艺术与科学卷10：艺术与科学 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李砚祖 编

图书标签:

• 艺术
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• 理论
• 美学

出版社： 清华大学出版社

ISBN：9787302233206

版次：1

商品编码：10400601

品牌：清华大学

包装：平装

开本：大16开

出版时间：2010-09-01

用纸：胶版纸

页数：167

字数：323000

编辑推荐

《艺术与科学》是一份研究性刊物，由四位教授出任正副主编。这四位中两人具有艺术史背景，两人具有科学史背景。该刊物的出版刮起了学术新风，以全新的理念和视角影响了读者。
《艺术与科学卷10：艺术与科学》是该刊物之第十卷。该卷主要以“中国古代图像研究”、“文化遗产理论”和“女性主义设计批评”为议题。

内容简介

本期以“中国古代图像研究”、“文化遗产理论”和“女性主义设计批评”为主要议题。其中王小盾先生从文献和民族学资料出发，对于饕餮的实质和饕餮图形的内涵，发前人所未发，新颖而独到。《汉代的器用与仙道》、《中国古代铺首的材质与功能》两文亦从不同角度对中国古代的器物及其构件设计进行了解读。女性主义设计与艺术的文章，对于国内设计艺术学界开展相关研究具有启示作用。世界遗产“突出的普遍价值”评价标准的演变的研究，对联合国教科文组织关于文化遗产评价标准在近三十年中的演变作了详尽的分析，这在国内外尚不多见。
此外，“史学”专栏中的两篇佛教主题文章，考证精确，论证翔实，“考工”与“读书”中的两篇文章与本期主要议题相呼应，均值得一读。

目录

探索
王小盾 饕餮神话与艺术的真相
汤惠生，林小娟 汉代的器用与仙道
练春海 中国古代铺首的材质与功能
思想
史晨暄 世界遗产“突出的普遍价值”评价标准的演变
视界
张黎女性主义设计批评发微
章梅芳，刘兵 女性主义与艺术研究
译林
〔美〕玛丽·麦克里欧德（mary mcleod） 日常生活与“他者”空间
〔英〕朱迪·艾特弗德（judy attfield） 形式（女）服从功能（男）：设计的女性主义批判
史学
李静杰 南北朝隋代佛教造像系谱与样式的整体观察（下）
〔韩〕林志镐 南北朝隋代佛像背光图样分析
考工
姜绶祥，张翎 中国服饰织金工艺探究
读书
赵益 中国早期思想研究：问题、理论、方法与事实

