正版视唱与伴奏张艺峰西南师范大学出版社全新教材9787562156482 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张艺峰，罗诚 著

图书标签:

• 视唱练耳
• 音乐教材
• 高等教育
• 艺术类
• 张艺峰
• 西南师范大学出版社
• 9787562156482
• 伴奏
• 音乐教学
• 教材

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562156482

商品编码：29859850987

页数：315

图书基本信息
书名：	视唱与伴奏
丛书名：	21世纪音乐教育丛书
作者/主编：	张艺峰, 罗诚
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562156482
出版年份：	2012年3月1日

版次：	第1版
总页数：	315页
开本：	16
图书定价：	42元
实际重量：	499g
新旧程度：	正版全新

章 基础键盘和声

第二章 无升降号的视唱
第三章 一个升号的视唱
第四章 一个降号的视唱
第五章 两个升号的视唱
第六章 两个降号的视唱
第七章 三个升号的视唱
第八章 三个降号的视唱
第九章 四个升号的视唱
第十章 四个降号的视唱

《视唱与伴奏》将视唱与钢琴伴奏融为一体，在和声基础上，稳定视唱的音准；在视唱练习中，提高学生钢琴伴奏能力，在实践中全面提高学生音乐综合素质。全书分为两个部分：伴奏理论部分和视唱与伴奏实践部分。可供高等师范院校音乐学院、高职院校音乐类、中等师范音乐类学校及广大音乐爱好者使用。

