全新正版声乐教学作品选中国卷 二刘辉西南师范大学出版社9787562141723 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘辉 著

图书标签:

• 声乐教学
• 中国声乐
• 刘辉
• 西南师范大学出版社
• 教材
• 艺术教育
• 音乐教学
• 声乐作品选
• 高等教育
• 9787562141723

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562141723

商品编码：29859857529

页数：144

图书基本信息
书名：	声乐教学作品选（中国卷 二）
丛书名：
作者/主编：	刘辉
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562141723
出版年份：	2010年1月

版次：	第1 版
总页数：	144页
开本：	16
图书定价：	38元
实际重量：	499g
新旧程度：	正版全新

我为祖国献石油
我爱祖国的蓝天
我爱这蓝色的海洋
北京颂歌
送上我心头的思念
祝酒歌
多情的土地
我和我的祖国
鼓浪屿之波
我爱你，塞北的雪
那就是我
啊！中国的土地
白云，白云，飘向哪里
望月
雪花
魂牵梦绕的土地
两地曲
蓝色爱情海
写着你
思乡夜（声乐套曲《故园恋》第二首）
我爱这土地
日月之恋
太阳的儿子
鸟儿在风中歌唱
桥
我爱你，中华
跟你走
太阳之歌
七月的草原
春秋（声乐套曲《春秋、夏、冬》首）
我不能忘记
再别康桥
秋——帕米尔，我的家乡多么美

本教材从整体上坚持并鲜明地强调正确的声乐教育教学思想；体现声乐艺术及其教学实践的本质和规律；切近我国声乐教育教学的当今实际。 

在原有优、特点——教学实用性、曲目全面性、指导性的基础上，进一步为声乐教学的经典性与前沿性、丰富性与精约性的统一，基本歌唱能力训练与积累保留曲目、提升艺术修养的统一。 
本教材为《中国卷》第二册，主要选择了各地区的民歌和根据民歌风格创作的艺术歌曲。