前言/序言

《光影的低语：探索视觉艺术中的数学原理与自然律动》 卷册信息： 本卷为“跨界思潮系列”的第七部，聚焦于传统艺术形式与现代科学理论的交汇点。 图书简介： 本书深入剖析了自文艺复兴以来，视觉艺术创作中潜藏的、与自然科学紧密相关的结构与规律。我们并非探讨艺术史的宏观叙事，而是侧重于技法背后的深层逻辑——如何将数学的精确性、物理学的现象以及生物学的观察，转化为可感的、具有审美价值的图像。全书围绕“形式的秩序”与“感知的错觉”两大主题展开，旨在揭示艺术创作并非纯粹的灵感乍现，而是对世界运行法则的精妙模仿与重构。 第一部分：几何学的几何：从透视到分形的美学基础 本部分着重考察数学工具在构建视觉空间中的核心作用。我们首先回顾文艺复兴时期对线性透视的革命性应用。这不仅仅是一种绘画技巧，更是对人类视觉感知的精确建模。书中详细解析了失焦、空气透视（大气光学效应）如何被艺术家用来模拟三维空间，并讨论了不同文化背景下（如中国传统山水画中的“散点透视”）对空间处理的差异性。 随后，我们将目光投向非欧几何在现代艺术中的隐秘运用。毕加索和布拉克的立体主义，并非简单的碎片化处理，而是对多重视角和非线性空间的早期探索。书中将运用射影几何的原理，分析如何通过平面分割来暗示更高维度的结构。 高潮部分集中在分形几何与自然韵律。从曼德勃洛特定理到自然界中的雪花、海岸线和血管网络，分形维度提供了一种描述“复杂性中的自相似性”的语言。我们考察了后现代艺术家如何利用迭代函数系统（IFS）和混沌理论的视觉表现，创作出既有机又具有内在数学秩序的抽象作品。重点分析了某些当代装置艺术如何通过精确计算的重复单元，来暗示自然界中能量耗散的规律。 第二部分：光与色的物理学：颜料的化学与视觉的感知 本卷的第二部分将艺术实践转化为一次光学的实验。我们摒弃对色彩的传统情感解读，转而探讨颜料的光谱特性、媒介的物理结构以及眼睛如何解码光信号。 首先，对色彩理论的考察将深入到物质层面。从古代矿物颜料的提纯工艺到现代合成染料的发明，本书追踪了化学进步如何拓宽了艺术家的调色板。详细分析了诸如镉黄、群青等关键颜料的分子结构及其对光吸收和反射的影响。 接着，重点分析光学的错觉。莫奈的印象派作品是光线对色彩动态影响的教科书式范例。本书将引入惠更斯-菲涅尔原理，解释光线在不同介质（如油层、水面）中的折射与散射如何被画家捕捉。我们运用人眼生理学的知识，讨论了视觉暂留、色彩对比效应（如同时对比和后像效应），并以此解释后印象派（如修拉的点彩画法）如何通过精密的色彩并置，绕过人眼固有的局限性，在视觉中“混合”出更纯净的色彩。 此外，书中还将专门讨论清晰度与分辨率的关系。通过对早期摄影技术与后期数字图像处理的比较，我们探讨了锐度、景深（光圈和焦距的物理关系）在引导观众注意力中的科学作用。 第三部分：运动的记录与生物的形态：动态与有机的捕捉 本部分关注艺术如何描绘和模拟生命体的运动、结构与生命力，这其中充满了对生物学和力学原理的直观应用。 我们探讨动态的表征。从达芬奇对手臂肌肉运动的解剖学研究，到巴洛克时期雕塑中对瞬间张力的捕捉，艺术家们一直在力学范围内寻找平衡与失衡的视觉表达。书中将引入刚体动力学的概念，分析如何通过姿态、重心和作用力线来创造出动态的张力感，即使对象是静止的雕塑。 关于生物形态，本书特别关注“黄金比例”（$Phi$）在人体与自然界中的重复出现。我们不仅回顾了维特鲁威人，更对比了斐波那契数列在植物叶序（或向日葵籽排列）中的展现，探讨艺术家如何运用这些看似“天赋”的比例，来构建和谐的构图。 最后，深入研究拓扑学在形态学中的应用。不同于严格的几何学，拓扑学关注的是形体的连续性和可形变性。我们分析了某些现代主义雕塑如何探索了曲面、纽结和空洞的拓扑性质，这些形态的内在逻辑，与生物体在生长过程中最小化表面能的趋势不谋而合。 结语：算法之美与人类的干预 全书的终点，是将历史的观察回归到当下的创作语境。我们反思，当算法和生成式设计工具可以轻易模拟出完美的透视、逼真的光影和复杂的自然结构时，人类艺术家的“科学”价值何在？答案或许在于“不完美”的引入——是艺术家对必然规律的有意偏离、对随机性的选择、以及将冰冷法则赋予情感温度的独特过程，构成了艺术与科学交汇处最迷人的领域。 本书适合对艺术史、设计原理、视觉科学以及数学美学有深度兴趣的读者。它提供了一套全新的框架，用以解析那些我们习以为常的视觉体验背后，那些严谨而优雅的自然法则。

评分☆☆☆☆☆

我通常对“卷10”这种后续作品持怀疑态度，总觉得精华在前几卷已经被榨干，后面的内容难免流于注水或重复概念。然而，《艺术与科学卷10》完全没有这种陈旧感，反而像是一个成熟思想家对自身体系的精炼与升华。它不再着重于介绍基础概念，而是大胆地提出了几个极具争议性的前沿思考。比如，关于人工智能生成艺术（AIGC）的“原创性”边界的探讨，作者没有陷入无谓的伦理争论，而是从信息熵的角度分析了算法模型的“可预测性”与“创造性”之间的张力。他提出了一个“美学复杂度阈值”的概念，用以衡量一个作品是否真正具有超越其生成工具的价值。这种深入到哲学层面的拷问，让人不得不停下来，合上书本，对着天花板冥思苦想许久。这本书迫使你走出舒适区，去面对那些尚未被科技完全定义的美学难题。它对未来艺术图景的描绘，既带着一种冷静的科学家的审慎，又闪烁着一个艺术家对未知领域的狂热好奇。

