亨利·摩尔艺术全集 [The Collection of Henry Moore] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[英国] 摩尔 著，张恒 译

图书标签:

• 亨利·摩尔
• 雕塑
• 现代艺术
• 艺术史
• 英国艺术
• 艺术作品
• 绘画
• 素描
• 艺术设计
• 艺术收藏

出版社： 金城出版社

ISBN：9787802519923

版次：1

商品编码：10845762

包装：精装

外文名称：The Collection of Henry Moore

开本：16开

出版时间：2011-09-01

用纸：胶版纸

页数：267

字数：300000

正文语种：中文

内容简介

亨利·摩尔，第二次世界大战以来最响亮的艺术家名字之一。他一改传统雕塑的对象以塑造神圣的英雄、贤者、政治领袖或运动员为主之风，塑造一个既无实际目标，也不具备具体内容的形象雕塑。他成功地将人类的生活经验以艺术形式传达出来，侧重人体造形，展现深刻的人性观念。最出色的代表作有“斜倚的人体，，系列、“母与子”系列、“家庭群像”系列及“王与后”系列。

精彩书评

“摩尔是一个安静的人，话不太多，他很有才华，他的勤奋工作和对工作的长时间的专注，对我们所有的人都产生了非常大的影响，那是百分百的投入和奉献。”
--薛林纳

“他们都是艺术家--在巴黎的贾科梅蒂和在赫里福郡庄园的亨利·摩尔--他们不仅是自己作品的作者，更是自己人生的设计者。”
--希尔顿·克雷默

目录

摩尔的艺术生涯（代序）
艺术萌芽
游学时期
颇具争议
超现实主义
战争艺术家
艺术巅峰
雕塑的生命

艺术与自然：摩尔论创作
雕塑笔记
空间与形体
原始艺术
向大自然求教
创作绵羊素描

遇见雕塑大师：对话摩尔
访谈录I：大师的创作经历
访谈录Ⅱ：雕刻的生命历程
我与亨利·摩尔的回忆
摩尔作品鉴赏

超现实主义解构：摩尔艺术批评
雕刻20世纪的摩尔
站在传统艺术的尽头
摩尔和现代主义
只有雕塑还在继续
摩尔的另一面
突变基因的入侵

精彩书摘

除了在法国、意大利和西班牙有一些原始艺术珍藏品外，我对它的了解则完全来自在过去的20年内对大英博物馆的不断造访。现在博物馆已经关闭（时值第二次世界大战一编者注），人们就更加清楚地意识到暂时所失去的东西--过去艺术收藏品的丰富性和广泛性，尤其是原始雕塑，也许凭借对博物馆几个画廊的记忆，就可以解释我所坚信的原始时期的伟大意义。
我最先观看的自然是埃及诸馆，因为埃及雕塑不朽的感染力最接近于众所周知的古希腊和文艺复兴时期的理想，这是生来就有的理想。可是过了一段时间之后，这些馆的吸引力有所减弱，除了较早期的作品。我觉得许多埃及雕像过于程式化和神化，在其后期则明显趋于僵化和陈腐，对巨像有一种相当愚昧的热爱。
在埃及馆旁边的画廊里陈列着亚述人的浮雕--时事评论以及宫廷猎狮和争战的记录，但在过去则是古风时期的希腊陈列室：中央放着等身女性雕像，她们悠闲自然地端坐着，听着亨德尔的音乐，崇高而饱满；紧挨着这些雕像的是楼梯下光线暗淡的地下室里陈列着宏伟庄严的埃特鲁斯坎人的石灰石雕像--当博物馆重新开放时，这些雕像当然会得到较妥善的展示。
在楼上埃及馆的末端是苏尔人的雕塑，其中有些雕像具有一种公牛般的雄壮和被压抑的活力，这与陶器和古瓶陈列室内的大量早期的希腊和埃特鲁斯坎艺术所表现出来的生命力大不相同。在史前和石器时代陈列室内，一段铁梯将我们引入画廊的内壁，在那里有两千多年前打制的旧石器时代的雕塑品的原物和仿制品--一件可爱温柔的少女头像，只有人的拇指大，在它旁边的真人大小的女体雕塑不是对自然的模仿，她们具有丰富形式感，这与新石器艺术的更具有象征性的平面和别出心裁的图案形成了鲜明的对照。
最后是人种学馆，室内存放着具有永久价值的、各式各样的雕塑精品（黑人，大洋洲群岛、北美洲和南美洲），可是它们像是船舱里的一堆废品，被乱七八糟地堆在一起，因此在我参观了数百次之后仍可以发现我从未见过的新雕塑品。此馆内大多是黑人艺术。除了贝宁人的青铜雕之外，大多数是木雕。从原始雕塑品中我们可以清晰地看到艺术的首要原则，即忠于材料。艺术家对自己的材料以及材料的用途和诸性能有着一种本能的知解力。
……

