性，既没有过度推崇某一学派，也没有简单地批判，而是引导读者去思考在具体教学情境下，如何进行批判性地吸收和融合。这种既有深度又有温度的文字，极大地提升了阅读的参与感和学习的主动性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计给我留下了非常深刻的印象，那种厚重感和纸张的质感，拿在手里就有一种沉甸甸的专业感。封面色彩搭配得体，没有那种廉价的塑料感，整体呈现出一种沉稳而又充满学术气息的风格。翻开内页，排版清晰，字号大小适中，行距处理得当，长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。我特别欣赏它在图文排版上的用心，很多概念性的阐述都配有精心绘制的示意图或是表格，这对于理解那些抽象的音乐理论知识点非常有帮助。而且，纸张的韧性很好，即使用荧光笔做了很多标记，也不会出现墨水洇透到下一页的情况。这种对细节的极致追求，让我觉得出版方在制作这本教材时是抱着极大的诚意和责任心的，让人在使用过程中倍感愉悦，也从侧面反映出其内容的权威性和严谨性。