正版音乐作品听唱训练下册王高飞西南师范大学出版社全新教材9787562175339 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王高飞 著

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• 音乐教材
• 听唱训练
• 音乐教学
• 高等教育
• 王高飞
• 西南师范大学出版社
• 教材
• 音乐专业
• 9787562175339
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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562175339

商品编码：29859850588

页数：96

图书基本信息 书名：  音乐作品听唱训练（下册） 丛书名：  21世纪音乐教育丛书 作者/主编：  王高飞 出版社：  西南师范大学出版社    ISBN号：  9787562175339   出版年份：  2015年9月1日       版次：   第1版 总页数：   96页 开本：   16 图书定价：   21元 实际重量：   259g 新旧程度：   正版全新

前言

课 德彪西《亚麻色头发的少女》
第二课 德彪西《三首夜曲》
第三课 拉威尔《悼念公主的帕凡舞曲》
第四课 拉威尔《鹅妈妈组曲》
第五课 普罗科菲耶夫《彼得与狼》
第六课 霍尔斯特《行星组曲》
第七课 巴托克《乐队协奏曲》
第八课 拉赫玛尼诺夫《d小调第三钢琴协奏曲》
第九课 斯特拉文斯基《春之祭》幕
第十课 斯特拉文斯基《春之祭》第二幕
第十一课 肖斯塔科维奇《爵士组曲》
第十二课 肖斯塔科维奇《c小调钢琴协奏曲》
第十三课 罗德里格《阿兰胡埃斯协奏曲》
第十四课 格什温《蓝色狂想曲》
第十五课 格什温《夏曰时光》
第十六课 比尔·伊文思《两首爵士风格弹唱曲》
第十七课 约翰·威廉姆斯《辛德勒的名单》
第十八课 约翰·肯博《三首弹唱曲》
第十九课 潘德列茨基《广岛受难者的挽歌》
第二十课 乔治·阿伯吉斯《肉搏战》
后记

《21世纪音乐教育丛书：音乐作品听唱训练》分为上下两册。

　　《21世纪音乐教育丛书：音乐作品听唱训练（下册）》主要为巴洛克时期、古典主义时期及浪漫主义时期作曲家的作品；下册则以近现代音乐、爵士音乐为主，并附加了拓展训练，以求开拓学生的音乐思维。
　　《21世纪音乐教育丛书：音乐作品听唱训练（下册）》的特点是以整首作品为训练内容，通过对调式调性、节奏、旋律、和声、曲式结构、配器等方面的训练，全方位提升学生的音乐基本技能。
　　《21世纪音乐教育丛书：音乐作品听唱训练（下册）》分别由二十课组成，每课分为两部分：一部分为“练习”，主要包括听觉分析、听写、视唱、键盘练习等；二部分则为“谱例与答案”，以作参考之用。
　　《21世纪音乐教育丛书：音乐作品听唱训练（下册）》适合高等音乐院校、音乐师范院校、中等音乐院校使用，也可作为视唱练耳教学的补充教材。