跨越文化与时空的旋律：西方声乐艺术的传承与发展 一部深入探索西方声乐艺术百年流变、经典作品与表演实践的权威著作 本书旨在为声乐学习者、表演艺术家、音乐教育者及所有热爱西方声乐艺术的读者，提供一份详尽而深入的学术指南与实践参考。它并非对某一特定地区或特定时期作品的简单汇编，而是致力于勾勒出西方声乐艺术从巴洛克早期萌芽至二十世纪末的宏大发展脉络，剖析其在不同历史阶段的审美取向、技术革新与文化内涵。 第一部分：古典声乐的基石——巴洛克与古典主义时期（约1600-1820年） 本部分深入剖析了西方声乐艺术的源头活水。我们将详细考察蒙特威尔第、普赛尔等早期作曲家如何奠定歌剧的早期形态，特别是“情感再现”（Affetti）理论在声乐写作中的应用。 巴洛克时期的“装饰与力度”： 重点分析卡斯特拉托的兴盛及其对美声技巧的极致要求。通过对亨德尔清唱剧与巴赫受难曲的细致研读，阐释“宣叙调”（Recitative）与“咏叹调”（Aria）的功能区分，以及早期通奏低音对声乐线条的支撑作用。我们将探讨美声唱法（Bel Canto）在这一时期的技术核心——连贯的气息控制、清晰的发音以及对和声的精确把握。 古典主义的清晰与平衡： 聚焦莫扎特与海顿的歌剧创作，探讨音乐如何从巴洛克的繁复装饰转向古典主义的清晰、平衡与歌剧结构（如“达·彭特”歌剧的成功范例）。分析这一时期声乐技巧对清晰度（Clarity）和优雅（Grace）的追求，以及音域跨度和力度控制的精细化发展。 第二部分：浪漫主义的激情与辉煌——声乐艺术的巅峰时期（约1820-1900年） 浪漫主义是声乐艺术天赋与戏剧张力达到空前高度的时代。本书将用大量篇幅讨论这一时期的创新，这些创新直接塑造了现代声乐教学的许多基本原则。 意大利美声的极致发展： 详细梳理多尼采蒂、贝利尼、威尔第的“纯美声”唱法（Bel Canto Puro）的特点。重点分析其对高音区处理的柔韧性、乐句的连贯性（Legato）以及如何通过技术实现复杂的情感表达。对威尔第后期歌剧（如《奥赛罗》）中对音色“戏剧性”的突破，进行技术层面的剖析。 德语艺术歌曲（Lied）的诞生与成熟： 舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等作曲家如何将诗歌的意境提升到与音乐同等重要的地位。本书区别于纯粹的曲目介绍，它深入探讨了钢琴伴奏在德语艺术歌曲中的“第二旋律”地位，以及演唱者如何处理歌词的韵律、意境与声乐线条的融合，特别是对“意象化处理”（Word Painting）技巧的详尽解析。 法式抒情歌剧与德奥“抒情戏剧”： 对比分析古诺、马斯涅的细腻与瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念。瓦格纳对人声的重新定位——从“炫技”到“叙事工具”——的转变，以及他对“导机动机”（Leitmotif）在人声线条中如何体现的讨论。 第三部分：世纪之交的探索与变革——二十世纪声乐风格的多元化（约1900-2000年） 进入二十世纪，声乐艺术面临着技术爆炸和风格重构的双重挑战。本书详尽记录了传统声乐教学如何应对现代主义音乐的冲击。 普契尼的“现实主义”与人声的极限： 分析普契尼作品中对声音“情感强度”的强调，以及如何通过更强有力的戏剧性演唱来推动剧情，这对现代抒情男高音（Lyric Tenor）提出了全新的要求。 俄罗斯学派的厚重与力量： 探讨柴可夫斯基、穆索尔斯基等人对人声“金属质感”（Metallic Tone）和“深沉共鸣”（Deep Resonance）的追求，分析俄罗斯美声学派在气息与支撑方面独树一帜的训练方法。 现代主义音乐中的人声角色： 这是一个关键的转折点。本书会谨慎地分析勋伯格、施托克豪森等作曲家对传统音高、音色和发声技巧的颠覆。我们将区分“传统美声技巧在现代作品中的应用”（如施特劳斯后期的作品）与“为现代音乐专门开发的技巧”（如念白歌唱 Sprechgesang、嘶吼技术等），确保读者能够辨识不同音乐语境下的技术要求。 歌剧舞台的革新与教学实践： 探讨从梅尔巴（Melba）到卡拉斯（Callas），再到当代歌唱家的技术演变。特别关注舞台表演与声音技术如何日益紧密地结合，以及如何平衡“声乐美学”与“戏剧真实性”之间的张力。 本书的特色与价值 本书的一大特色在于其跨越国界和语种的广度，它不局限于任何单一语系（如德语或意大利语）的教学体系，而是旨在整合全球顶尖声乐教育理念的精华。每一章节都辅以对历史文献、早期手稿的引用分析，确保理论的可靠性。 我们不提供具体的练习曲目列表，而是侧重于“技术理念的建构”：如何理解和声对人声线条的影响、如何分析不同时期对“共鸣”（Resonance）的不同定义、以及如何在没有特定地区限制的前提下，培养出具有适应性和持久性的“古典演唱家”声音。对于任何希望全面理解西方声乐艺术历史、审美变迁及其技术要求的读者而言，本书无疑是案头必备的深度参考书。