音乐学教程唐作藩北京大学出版社21世纪汉语言规划教材正版9787301228258 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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唐作藩 著

图书标签:

• 音乐学
• 教程
• 唐作藩
• 北京大学出版社
• 21世纪汉语言规划教材
• 高等教育
• 教材
• 音乐理论
• 音乐史
• 9787301228258

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出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301228258

商品编码：29859839649

页数：177

图书基本信息
书名：	音乐学教程
丛书名：	21世纪汉语言规划教材
作者/主编：	唐作藩
出版社：	北京大学出版社
ISBN号：	9787301228258
出版年份：	2013年

版次：	第1版
总页数：	177页
开本：	1/16
图书定价：	26.00元
实际重量：	200g
新旧程度：	正版全新

 

《21世纪汉语言规划教材·方向基础教材系列:音韵学教程(第4版)》是中国传统的一门学问，是分析研究汉字的字音和它的历史变化的一门科学。 

章绪论 节音韵学的对象 
第二节音韵学的功用 
第三节音韵学的学习方法 
第二章音韵学的基本知识 
节汉语音韵结构特点 
第二节反切 
练习一 
第三节关于声纽的概念 
练习二 
第四节关于韵母的概念 
第五节板于声调的概念 
第六节等韵圆 
练习三 
第三章《广韵》音系 
节《广韵》的由来和体例 
第二节《广韵》的性质 
练习四 
第三节《广韵》的声母 
第四节《广韵》声母和现代普通话声母的比较 
练习五 
第五节《广韵》的韵母 
练习六 
第六节式广韵》韵母和现代普通话韵母的比较 
第七节《广韵》的声调 
练习七 
第八节《广韵》音系的构拟 
第九节《广韵》反切的规律 
练习八 
第四章汉语音韵学简史 
节韵书产生以前的古音研究 
第二节《广韵》以后的韵书 
主要参考书目 
术语、人名及论著索引 
后记 
附游音韵山记 
再版附记 
三版附记 
四版附记  

《21世纪汉语言规划教材·方向基础教材系列:音韵学教程(第4版)》研究汉语的语音，而且主要是研究中国古代的各个历史时期的汉字读音的，属于历史语音学范畴。全书深入浅出，介绍了音韵学的基本知识。通过学习，可以对汉语音韵结构特点、反切、关于声纽韵母声调等概念有个全面而基础的认识。  

 