前言/序言

《伊斯坦布尔的秘密：拜占庭帝国最后的辉煌》 作者： 艾丽西亚·冯·霍夫曼 出版社： 普罗米修斯之光出版社 页数： 680页（含大量珍贵历史照片与地图） 装帧： 精装，附赠拜占庭建筑彩绘插图集 --- 内容简介 这是一部深入剖析拜占庭帝国黄昏岁月，聚焦于其政治、文化与社会肌理的恢弘史诗。本书并非聚焦于宏大的战争叙事，而是将目光投向帝国的心脏——君士坦丁堡，试图在它最终陷落前的最后几百年间，捕捉那些被历史尘烟所掩盖的、充满张力与矛盾的日常生命。 《伊斯坦布尔的秘密：拜占庭帝国最后的辉煌》是著名拜占庭历史学家艾丽西亚·冯·霍夫曼教授历经二十年田野考察与档案挖掘的结晶。全书以时间为轴，但更侧重于空间和主题的交叉叙事，描绘了一个在外部压力和内部腐朽中挣扎，却依然散发着惊人文化生命力的伟大都城。 第一部分：黄金的衰微（11世纪末至13世纪初） 本部分着重考察“科穆宁王朝复兴”的表象之下，帝国权力结构是如何被贵族寡头和日益强大的行会所侵蚀。作者细致梳理了自科穆宁王朝晚期至拉美西斯王朝初期的金融体系变化，揭示了威尼斯和热那亚等意大利城邦如何通过不平等的贸易协定，将君士坦丁堡转化为一个名义上的帝国首都，实质上的商业飞地。 重点章节如“加拉塔的阴影”详细分析了金角湾北岸的拉丁聚居区如何成为一个事实上的“国中之国”，以及这种外部经济控制对拜占庭传统手工业和税收制度造成的不可逆转的破坏。我们跟随作者的脚步，穿梭于宏伟的圣索菲亚大教堂和拥挤的马格纽拉宫，探究皇帝的权威是如何从军事统帅转变为一个被宫廷礼仪所束缚的半宗教象征。 第二部分：拉丁帝国的遗产与帕莱奥洛戈斯家族的重塑（13世纪中叶至14世纪） 1204年的第四次十字军东征是拜占庭历史的分水岭。本书并未将重点放在十字军的暴行上，而是深入探讨了这次灾难对拜占庭社会心理结构的长久影响。作者利用新近发现的流亡贵族私人信函，重构了尼西亚帝国在流亡中如何维持其文化正统性的过程。 随后的“帕莱奥洛戈斯文艺复兴”被置于一个批判性的框架下考察。在国家财政枯竭的背景下，艺术和知识的繁荣究竟是一种文化回光返照，还是一种转移民众注意力的政治策略？书中收录了大量关于君士坦丁堡晚期艺术（如科罗内里教堂的壁画）的详细分析，揭示了此时期的艺术如何从早期拜占庭的庄严叙事转向更富有人情味和悲剧色彩的风格。我们看到了知识分子群体，如格列高利·奇奥尼亚德斯，如何试图通过引进西方科学知识来拯救一个行将崩溃的帝国。 第三部分：围城下的日常与信仰的坚守（14世纪末至1453年） 这是本书最为感人肺腑的部分。在奥斯曼帝国的重重包围下，君士坦丁堡不再是一个帝国中心，而是一个孤立的岛屿。作者细致描绘了城内不同社群（希腊贵族、热那亚定居者、以及大量涌入的周边难民）在共同的末日威胁下的微妙互动。 书中辟专章探讨了晚期拜占庭的宗教生活： 1. “最后的神秘主义”： 考察了赫西卡斯主义（Hesychasm）在帝国衰落期如何成为一种精神慰藉和政治工具，以及它与君士坦丁堡普世地位之间的纠缠。 