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期的声乐教育工作者，我在寻找教材时，最看重的是它的“可操作性”和“循序渐进性”。很多高阶教材对初学者来说过于抽象，而初级教材又无法满足进阶需求。这本选集非常巧妙地解决了这个问题。它的难度梯度设置得非常科学合理，从第一批作品开始，就奠定了稳固的呼吸和咬字基础，随着深入，作品的技巧复杂度、情感张力以及音乐表现的广度都在稳步提升。我的学生在使用这套作品进行练习时，进步的速度明显快了很多。他们不再需要我花费大量时间去“翻译”乐谱上的复杂指示，因为书本本身已经做了很好的“翻译”工作。而且，选曲的“辨识度”也很高，学生们在演唱这些作品时，更容易找到共鸣和热情。这本选集成功地将高雅的艺术性与大众化的接受度完美地融合在一起，它不仅是提升专业技能的工具，更是点燃学生学习热情的“火种”。我强烈推荐给所有致力于中国声乐教学的同仁们。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上很多声乐作品选，要么就是过度美声化了民族唱法，要么就是过于强调地方特色而忽略了美声技巧的支撑，导致学习者“两头不讨好”。但这本选集在处理“中西结合”的平衡点上，达到了一个令人惊叹的和谐状态。你可以清晰地看到，它在要求演唱者掌握扎实的换声点控制和气息支撑的同时，也在鼓励我们回归到更自然、更具叙事性的声音表达方式中去。我试着按照书中的提示去处理了几首抒情性较强的作品，效果立竿见影。声音不再是僵硬地“挂”在某个位置，而是流动起来了，充满了生命力。特别是那些对情感层次要求极高的段落，书中的分句处理和重音提示，仿佛是一位经验丰富的大师在耳边亲自指导。对于那些准备参加各类声乐比赛的选手而言，这本选集提供的曲目和处理方式，无疑具备了很高的“比赛竞争力”和“艺术性”。它不仅仅是练习曲，更像是为你量身定做的舞台剧本。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱集简直是声乐学习者和老师的福音！我最近开始深入研究中国民族声乐的演唱技巧，手头上原有的教材总感觉有些陈旧，或者选曲范围不够全面。直到我偶然发现了这本作品选，简直像是打开了新世界的大门。首先，从选曲的独特性上来说，它非常巧妙地平衡了经典与创新。里面收录的作品不仅仅是那些耳熟能详、从小听到大的“必唱曲目”，更穿插了一些近年来涌现出来的、具有地域特色和鲜明时代感的作品。这些新作品的加入，极大地拓宽了学习者的视野，让我能接触到更广阔的中国声乐版图。编排的用心程度也值得称赞，每一个声部的标记、气息的提示，甚至对特定地方腔调的处理建议，都做得非常细致入微。翻阅时就能感受到编者在确保技术准确性的同时，也极力想保留原汁原味的艺术表达。对于我这种追求更高层次表演效果的学习者来说，这种深度解析是无可替代的。每看完一首曲子的前奏，我就能立刻想象出舞台上的画面感，仿佛作者已经提前帮我铺设好了通往完美演绎的每一步阶梯。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，优秀的教材不应该只是枯燥的乐谱堆砌，它更应该是一扇通往音乐世界的窗户，而这本选集恰恰做到了这一点。它的装帧设计非常考究，纸张的质感拿在手里就很舒服，油墨的清晰度也让人非常满意，这对于需要反复翻阅和标记的乐谱来说至关重要。更让我惊喜的是，配套的解析部分——虽然我这里只有书本，但从乐谱本身的注释就能窥见其背后的深厚功力。编者显然对每一首作品的创作背景、历史语境以及声乐技术难点都进行了深入的研究。比如，对于某些高难度转音的处理，书上提供的指引非常具有实践性，它不是空泛地告诉你“要唱高”，而是告诉你如何利用共鸣腔体和呼吸控制来实现那个音区的稳定与饱满。这对于那些在攻克高音或低音时感到力不从心的学习者来说，简直是及时雨。我个人特别喜欢其中对“气韵”的强调，这正是中国声乐区别于美声唱法的重要标志，而这本书把“形”和“神”的结合点阐述得淋漓尽致。

评分☆☆☆☆☆

我是一位对音乐史略有涉猎的爱好者，每次看到优秀的选本，都会忍不住去探究它背后的学术支撑。这本作品集无疑展现了编者深厚的学术素养。选曲的脉络清晰可见，它们似乎遵循着一条清晰的中国声乐发展的时间轴，从早期的带有民歌改编色彩的作品，过渡到后来的学院派创新，再到当代多元化的探索。这种结构上的逻辑性，使得学习者在学习技巧的同时，也能自然而然地建立起对中国近现代声乐发展史的基本认知。我尤其欣赏其中对“地域风格”的区分说明，比如陕北民歌的粗犷有力与江南小调的婉约细腻，在谱面上的体现是多么微妙又重要。编者没有简单地用符号来概括，而是用文字的导读，引导我们用心去“听”出这些差异。这让我感觉自己不是在“练歌”，而是在进行一次深入的文化田野考察。对于推广和传承中国优秀音乐文化而言，这种严谨的学术态度是极其宝贵的。