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彭丽编著 著

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103049938

商品编码：10373928211

出版时间：2015-10-01

作  者:彭丽 编著 定  价:29 出 版 社:人民音乐出版社 出版日期:2015年10月01日 页  数:165 装  帧:平装 ISBN:9787103049938 ●鸦片战争后中国传统音乐的新发展
●一、学习纲要
●1.时代背景简介
●2.音乐文化环境简介
●3.民间歌曲的新发展
●4.说唱音乐的新发展
●5.戏曲音乐的新发展
●6.民族器乐的新发展
●二、知识点详解
●1.戏曲改良活动
●2.山东大鼓
●3.京韵大鼓
●4.河南坠子
●5.四川清音
●6.苏州弹词
●7.天韵社
●8.诸城琴派
●9.德音琴社
●10.伶工学社
●11.《宋元戏曲史》
●部分目录

内容简介

《音乐公共课考试指南:中国近现代音乐史复习手册》主要选择了目前靠前各高校使用较为集中的、由人民音乐出版社出版的两本专业教材——汪毓和编著《中国近现代音乐史》（第三次修订版）、刘再生著《中国近代音乐史简述》为纲，借鉴了其他此类教材与历年重要的研究成果，力图较为全面而集中地呈现1840—1949年间的音乐文化成就。不同于教材本身，《音乐公共课考试指南:中国近现代音乐史复习手册》并没有强调对音乐历史的全面梳理与阐述，不是教材的重复与微缩，而是以音乐历史发展脉络为主线，选择与截取知识要点并加以适当放大和细化，以微观的视角审视与勾勒历史画卷。
全书共有六章：鸦片战争后中国传统音乐的新发展、西洋音乐文化的传入及中国新音乐的萌芽、中国近代新音乐文化的初期建设、20世纪30年代抗日救亡时期的音乐发展状况、抗战初期的音乐创作、20世纪40年代的中国音乐。每章分为四部分：“学习纲要”、“知识点详解”、等