跨越时空的文化之旅：西方古典音乐的辉煌与深度解析 书籍名称： 音乐的结构与灵魂：从巴赫到德彪西的演进 作者： 埃莉诺·凡斯沃斯 (Eleanor Ainsworth) 译者： 李明华 出版社： 环球艺术文库 ISBN： 978-1-939876-54-3 --- 内容简介 《音乐的结构与灵魂：从巴赫到德彪西的演进》并非一部简单的音乐史编年史，而是一部深入剖析西方古典音乐在特定历史语境下，如何通过结构、和声、配器等核心要素，表达人类深刻情感与哲学思辨的里程碑式著作。本书将带领读者穿越十七世纪初至二十世纪初的漫长岁月，探寻音乐语言的演变轨迹，揭示不同时代大师们如何运用音乐这一无形媒介，构筑起一座座永恒的精神殿堂。 全书共分为五大部分，脉络清晰，论证严密，兼具学术的深度和阅读的愉悦性。 第一部分：巴洛克的回响——秩序、情感与对位法的极致（约1600-1750年） 本部分聚焦于宏大而精致的巴洛克时期。作者首先考察了歌剧在意大利的诞生及其叙事机制的建立，深入分析了蒙特威尔第如何打破古典主义的平衡，引入强烈的主观情感表达。 核心内容集中于对位法（Counterpoint）的精湛技艺。我们细致地解剖了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的《赋格的艺术》与《平均律键盘曲集》，探讨了“主题”如何在多声部织体中进行逻辑严谨的、如同建筑般精确的搭建。读者将理解“追叙”、“扩展”、“插入”等对位技巧的实际功能，而非仅仅是理论上的概念。特别地，本书对巴赫晚期作品中体现的神秘主义和宇宙秩序观进行了哲学层面的探讨，认为其音乐是理性与信仰完美结合的体现。 此外，亨德尔的清唱剧和协奏曲曲式也被纳入分析范围，重点在于其宏大叙事能力和对器乐色彩的初步探索。 第二部分：古典主义的清晰与普世性——形式的革命（约1750-1820年） 随着启蒙运动思潮的兴起，音乐进入了对清晰、平衡和普世情感的追求。本部分详细阐述了奏鸣曲式（Sonata Form）如何成为古典主义音乐的基石。 海顿被视为“交响曲之父”，本书通过对其早期到晚期弦乐四重奏的对比分析，展示了奏鸣曲式内部呈示部、发展部和再现部之间张力与解决的精妙设计。作者强调了“动机发展”（Motivic Development）在古典主义音乐中的核心地位——即如何用一个简短的音乐片段，在全曲中进行无限的变形和逻辑推演。 莫扎特的篇章则着重于其旋律的完美性与歌唱性，以及他对管弦乐队色彩的细腻把握。我们探讨了莫扎特如何在遵循既定结构的同时，注入极具个性的、有时甚至是矛盾的情感层次，尤其是在其晚期歌剧如《唐璜》中的表现。 第三部分：浪漫主义的崛起——个体性、想象力与和声的扩张（约1820-1900年） 浪漫主义是音乐史上一次巨大的情感解放。本部分深入探讨了贝多芬作为桥梁人物的关键作用，特别是他如何将个人意志和英雄主义主题融入到交响乐中，从而打破了古典主义的界限。 随后，本书转向肖邦、舒曼等钢琴巨匠。重点分析了“自由曲式”（如即兴曲、叙事曲）的出现，以及和声语言的剧烈变化。读者将了解到“半音化”（Chromaticism）如何被系统性地引入，用以模糊调性中心，表达忧郁、渴望和梦幻般的意境。作者详细考察了李斯特如何通过“交响诗”（Symphonic Poem）这一新形式，将文学叙事和音乐结构首次紧密结合，为后来的标题音乐奠定了基础。 勃拉姆斯和瓦格纳的对比分析是本部分的高潮。前者代表了对传统形式的忠诚与深刻的内省，后者则展示了“主导动机”（Leitmotif）如何作为一种强大的戏剧工具，在宏大的歌剧（乐剧）中构建复杂的心理景观，并彻底挑战了传统调性系统的根基。 第四部分：民族乐派的色彩与后浪漫主义的挣扎（约1850-1910年） 本部分关注欧洲各地音乐家如何从德奥主导的传统中解放出来，发掘本土的民间音乐元素和民族特色。从俄国的“五人强力集团”如何将民间旋律融入严肃创作，到德沃夏克的“新大陆”交响曲中对美国黑人灵歌元素的借鉴，本书展示了音乐的地域性表达的丰富性。 同时，我们也审视了后浪漫主义的“末期”现象，如马勒的巨型交响曲，探讨了在社会快速变革的背景下，作曲家们如何试图通过作品的规模和极端的对比，来把握存在的焦虑与对彼岸的追寻。 第五部分：印象主义的渗透——光影、氛围与色彩的胜利（约1890-1920年） 最后，本书聚焦于德彪西和拉威尔，分析他们如何将音乐从“表达”转向“暗示”。作者详细解读了“全音音阶”、“五声音阶”以及增三和弦在印象主义音乐中的作用，展示了和声如何从功能性（驱动乐曲发展）转变为描绘性（渲染瞬间的听觉氛围）。 本书认为，德彪西的钢琴作品和管弦乐配器实验，标志着西方音乐开始系统地质疑传统调性系统的绝对权威，为二十世纪的音乐探索开辟了全新的、充满不确定性却又无比迷人的方向。 --- 核心特色： 本书的独特之处在于，它不满足于描述“发生了什么”，而是着力剖析“为什么会这样发生”，以及“这些变化如何体现在具体的乐谱细节中”。通过大量的乐谱分析实例（不涉及复杂数学推导），读者将能够真正掌握古典音乐的语法，理解不同时期作曲家在限制（如曲式、对位法）与自由（如情感表达、和声运用）之间寻求的动态平衡。本书适合所有对西方音乐史、和声学、曲式分析有深入学习需求的爱好者、学生及专业人士阅读。