2. 城墙内的经济： 收入来源几乎完全依赖于城市内部的交易和外国富商的施舍。作者通过分析市政记录的残片，重构了一个资源极度稀缺、物资配给严格的“围城经济”。 3. 最后的会议与绝望的联盟： 详尽分析了东西教会合并（佛罗伦萨大公会议）的政治动机和随之而来的内部分裂。许多市民宁愿接受奥斯曼的统治，也不愿放弃东正教的传统。 本书最后以对1453年5月29日清晨的细节还原达到高潮。作者摒弃了英雄式的悲壮描述，而是侧重于守城士兵、普通市民以及被围困的贵族在最后时刻的个体体验与道德抉择。 《伊斯坦布尔的秘密》是一部关于“如何失败”的深刻研究。它向读者展示了一个伟大文明在无可避免的终结面前，所能展现出的最后的光辉、智慧和人性的复杂挣扎。它不提供救赎，只提供理解。 --- 核心特色 跨学科研究方法： 结合了考古学报告、外交档案（特别是威尼斯与热那亚的商业档案）、神学辩论记录以及流亡贵族的私人信札。 空间叙事： 首次将君士坦丁堡的城市空间——从富人区的普拉蒂翁广场到贫民聚集的城墙脚下——作为分析历史进程的关键维度。 修正传统观点： 挑战了“拜占庭在1204年后彻底衰亡”的传统论断，强调了帕莱奥洛戈斯时期在文化和知识传承上的独特贡献。 丰富的视觉材料： 包含大量精选的君士坦丁堡晚期手稿插图、城市平面图的对比分析，以及对现存建筑遗迹的实地测绘图。 作者简介 艾丽西亚·冯·霍夫曼博士，当代最杰出的拜占庭史学者之一，牛津大学古典学与拜占庭研究系的荣誉教授。她的研究领域集中于拜占庭帝国的晚期社会经济史及城市文化研究。她此前出版的《帝国之血与金：查士丁尼朝的宫廷阴谋》曾获欧洲历史学金奖。她精通希腊语、拉丁语、中古土耳其语和意大利旧语，具有极强的档案挖掘能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，远超乎其作为艺术图鉴的范畴，它更像是一部关于“形式追寻”的哲学宣言。我尤其着迷于书中呈现的摩尔的抽象化过程。他不断地从自然界中抽取元素——骨骼的弧度、海螺的螺旋、风化岩石的轮廓——然后用他自己独特的方式进行重构。阅读这本书时，我时常会暂停下来，合上书本，试着用自己的双手去想象那些曲线和体积在三维空间中交织的感觉。图集中那些黑白照片与彩色照片的交替使用也非常有策略性，早期的作品倾向于使用对比强烈的黑白影调来强调其原始的雕塑感，而晚期色彩丰富的青铜和石头作品则用彩色照片来展现其在特定光照下的温暖与厚重。这本书的编辑团队无疑对摩尔的创作脉络有着深刻的洞察力，他们没有简单地按年代罗列，而是通过主题和材料的关联性，编织出一条清晰的艺术进化线索。它不仅让你看到了摩尔的作品，更让你“读懂”了他思考世界的方式。这对于任何希望将艺术融入自身生活感悟的人来说，都是一次深刻的洗礼。