《东方乐章：19世纪中叶至今的全球音乐图景》 作者： [此处留空，或填写虚构的作者姓名，例如：李文山、安娜·施密特] 出版社： [此处留空，或填写虚构的出版社名称，例如：环球视野出版社] 定价： [此处留空，或填写一个合理的价格] ISBN： [此处留空，或填写虚构的ISBN] 内容简介：跨越地理与流派的全球音乐编年史 本书旨在提供一个宏大而精细的视角，审视自19世纪中叶至今，世界音乐版图的变迁、互动与革新。我们聚焦于在全球化浪潮、技术进步与社会变革的背景下，不同地理区域的音乐实践如何相互影响、碰撞，并最终塑造出我们今天所听闻的多元化声音景观。这本书并非对任何特定国家或地区音乐史的深度挖掘，而是力求描绘一幅横跨五大洲、涵盖古典、民间、流行乃至电子乐的广阔画卷。 第一部分：工业革命与古典传统的重塑（约1850-1910） 本部分探讨19世纪下半叶，欧洲和美洲在技术革命冲击下，传统音乐体系所经历的深刻变革。我们不会深入探讨任何单一国家的民族乐派的形成，而是着眼于“音乐的全球扩散”现象。 远东的“他者”形象与异域情调（Exoticism）： 考察欧洲作曲家如何受到来自亚洲、北非和拉丁美洲的微弱信息的影响，将其融入到管弦乐作品中。这并非对当地音乐的真实记录，而是基于早期旅行见闻和异国情调的想象性建构。重点分析这种“东方主义”的音乐表达如何反映了当时的殖民心态和文化好奇心。 声音记录技术的黎明： 探讨留声机和早期录音技术（如蜡筒录音）的出现，如何首次使得远离音乐中心的民间音乐得以被记录和传播。我们关注这些技术如何影响了世界各地民间音乐的存续方式——它们是被“固化”了，还是被赋予了新的生命力？ 早期爵士乐的萌芽与地域融合： 分析新奥尔良等港口城市的独特地理位置，如何成为非洲节奏、欧洲和声与加勒比旋律的熔炉。我们关注早期布鲁斯和军乐队音乐的结构特征，而非其在美国特定历史环境下的社会意义。 第二部分：两次世界大战间的实验与文化碰撞（约1910-1945） 这一时期是音乐形态剧烈动荡的时期。本书着重分析全球范围内的现代主义思潮如何与地域性音乐传统进行对话。 二十音序列法的跨文化影响： 探讨二战前，以维也纳为核心发展出的十二音技法，如何被远在拉丁美洲和东欧的作曲家理解、接受或拒绝。分析其对传统调性体系的解构，如何被视为一种普遍的“现代精神”，而非特定于某一欧洲中心的哲学表达。 广播与大众音乐的诞生： 深入研究无线电技术如何首次实现音乐的即时、跨国传播。关注这一时期，从阿根廷探戈到夏威夷四重奏，这些音乐风格如何通过电波突破地域限制，成为全球范围内的“流行”现象。 民族身份与音乐表达： 在殖民地与后殖民地语境下，音乐被用作构建或抵抗身份认同的工具。我们对比分析不同地域的作曲家如何吸收欧洲的对位法或和声语言，并将其注入到根植于本土叙事和仪式中的音乐结构中，以期在世界舞台上发出自己的声音。 第三部分：电子时代的开启与全球流派的扩散（约1945-1980） 战后，全球化加速，技术革新不再局限于记录，而是直接参与到音乐的创造过程中。 早期电子音乐实验室的比较研究： 对比不同大洲的电子音乐工作室（如科隆WDR工作室、日本NHK工作室）在探索合成器、磁带拼贴和随机音乐方面的不同路径。强调这种“无国界”的音响实验精神如何超越了国别界限。 摇滚乐的地域性变奏： 分析自美国诞生并风靡全球的摇滚乐，在英国、德国、日本等地，如何迅速吸收当地的语言习惯、传统乐器或本土流行元素，演化出独特的子流派。例如，对英伦入侵（British Invasion）的全球影响力的梳理，而非其在英国本土的详细发展。 非西方古典音乐的“国际化”： 研究在战后国际音乐节的推动下，印度斯坦古典音乐、印尼加美兰音乐等传统艺术形式，如何被介绍到西方听众面前。重点分析为适应西方听众的审美习惯，这些音乐在演奏实践和曲式结构上所发生的微妙调整。 第四部分：数字革命与音乐的去中心化（约1980至今） 本部分关注数字技术如何彻底打破了传统音乐产业的地理壁垒，形成一个高度互联但又碎片化的音乐世界。 采样、混音与全球音乐词汇的共享： 探讨数字采样技术如何使得来自任何时代、任何地域的音乐片段可以被抽取、重组，创造出全新的跨文化语境。分析嘻哈文化、电子舞曲（EDM）在全球范围内的传播机制，以及它们如何共享一套基于数字技术的通用创作语法。 世界音乐（World Music）标签的反思： 审视“世界音乐”这一商业分类标签的兴起与争议。通过分析不同非西方音乐人在国际市场上的定位，来讨论全球商业体系如何对地域性音乐身份进行再定义和商品化。 互联网时代的音乐生态： 考察流媒体平台和社交媒体如何改变了音乐的发现机制。关注新兴艺术家如何绕过传统唱片公司，直接在全球范围内建立受众群，以及这如何影响了音乐的风格演变速度和地域间的渗透性。 总结： 《东方乐章》提供了一种“鸟瞰图”式的观察，它将音乐视为一种跨越国界、不断适应环境的全球性文化现象。本书旨在培养读者对音乐历史的宏观理解力，认识到任何单一地域的音乐发展都置于一个更广阔、更复杂的全球交流网络之中。通过这种比较和联系的视角，读者将能更清晰地辨识出我们这个时代声音的复杂纹理。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对历史脉络特别敏感的人，如果一部历史著作不能给我一个清晰的“因果链条”，我就会感到非常不安。《中国近现代音乐史复习手册》在这方面做得极为出色，它成功地将音乐发展与政治、社会、教育的变迁紧密地勾连起来，让人读起来有种“大历史观”的震撼感。比如，书中对抗战时期“大众化”音乐思潮的分析，就不仅仅停留在歌曲传唱度的层面，而是深入探讨了民族自信心重建与音乐形式简化的辩证关系。它让我明白，为什么有些在和平时期显得“过于简单”的旋律，在特定历史节点会爆发如此强大的凝聚力。这种对历史情境的尊重和精准把握，使得这本书的论述充满了温度和厚重感。它教给我的不仅仅是音乐史的知识点，更是一种看待历史事件时，要从多维度交叉分析的思维方法。