评分☆☆☆☆☆

从专业的角度来看，这本教材的价值在于其无可挑剔的学术规范和宏大的知识覆盖面。它成功地在“普及性”和“专业性”之间找到了一个近乎完美的平衡点。我特别关注它在处理音乐史的交叉学科问题时所展现出的综合能力，比如它如何结合社会学和美学理论来解释特定时期音乐风格的演变，而不是单纯地进行技术分析。在参考了国内外多所顶尖音乐院校的课程大纲后，我发现这本书的内容设置几乎涵盖了所有核心知识模块，甚至在一些边缘领域（如民族音乐学的基本概念引入）也有所涉猎，这对于构建一个全面的音乐知识体系至关重要。它的论证过程逻辑严密，引用的文献资料翔实可靠，体现了作者深厚的学术功底和严谨的治学态度。对于研究生阶段的理论复习或者作为高级课程的参考书目，它都能提供坚实可靠的支撑。任何想要在音乐学领域深耕的人，都应该将它视为案头必备的工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐理论学习者的“救命稻草”！我从大学开始接触音乐史和基础乐理时，就觉得很多教材总是把复杂的概念讲得过于晦涩难懂，读起来像是在啃一本枯燥的哲学著作。然而，这本教程的编排思路却非常清晰，它仿佛有一位经验丰富的老师在你身边，一步步引导你拆解那些看似高深的理论。比如，在讲到和声进行的时候，它不像其他书那样堆砌公式，而是结合了大量的经典曲例，让你能直观地感受到不同和弦连接时产生的色彩和情绪变化。我记得有一次为了理解某个特定的调式转换，我翻了好几本参考书都不得要领，最后还是在这本书里找到了一个非常巧妙的图示和通俗的解释，茅塞顿开的感觉真是太棒了。它的知识体系结构搭建得极好，从最基础的音高、节奏概念，到复杂的复调和曲式分析，层层递进，毫不跳跃，即便是自学，也能感到十分顺畅。而且，书中对于不同历史时期音乐风格的特点也有所涉及，使得理论学习不再是空中楼阁，而是有了深厚的文化和历史背景支撑。我强烈推荐给所有准备系统学习音乐学的同学，它会帮你打下一个无比扎实的理论基础。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上同类的“教程”太多了，很多都是换汤不换药，知识点陈旧，视角单一。但这本书的出现，确实带来了一股清新的空气。它在处理一些现代音乐概念时，表现出了极大的开放性和前瞻性，没有完全拘泥于传统的欧洲中心主义视角。比如，它在介绍二十世纪音乐时，对十二音体系和序列音乐的阐述，不仅仅停留在技法层面，还探讨了其背后的哲学思辨和对传统调性体系的反叛。这种与时俱进的学术视野，让我这个已经学过基础乐理的人也找到了新的学习乐趣和挑战。我发现，很多我以前觉得难以理解的现代和声现象，通过这本书的分析框架，竟然变得逻辑自洽起来。此外，书中附带的一些案例分析，选材非常独到，既有大家耳熟能详的经典作品，也有一些相对冷门但极具研究价值的曲目，极大地拓宽了我的听觉经验和分析范畴。读完后，我感觉自己对音乐的“感知”层面也得到了极大的提升，不再只是机械地识别音高和节奏，而是能更深层次地“听懂”作曲家的意图。

评分☆☆☆☆☆

我是一名业余音乐爱好者，学习音乐理论一直是我觉得很有难度的一件事，因为我缺乏科班出身的基础，总怕自己理解得不够到位，导致学习过程非常焦虑。这本书对我最大的帮助在于它的“阶梯式难度递进设计”。它并不是一上来就抛出复杂的定义，而是用一种非常平易近人、循序渐进的方式，将知识点“掰开揉碎了”讲。比如，它在引入“曲式分析”时，没有直接套用复杂的图示，而是先从民间歌曲和小型奏鸣曲的简单结构开始，让读者先建立起对“完整性”和“对比性”的基本概念，然后再逐步过渡到更复杂的奏鸣曲式、回旋曲式等。这种细致入微的教学设计，极大地缓解了我的学习压力，让我有信心一步一个脚印地前进。而且，书后的习题和思考题设计得非常巧妙，它们不是简单的知识点复述，而是要求你运用所学知识去分析具体的音乐片段，真正做到了学以致用。对于所有想把音乐理论当作兴趣并深入了解的非专业人士来说，这本书无疑是一个极其友好且高效的向导。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本教材的时候，我的第一印象是它的装帧设计非常考究，一看就是出版社下了大工夫的精品。纸张的质感很好，印刷清晰，即便是反复翻阅，那些乐谱示例的五线谱和简谱也依然清晰锐利，这对长时间阅读和学习来说是非常重要的体验。更让我欣赏的是，它不仅仅是一本教科书，更像是一部精选的“音乐文献集”。它没有满足于仅仅罗列规则，而是深入探究了这些规则是如何在历史上形成的，以及它们在不同文化背景下的变奏。这种深入骨髓的探究精神，让我在阅读时总能保持高度的专注。我特别喜欢它在讨论“旋律写作”一章时，引用的那些德奥古典时期的作曲家手稿片段，这不仅展示了大师们是如何构思的，也让我明白了理论与创作实践之间并非泾渭分明。这本书的叙述语言非常严谨，但绝不板刻，它在保持学术高度的同时，也注意到了照顾读者的接受能力，很多地方的处理都体现了编者深厚的教学智慧。对于想要考研或者未来想从事音乐研究工作的人来说，这本书的深度和广度都足以让你受益终生。