评分☆☆☆☆☆

这本《亨利·摩尔艺术全集》简直是雕塑爱好者们的圣经！我刚翻开它，就被那种扑面而来的力量感和宁静感所震撼。摩尔的作品，那种对人体形态的抽象与提炼，与自然界中的岩石、骨骼、大地之间的对话，在这里展现得淋漓尽致。书中收录的那些巨大的青铜雕塑的图片，色彩的层次感和光影的变化处理得极其专业，即使隔着纸页，也能感受到原作那种粗粝而又温润的质地。我特别喜欢其中关于摩尔早期木雕和石雕的记录，那些作品还带着浓郁的原始部落艺术的影子，线条虽然简单，但蕴含着一种深沉的生命力。编者对每一件作品的背景介绍也十分到位，不仅有创作年代、材质的标注，更有对当时艺术思潮的精准把握，让人明白摩尔是如何在现代主义的浪潮中，坚持走出一条属于自己的、根植于土地的道路。这本书的装帧也看得出是用心制作的，纸张厚实，印刷精美，完全配得上这位20世纪最伟大的雕塑家之一的地位。对于任何想深入了解摩尔如何将“人”与“自然”进行哲学性融合的读者来说，这本书是不可或缺的宝藏。它不仅仅是一本画册，更是一部视觉的编年史，记录了一位大师毕生的探索与沉思。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对这种“全集”性质的书持保留态度，总觉得它们常常是面面俱到却缺乏深度的堆砌。然而，《亨利·摩尔艺术全集》彻底颠覆了我的看法。它最令人称道的一点，是对摩尔不同创作阶段的策展逻辑处理得非常巧妙。比如，书中将“躺着的女人”系列按时间顺序排列，我们可以清晰地看到他对“形式与空间”的理解是如何随着时间推移而不断深化和演变的。从早期的坚实、封闭的形态，逐渐过渡到后期那种洞穿、开放的结构，仿佛艺术家在不断地剥离表象，直抵生命的本质。图片质量高得惊人，那些大型户外作品在不同光线下拍摄的照片，完美捕捉了光影在曲面上流动的动态美感，这对于研究光线如何塑造雕塑体积感的学生来说，简直是无价之宝。更值得一提的是，书后附录中收录的摩尔的一些访谈片段和素描草图，那些手稿的线条充满了力量和不确定性，展示了创作过程中的挣扎与灵感闪现，这比单纯欣赏成品更有启发性。它迫使你去思考，一个成功的雕塑家，其脑海中的“三维空间”是如何被构建起来的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，与其说是在看书，不如说是在进行一次沉浸式的博物馆之旅。我特别欣赏它在编排上对“环境语境”的强调。摩尔的作品是为空间而生的，它们与它们所处的自然环境、建筑环境是共生的。书中不仅有工作室内的特写镜头，更有大量作品被安放在田野、广场、或是特定建筑背景下的全景照片。这种对比极大地帮助读者理解摩尔的艺术意图：他的雕塑不是孤立的物体，而是与周围世界进行对话的媒介。你看到那些巨大的、光滑的石头作品被放置在粗粝的草地上，那种材质上的反差和形态上的和谐，简直令人屏住呼吸。我发现，只有在看到它们“在场”的状态时，才能真正体会到它们在空间中占据的份量和投射出的情感。这本书的排版设计也极具现代感，留白恰到好处，既突出了作品本身，又没有让版面显得空洞。它成功地将摩尔作品中那种“纪念碑性”与“亲密感”的微妙平衡，通过纸张和墨水传递了出来。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对现代雕塑史稍有涉猎的人，我必须承认，市面上关于摩尔的画册很多，但很少有能做到像《亨利·摩尔艺术全集》这样，在学术深度和视觉冲击力之间找到如此完美的平衡。这本书的重量感是实打实的，拿在手里沉甸甸的，仿佛握住了某种厚重的历史感。它不仅收录了那些耳熟能详的经典，比如“母与子”系列中的各种变奏，更挖掘了不少鲜为人知或早期实验性的作品。特别是关于他如何从具象逐渐提炼出“空洞”的运用，书中用大篇幅对比了不同时期作品中“负空间”的处理方式，这对于理解摩尔的突破性贡献至关重要。负空间在他手中，不再是雕塑的“缺失”，而是作品本身不可分割的一部分，它吸纳了光线、时间与环境。这本书的图片解析非常到位，很多特写镜头能让你看到雕塑表面的肌理——那些被风霜侵蚀的痕迹，或是铸造时留下的细微纹路，这些细节是坐在电脑前看高清电子版图片时绝对无法体会的。它让你感受到雕塑家与材料之间那种真诚而艰苦的搏斗。