评分☆☆☆☆☆

这本《艺术与科学卷10：艺术与科学》的封面设计，光是色彩的搭配就足以让人驻足凝视许久。那种深邃的靛蓝与明亮的柠檬黄之间的强烈对比，仿佛在瞬间就将你拉入了一个充满悖论与和谐的世界。我原本以为这会是一本枯燥的理论汇编，毕竟“艺术与科学”的结合听起来总是带着一丝学院派的严肃感。然而，当我翻开第一页，那种感觉立刻烟消云散了。作者的笔触极其灵动，他没有生硬地将达芬奇的解剖学笔记与后现代主义的色彩理论硬凑在一起，而是用一种近乎散文诗的方式，探讨了“比例”在建筑、音乐乃至人类情感中的共通性。比如，他对黄金分割在巴洛克音乐结构中的应用进行了深入的剖析，那段文字读起来简直像是在欣赏一场精妙的交响乐，每一个音符、每一个结构都遵循着某种超越时代的数学逻辑，但最终呈现出来的却是纯粹的审美愉悦。这本书的厉害之处在于，它没有试图去“证明”艺术是科学，或者科学是艺术，它只是温柔地揭示了它们在底层逻辑上是如何相互映照、彼此成就的。我特别欣赏其中关于“混沌理论”在当代雕塑创作中的隐喻性运用，那真是太有启发性了，让我对那些看似随意的线条背后蕴含的精密计算有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感觉自己的思维模式发生了微妙的重构。以往在欣赏一件艺术品时，我的倾向是感性地体验其情感冲击力，但在阅读了关于“结构主义语言学”如何被应用于分析文艺复兴壁画的章节后，我开始有意识地去“拆解”作品。作者用符号学和拓扑学的工具来解读那些宗教画作中的人物站位和空间布局，揭示了其中隐藏的社会等级和权力结构。这种“冷眼”的分析，非但没有削弱艺术的美感，反而赋予了它一层更深、更坚固的意义铠甲。它告诉我，真正的“天才”并非凭空创造，而是对既有规则的精妙运用与颠覆。这本书的叙述节奏是极其精妙的，时而像一位严谨的数学家，用公式和图表推导结论；时而又像一位充满激情的历史学家，娓娓道来那些被时间磨损的技艺细节。这种双重视角，使得阅读体验丰富而不疲惫，它像一把精密的瑞士军刀，同时解锁了我们大脑中负责逻辑推理和情感共鸣的两个关键区域。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和插图选择，简直是为强迫症患者量身定做的享受。很多学术书籍常常为了节省成本或追求某种复古感而牺牲了视觉体验，但这本卷册的装帧设计显然投入了巨大的心血。每一页的留白都恰到好处，既保证了文字的呼吸感，又有效地引导了读者的视线。更令人称赞的是那些精心挑选的配图——它们不仅仅是用来佐证文字的，本身就是一种艺术表现。比如，在讨论到中世纪手稿中的微缩插画时，作者配上了一张高清晰度的显微扫描图，图中的颜料颗粒和金箔的质感仿佛触手可及，让我深刻体会到古代匠人对材料的极致敬畏。接着，这种对“微观世界”的关注，立即无缝切换到了对现代纳米材料在生物艺术装置中应用的讨论上。这种跨越千年、从微观到宏观的对照，读起来有一种强烈的史诗感。这本书的价值，我认为至少有一半体现在它构建的这种沉浸式的阅读体验上，它让你感觉自己不是在阅读文字，而是在一个精心布置的博物馆里穿行，每一步都有新的发现。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我对这种跨界融合的书籍通常抱持着一种谨慎的态度，很多时候它们只是肤浅地罗列了一些有趣的案例，缺乏真正的思想深度。但《艺术与科学卷10》彻底颠覆了我的看法。它的论证过程极其严谨，尤其是在探讨“视觉暂留”现象如何影响了早期电影摄影的叙事节奏那一章节，作者引用了大量晦涩难懂的神经学研究资料，并将其转化为普通读者可以理解的图像学语言。我记得他举了一个关于电影蒙太奇手法的例子，通过对比爱森斯坦的剪辑理论和人眼对光信号处理的生理极限，清晰地展示了技术限制是如何催生了革命性的艺术表达。这种将物理限制视为创作驱动力的视角，实在太新鲜了。这本书的行文风格非常克制，绝不使用浮夸的辞藻来煽动情绪，所有的论断都建立在坚实的基础之上，却又能在不经意间触动读者内心深处对“美”的渴望。读完后，我立刻跑去重温了几部黑白电影，发现自己看待画面运动的方式完全变了，不再只是被动地接受，而是开始主动去解码其中隐藏的数学节奏和光学把戏。