好的，以下是一份符合您要求的图书简介，不包含您提供的特定书目的内容，力求详实自然，避免痕迹： --- 音乐的脉动与灵魂的共鸣：一部关于西方音乐史与和声学的深度探索 导言：聆听时间的河流 音乐，是人类情感最直接、最普世的表达方式。它跨越语言的障碍，在旋律、节奏与和声的编织中，构建起一个又一个超越现实的维度。本书并非仅仅是对既有音乐知识的简单罗列，而是一次深入的旅程，带领读者追溯西方音乐自中世纪萌芽直至二十世纪繁盛的宏大脉络，并同步解析其背后精妙的数学结构——和声学。 我们旨在提供一个既具学术深度，又富含艺术感染力的学习体验。通过对历史关键节点的精准把握与对核心音乐原理的透彻阐释，我们希望每一位读者，无论是初涉音乐殿堂的学子，还是希望系统梳理知识结构的专业人士，都能从中汲取灵感，提升鉴赏力与实践能力。 第一篇章：历史的回响——西方音乐的演进图景 本篇将以时间为轴，细腻描摹西方音乐史上的重要转折点与代表人物。我们相信，理解音乐的“为什么”，必须回到它诞生的“何时何地”。 第一部分：蒙昧与初曙（中世纪：公元500年—1400年） 我们将从格里高利圣咏的单音音乐形态出发，探讨教会音乐在早期欧洲文化中的核心地位。重点分析记谱法的诞生与发展，从纽姆谱到五线谱的演变，是音乐从口头传承走向精确记录的关键一步。同时，我们会探讨世俗音乐（如游吟诗人的歌谣）的兴起，揭示音乐走向多元化的初步信号。重点剖析奥尔加农（Organum）的出现，标志着西方复调音乐的滥觞。 第二部分：平衡与理性（文艺复兴：1400年—1600年） 文艺复兴的核心在于“人文主义”，这深刻影响了音乐的创作主题与风格。本章将详述帕莱斯特里纳（Palestrina）等“典范大师”对对位法的纯熟运用，以及“雅俗共赏”的风格探索。我们会深入分析弥撒曲和经文歌的结构，并重点介绍“牧歌”（Madrigal）这一世俗声乐体裁的成熟，它如何通过“文字为音乐服务”的理念，预示着巴洛克情感表达的张力。 第三部分：激情与秩序（巴洛克时期：1600年—1750年） 巴洛克是音乐史上色彩最为浓烈的一个时期。我们将详细阐述“巴洛克三要素”：数字低音（Basso Continuo）的奠基作用、歌剧（Opera）这一全新艺术形式的诞生与确立（以蒙特威尔第为标志），以及对位法的集大成者——巴赫的作品。本章对协奏曲（Concerto）、奏鸣曲（Sonata）等器乐体裁的成熟进行细致梳理，并分析维瓦尔第和亨德尔在不同音乐领域内对规范的拓展与革新。 第四部分：清晰与典雅（古典主义时期：1750年—1820年） 在对巴洛克繁复装饰的反思中，海顿、莫扎特和贝多芬共同构建了古典主义的审美高峰——清晰、平衡与结构性。本篇重点解析奏鸣曲式（Sonata Form）的结构逻辑，这是古典时期器乐创作的基石。同时，我们将分析交响曲、室内乐（特别是弦乐四重奏）的定型，以及钢琴作为新兴键盘乐器在这一时期的主导地位。贝多芬作为连接古典与浪漫的桥梁，其晚期作品中蕴含的英雄主义与个人解放精神将得到特别的关注。 第五部分：自我与超越（浪漫主义时期：1820年—1900年） 浪漫主义音乐是“个人情感的史诗”。我们将探讨作曲家如何将文学、哲学、自然景观融入音乐创作，推动了体裁的扩大与自由化。从舒伯特艺术歌曲（Lied）的精致内省，到肖邦对钢琴语言的极致开掘，再到瓦格纳在“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念下对歌剧的颠覆性改造。本章还将触及民族乐派的崛起，分析斯美塔那、德沃夏克等如何从民间音乐中汲取养分，构建民族音乐的身份认同。 第六部分：探索与解构（二十世纪至今） 进入现代，音乐进入了前所未有的多元化和探索期。本篇将系统介绍印象主义（德彪西）、表现主义（勋伯格）的审美转向。重点阐述无调性、十二音体系（Serialism）的诞生，以及斯特拉文斯基作品中对原始节奏的回归。最后，我们会简要回顾电子音乐、偶然音乐（Aleatoric Music）等对传统音乐观念的挑战与拓展。 第二篇章：逻辑的艺术——基础和声学原理的精讲 如果说历史篇是音乐的“故事”，那么和声篇就是音乐的“语法”。本篇旨在以清晰、逻辑严谨的方式，揭示西方音乐功能和声的运作机制。 第一部分：音级与调性基础 本章从音高的物理基础入手，回顾自然音阶、平均律的形成，并详细界定调性（Tonality）的概念。我们会教授如何准确识别和构建大、小调音阶、调式音阶，并为后续的和声分析打下坚实的音级关系基础。 第二部分：三和弦的构建与功能 我们将核心聚焦于三和弦——音乐的基本积木。详细讲解大三和弦、小三和弦、增三和弦和减三和弦的结构。随后，引入罗马数字分析法，系统阐述主和弦（Tonic, I）、属和弦（Dominant, V）和下属和弦（Subdominant, IV）在调性进行中的基础功能。理解这三者的相互作用，是掌握一切功能和声的前提。 第三部分：七和弦的色彩与张力 七和弦的引入极大地丰富了音乐的色彩和表现力。本章将深入探讨属七和弦（V7）的导向性，以及如何运用导七和弦（Leading-tone Seventh, vii°7）来增强和声的解决感。同时，我们将分析不同类型的七和弦，如九和弦、十一和弦在巴洛克晚期及浪漫主义音乐中的初步应用，展示和声色彩的渐变过程。 第四部分：和声连接与转调技巧 一个完整的音乐乐段需要流畅的和声进行。本章将教授如何避免平行五八度等传统禁忌，实现平稳、自然的和声连接。重点解析借用和弦（Borrowed Chords）和副属和弦（Secondary Dominants）的使用，这些技巧是赋予和声以“色彩”和“惊喜”的关键。更进一步，我们将详述如何通过转调和弦（Pivot Chords）实现从一个调性到另一个调性的平稳过渡，这是对调性系统掌握程度的直接体现。 第五部分：不协和音的驾驭与非功能和声的萌芽 本篇的收尾将拓展视野，介绍不协和音在功能和声中的处理方式，如经过音、倚留音等。同时，我们将初步接触十九世纪晚期和声的模糊化趋势，例如增三和弦的广泛运用和全音阶（Whole-tone Scale）的出现，为过渡到现代和声学埋下伏笔。 结语：实践是检验真理的唯一标准 本书的设计理念是将历史的宏大叙事与技法的严谨训练相结合。历史的理解能为创作提供灵感和参照系，而和声的训练则能为演奏和分析提供可靠的工具。我们鼓励读者将所学理论付诸实践，无论是分析自己喜欢的作品，还是尝试创作简单的旋律与伴奏，只有通过亲手触碰音符，才能真正体会到音乐的结构美与情感力量。愿这本书成为您音乐探索道路上忠实的伙伴。 ---