音乐启蒙与基础乐理：初阶探索之旅 本书概述 本书旨在为音乐初学者提供一套系统、扎实的基础乐理知识和初步的音乐实践指南。它不涉及任何特定的教材、作者或出版社信息，专注于构建学习者对音乐世界的整体认知框架。全书内容涵盖音乐的基本元素、听觉训练的入门方法以及初步的识谱能力培养，旨在为后续深入学习音乐理论和技能打下坚实的基础。 第一章：音乐的基石——声音的奥秘 本章将带领读者从物理学的角度认识音乐的本源——声音。我们将探讨声音的三个基本属性：音高、强度（或响度）和音色。 1.1 音的本质与物理属性 频率与音高： 详细解释振动频率如何决定人耳所感知的音高，介绍赫兹（Hz）作为频率单位的意义。通过具体实例说明高音和低音的物理差异。 振幅与响度： 阐述声波振幅的大小如何影响声音的强弱，介绍分贝（dB）在音乐语境下的应用，以及动态范围（Dynamics）对音乐表现力的重要性。 波形与音色： 解释音色（Timbre）的形成机制，即泛音列（Harmonic Series）和泛音结构如何区分不同的乐器或人声，即使它们发出相同音高和响度的声音。 1.2 节奏的脉搏：时间维度下的音乐组织 节奏是音乐的骨架。本章深入剖析节奏的构成要素： 节拍（Meter）： 介绍小节线、拍号（Time Signature）的含义，区分常见的2/4、3/4、4/4拍，并讲解如何感知和内化这些拍子的强弱规律（如强、次强、弱）。 音符与休止符： 系统介绍全音符、二分音符、四分音符直至更细分的音符（如十六分音符）及其对应的休止符，阐明它们在时间轴上的精确时值关系。 速度与术语： 介绍意大利语速度标记（如Allegro, Adagio, Presto）及其大致的节拍器数值范围，强调速度对音乐情绪的影响。 第二章：旋律的构建——音高系统与记谱法入门 本章聚焦于如何组织和记录音高，这是所有西方音乐的基础。 2.1 音级系统与唱名 十二平均律的初步概念： 简要介绍西方音乐体系中音高划分的基本框架，区分全音与半音。 唱名系统： 介绍 Do、Re、Mi、Fa、Sol、La、Si（或 Do、Re、Mi、Fa、Sol、La、Ti）等唱名的使用，及其与音名（C、D、E、F、G、A、B）的对应关系。 音组（Octave）： 解释八度的概念，以及如何通过数字或特定符号来区分不同八度范围内的同名音。 2.2 基础五线谱的识读 谱表（Staff）： 介绍五线谱的基本结构，包括五条线和四个间。 高音谱号与低音谱号： 详细讲解高音谱号（Treble Clef）和低音谱号（Bass Clef）的确定位置及其确定基准音的作用，并通过助记口诀辅助读者快速识别谱线和间上的音符。 升降记号： 介绍临时升号（♯）、降号（♭）和还原记号（♮）的功能及其在五线谱上的应用，理解它们如何改变特定音的音高。 第三章：听觉的训练——从辨别到内化 本章提供了一套循序渐进的听力训练方法，帮助读者将抽象的乐理知识转化为实际的听觉感知能力。 3.1 节奏听辨训练 拍子感建立： 通过徒手拍打、踏脚等身体动作，训练对4/4拍和3/4拍的稳定内在节拍感。 时值识别： 聆听简单的节奏型（如四分音符与八分音符的组合），尝试用一致的节奏进行模仿复述。 3.2 音高与旋律的初步捕捉 单音听辨： 利用钢琴或电子音源，反复聆听相邻的半音和全音，训练对音程的初步敏感度。 音程的形象化： 引入常用歌曲片段或固定音型，将特定的音程（如大二度、纯五度）与听觉记忆挂钩，作为后续复杂旋律分析的基础。 旋律模唱： 选取简单、音域适中的民谣或儿歌，尝试不看谱或根据乐谱进行准确的模唱，训练耳脑手（或耳脑声带）的协同工作。 第四章：和声的萌芽——垂直结构的初探 虽然本书不深入复杂的和声学，但需要建立对“同时发声”的初步概念。 4.1 和弦的概念 音程叠加： 解释和弦是三个或更多不同音高同时发声形成的结构。 三和弦的引入： 初步介绍最基本的和弦——三和弦（Triad）的构成原理，即以一个音为基础，叠加三度音程形成的结构。 4.2 体验和声的色彩 大三和弦与小三和弦： 通过聆听，区分大三和弦（明亮、稳定）和小三和弦（柔和、略带忧伤）在听感上的差异，理解调性色彩的基础。 结语 本书提供的是一张进入音乐殿堂的导航图。通过系统学习声音的物理属性、节奏的组织方式、音高的记录方法以及基础的听觉训练，学习者将能够更自信地解读和欣赏周围的音乐现象，为未来无论选择演奏、创作还是鉴赏，都奠定不可或缺的理论与感知基础。实践是检验真理的唯一标准，请将本册所学知识与实际聆听和发声练习紧密结合，方能取得真正的进步。

评分☆☆☆☆☆

评价二 我一直在找一本能有效提升我对外语歌曲理解能力的工具书，这次试读的这本新书，从目录上看，似乎将重点放在了发声技巧和歌唱练习上，这一点非常符合我的需求。这本书的排版很紧凑，大量的例句和练习题占据了主要的篇幅，看得出是用心设计来促进读者动手实践的。它详细地讲解了从基础的气息支撑到高音区的稳定控制等一系列演唱技巧，尤其是一些关于口腔开合度和共鸣腔调整的描述，非常专业，甚至连呼吸的频率和深度都有明确的标注。然而，令我有些困惑的是，这本书似乎更偏向于“美声唱法”的基础训练范式，对于现代流行音乐或者民歌在发声和情感处理上的差异着墨不多。而且，书中很多听力材料（如果它有配套音频的话，我暂时没找到）的选取，似乎更偏向于传统的艺术歌曲，这让我这个主攻现代音乐的爱好者感到有些脱节。希望未来能有更多针对不同音乐体裁的专项训练内容，让练习更具针对性和趣味性。