评分☆☆☆☆☆

老实讲，我购买这本书的初衷其实很功利，就是为了应付即将到来的那个据说是“史上最难”的专业考试。但在翻阅了前几章后，我发现它的实用性远远超出了我的预期，它真正厉害的地方在于其“点拨”能力。对于那些知识点之间相互牵扯、界限模糊的部分，比如“新音乐”运动中不同流派之间的微妙区别，这本书处理得极其巧妙。它不是简单地堆砌时间线，而是采用了对比分析的方法。举个例子，它将冼星海和聂耳在革命歌曲创作上的风格差异进行了细致的对比，从旋律的织体、和声的色彩到情感的表达力度，都给出了非常具体的分析范例。我以前总觉得这些大师的作品难以区分，但读完后，我仿佛拿到了一个“音乐解码器”，瞬间就能听出不同作品背后的时代精神和个人烙印。这种清晰的、有侧重的讲解，极大地提高了我的复习效率，让我不再在琐碎的细节里迷失方向，真正抓住了近现代音乐史发展的核心驱动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版设计，简直是为“长时间阅读”考虑的典范。作为一名常年伏案苦读的学生，我深知一本内容再好的书，如果排版让人眼睛疲劳，那也是白搭。这本书的纸张选择非常舒服，不是那种刺眼的亮白，而是略带米黄色的哑光纸，长时间盯着也不会觉得干涩。更令人赞叹的是，关键概念和人名使用了不同的字体或加粗处理，信息层级划分得非常科学。特别是当涉及到大量乐曲名称和外国音乐理论术语时，作者没有采用密密麻麻的小字注释，而是巧妙地在段落侧边留出足够的空白进行提炼和总结，这对我这种需要快速筛选重点的读者来说，简直是福音。我甚至发现，有些地方用手绘的示意图来辅助解释复杂的音乐结构演变，这种非传统的视觉辅助手段，比干巴巴的文字描述生动太多了。可以说，这本书在“如何让人舒服地吸收知识”这件事上，下了不少的功夫。

评分☆☆☆☆☆

这部《中国近现代音乐史复习手册》简直是为我这种长期与音乐史打交道却又时常在关键节点上大脑空白的“老学究”量身定做的救星。我得说，它的编排逻辑简直是教科书级别的严谨，尤其是在梳理清末民初西方音乐思潮如何与本土传统文化发生碰撞与融合的章节，作者的处理方式非常高明。它没有简单地罗列人名和事件，而是深入剖析了社会背景如何塑造了音乐思潮的走向。比如，在谈到早期留洋学生带回的欧洲古典音乐理论对中国传统五声音阶体系带来的冲击时，书中不仅清晰地展示了理论上的矛盾点，还通过大量的历史文献引述，还原了当时音乐界内部激烈的争论场面。那些关于“国乐改良”的辩论，过去我总觉得有些晦涩难懂，但这本书通过清晰的脉络梳理和精炼的语言总结，让我瞬间洞悉了其核心矛盾所在。阅读过程中，我多次停下来，不是因为内容晦涩，而是因为作者提出的观点太具启发性，常常能点醒我以往学习中忽略的细节。这种深度和广度兼备的叙述，使得它不仅仅是一本应试工具书，更是一部值得细品的学术参考资料，对于希望构建完整知识体系的人来说，价值无可估量。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我过去借阅过几本市面上声称是“复习大全”的教材，它们往往只有知识点的堆砌，缺乏深入的解读和批判性思维的引导。而这本《手册》的独特之处在于，它对一些长期存在的争议性观点，采取了非常开放和严谨的讨论态度。它不会武断地下结论，而是呈现不同学派的代表性观点，并引导读者去思考不同解释的合理性。例如，在评价某一特定时期“苏俄影响”时，它并没有简单地贴上“僵化”的标签，而是细致分析了其带来的规范化、集体化创作经验，以及它如何为后来的音乐体系建设打下了基础。这种引导我们进行独立思考而非盲目接受的标准答案的写作方式，让我受益匪浅。这不再是一本简单的“知识搬运工”，而更像是一位经验丰富的导师，在你学习的路上提供必要的支架，同时鼓励你走向更广阔的学术天地。