评分☆☆☆☆☆

与其他市面上许多偏向“学院派”或过于“学术化”的教材不同，这本书在语言风格上显得异常亲切和人性化。它仿佛是一位经验丰富、富有耐心的老师在耳边轻声指导，而不是冷冰冰的文字堆砌。阅读过程中，我很少感到迷茫，因为每当遇到比较拗口的专业术语时，作者总能巧妙地穿插一些生活化的例子或者形象的比喻来解释，瞬间就能打通思维的壁垒。这种温暖的叙事风格，极大地降低了初学者对视唱练耳这门学科的畏惧感。我特别喜欢其中一些章节的“学习心得”小贴士，它们不是死板的规定，而是充满智慧的建议，比如“如何在一群人中保持专注度进行视唱”或者“遇到瓶颈期时如何调整心态”。这种对学习者心理状态的关注，使得这本书的实用价值超越了一般的教科书范畴，更像是一位亦师亦友的陪伴者。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，作为一名已经学习了多年音乐的学生，我对市面上大部分教材都有点审美疲劳了，它们往往在内容上大同小异，缺乏让人眼前一亮的创新点。然而，这本书在某些细节处理上展现出的独到匠心，确实让我感到惊喜。比如，书中对“视奏”技巧的讲解部分，它没有停留在简单的“快速阅读音符”的层面，而是深入剖析了大脑处理视觉信息、肌肉做出反应之间的延迟机制，并针对性地提出了“预读”和“建立指板-视网膜连接”的高级策略。这种将认知心理学原理融入音乐训练的方法，是很多传统教材所不具备的深度。它不再仅仅是教你怎么读谱，而是教你如何更高效、更科学地训练你的“音乐大脑”。这种前瞻性和科学性，让这本书在众多教材中脱颖而出，成为我个人工具箱中不可或缺的一份重要资料。

评分☆☆☆☆☆

从教学法的角度来看，这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范。它非常注重将“唱”（视唱）与“听”（练耳）进行有机结合，而不是将两者割裂开来，各自为政。例如，在介绍完某个特定的调式或和声色彩后，教材会紧接着提供相应的听觉辨识练习，要求学习者不仅要“看”懂谱面，更要“唱”出其感觉，然后去“听”出这个感觉在真实音乐中的体现。这种三位一体的训练模式，极大地促进了学生音乐思维的全面发展。此外，教材中对不同历史时期音乐风格的选材也体现了极高的专业素养，它精选了一些既具有代表性又适合教学实践的曲目片段，避免了盲目追求难度而牺牲了音乐性和趣味性。这使得我们在练习基本功的同时，也潜移默化地接受了良好的音乐审美熏陶。

评分☆☆☆☆☆

我是在准备专业考试的紧要关头接触到这本教材的，说实话，它提供的不仅仅是知识点，更像是一套完整的“应试宝典”。这本书最让我称道的地方在于其内容的深度和广度，它似乎预料到了我们在学习过程中可能遇到的所有难点和盲区，并提前给出了详尽的解析和大量的专项练习。比如，在处理变音程和不协和音程的听辨部分，作者没有仅仅停留在理论的罗列上，而是设计了一系列由浅入深的听觉训练方案，配合着实用的记忆技巧，让那些曾经让我头疼不已的音程听感，变得清晰可辨。更别提那些关于节奏的复杂组合，这本书通过创新的图示和比喻，将抽象的拍号和附点节奏“实体化”了，大大加快了我对复杂节奏的反应速度。可以说，这本书真正做到了理论联系实际，它提供的材料不是孤立的知识点，而是相互关联、互相支撑的知识体系，极大地提高了我的学习效率。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，从拿到手的那一刻起，就能感受到出版方在细节上的用心。封面采用了柔和的米白色调，搭配上典雅的字体排版，给人一种沉稳又不失活力的感觉。纸张的质感也非常好，厚实且不易反光，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。内页的印刷清晰度极高，每一个符号、每一个音符都精准无误，这对于我们学习视唱练耳这种对准确性要求极高的学科来说，简直是福音。尤其是那些复杂的节奏型和调性转换，在清晰的视觉呈现下，理解起来也变得更为直观和轻松。翻阅全书，你会发现它的目录结构设计得极其合理，知识点的递进关系处理得恰到好处，从基础的单音模唱到复杂的和声进行分析，循序渐进，让人能稳扎稳打地构建起扎实的音乐理论基础。这种对物理载体的重视，无疑提升了整体的学习体验，让人愿意一遍又一遍地翻阅和研究。