评分☆☆☆☆☆

评价一 最近入手了一本关于古典乐欣赏的入门读物，装帧设计挺简洁大方的，拿到手里沉甸甸的很有质感。这本书的重点似乎放在了对不同时期、不同风格的欧洲古典音乐进行宏观的梳理上，从巴洛克到浪漫主义，脉络梳理得相当清晰。作者在介绍巴赫和莫扎特的时候，用了不少篇幅去解析他们的代表作，文字描述得细致入微，即便是对于初学者来说，也能大致勾勒出那个时代音乐的精髓所在。不过，我个人觉得在对十八世纪中后期交响乐的发展脉络的阐述上稍显平铺直叙，缺乏一些更生动的故事性或趣味性的切入点，读起来偶尔会觉得有点枯燥。书中配的一些乐谱片段，印刷质量不错，但对于不熟悉五线谱的读者来说，似乎缺乏足够的图解来辅助理解。总的来说，这是一本扎实的理论参考书，适合希望系统了解西方音乐史脉络的读者，但若想寻求一种轻松愉快的学习体验，可能需要搭配其他资源。它的学术性毋庸置疑，但作为“听唱训练”的辅助读物，个人期待能在听觉引导方面有更深入的探讨。

评分☆☆☆☆☆

评价四 我对这本教材的编排逻辑感到好奇，它似乎试图搭建一座连接“音乐理论”和“舞台表现”的桥梁。书中有一部分章节详细讨论了乐理知识，比如和声进行、调性转换等，但与以往教材不同的是，它非常强调将这些抽象的概念与具体的演唱效果联系起来。例如，讲解到属七和弦解决到主和弦时，会配有具体的演唱情感变化指导，这让我对和声的理解不再是孤立的符号游戏，而是有了实际的听觉参照。然而，在处理“作品分析”部分时，深度略显不足。虽然挑选了一些经典曲目进行赏析，但对作品背景、历史语境以及不同版本之间的差异探讨得比较浅尝辄止，更多的是停留在“技术层面”的解析上，缺乏更深层次的艺术思辨。对于渴望全面发展的学习者来说，可能需要在课后补充大量关于音乐史和作品背景的阅读材料，才能真正领略作品的魅力。

评分☆☆☆☆☆

评价五 翻开这本书，扑面而来的是一股严谨而又充满探索精神的气息。它最让我欣赏的一点是其对“听觉的培养”所抱持的细致态度。书中不仅教你如何发出正确的音高，更引导你如何去辨别和模仿“音色”的细微差别。例如，在讲解如何处理长音的连贯性时，书中用了好几页的篇幅来描述如何运用气息让声音“听起来”像一条光滑的丝带，这种描述非常形象化，激发了读者的想象力。不过，我发现教材在与现代技术结合方面略显保守。在如今数字化学习的大环境下，这本书的练习模式似乎主要还是依赖传统的纸质笔记和跟唱，缺乏一些利用现代录音软件或听觉分析工具进行自我评估的指导章节。如果能加入一些关于如何利用App进行音准校正、如何分析自己演唱频谱的实用建议，相信更能契合当前学习者的需求，让训练过程更加高效和现代化。

评分☆☆☆☆☆

评价三 拿到这本专注于音乐实践的书籍后，我最大的感受是它的“实用性”得到了极大的凸显。它不是一本空泛的理论说教，而是手把手教你如何去“做”音乐。书中有一章专门分析了节奏型，用大量的图表和拍子练习来强化读者的节奏感，这部分内容设计得非常巧妙，即便只是自己默读，也能感受到那种内在的律动感。作者似乎非常推崇“模仿与内化”的学习路径，大量的重复性练习旨在将正确的音乐处理方式固化为肌肉记忆。但是，这种高强度的重复性练习，对于那些学习时间不固定或者需要平衡其他学科的读者来说，可能是一个不小的挑战。我个人在进行到某个复杂的段落练习时，发现如果不能即时得到反馈（比如没有录音设备或老师的指导），很容易陷入自我怀疑，因为书面上很难完全捕捉到“好”与“不好”之间的微妙界限。简而言之，这是一本需要“沉浸式”投入才能发挥最大效用的教材，可能不适合碎片化学习者。