评分☆☆☆☆☆

还买了同一系列的《罗丹艺术全集》同样上当。希望大家擦亮眼睛啊

评分☆☆☆☆☆

还买了同一系列的《罗丹艺术全集》同样上当。希望大家擦亮眼睛啊

评分☆☆☆☆☆

书的设计好看，内容作者写的丰富充实，很喜欢很有用，质量很好，很满意以造型基础教学的基本思路和教学目标指导广大读者如何提高造型基础的能力，并展示了大量优秀造型基础的形态作品。中央美术学院设计学院的新生在考上中央美院之前所接受的素描教育，大都是一种应试式的写实素描，而实际上这种考前素描教育有诸多弊端，如概念，空洞、麻木、苍白，言之无物，毛病百出。有时过多地注意所谓素描技巧，反倒会对现实熟视无睹，从而造成大量的素描浪费，所获颇少。在几乎整个素描教学的历史中，把素描作为绘画艺术的基础，并由此确立的一整套“放之四海而皆准”的客观规范，这种建立在客观主义之上的素描体系，其目的只是指向对事物对象的准确的模仿。而水平低下的素描方法也难以达到准确，只会落入僵化死板的素描模式中。这种仅重视素描技法的学习，很少涉及灵感和感受问题。传统程序化的素描步骤也导致了对物象的熟视无睹，缺乏表现的激情和欲望，忽略了创造性的体验和领会，仅仅重视对表象事实的描述与再现，致使技巧方法抑制了对创造能力的挖掘。 在我看来，这句话和‘人有多大胆，地有多大产’是一路的。如果是教师之外的人这样说的，那他就是在恶意地欺负人，把教师往绝路上逼；如果教师自己这样说，那他不是幼稚就是自大狂，迟早要碰个头破血流。我曾经属于后一类。那时，我处于极度危险的境地。”看薛老师这些话，你能觉得这是一个真实的老师，她说的话就象是邻居唠家常那样真诚自然。对于书中她大胆、直率的言辞，我很钦佩，不是每个人都有这种胆识、思维的。她能把一件看似简单惯常的事情剖析提头头是道，透过了表象看到了它的内在根源。她有勇气把一些不同与大家都说的话写在纸上，让别人看，虽然多数人心理或许也如她所想。但凭这一点儿，就让人佩服至极。比如，她对“老师象蜡烛、春蚕”，“没有教不好的学生，只有教不好的老师”这些话的评析，一针见血，道出了我们老师的共同心声。之所以造就了她感说真话，敢于抵制一切不利于学生成长和进步的制度。因为薛老师的人生信念就是：缺乏真诚、理性和趣味的日子是不值得过的。教育教学中有了平衡愉悦的心态，正确的定位和良好的策略，才能在饱满热情中，在正确策略中扶植学生向上。 薛老师在自序中写道，“我是特意捕捉了清风、乐声和野芳，录在这里，专门用于鼓励自己，就算是不定期地给自己献一小朵小花吧——真诚美丽的文字，正是心灵开出的花朵。”又一次阐述了她的人生信念——-真诚。读了全书，给我最深刻的感受也是她的真诚，我看到了一个真实的人，一个真诚的老师。当学生的时候，老师是权威，跟老师的交往总是处于向上看的状态，学生是一定要小心翼翼的，多数情况还是听老师说的多，自己发表意见少。现在当了家长，为了孩子跟老师也没少打交道，但是一直觉得自己好多真实的想法不敢说，老师呢，说出来的也有一些让人觉得是官话套话。看了这本书，我想我们也许都错了，老师跟学生、老师跟家长，平等地真诚的交流其实并不难。工作是艰辛——往往也是孤独的。可是，于飞尘的间隙也有清风，于喧嚷的中间也有乐声，于荆棘的丛中也有野芳。我是特意捕捉了清风、乐声和野芳，录在这里，专门用于鼓励自己，就算是不定期地给自己献一朵小花吧——真诚美丽的文字，正是心灵开出的花朵。也有沉重和迷惘。但我的文字，往往略掉了疲惫、沮丧和困苦——无涉乎诚实、全面与否，这是我的选择——有意的，我将目光投在了值得的地方，心得体会封面设计一般包括书名、编著者名、出版社名等文字，以及体现书的内容、性质、体裁的装饰形象、色彩和构图。流行的形式、常用的手法、俗套的语言要尽可能避开不用；熟悉的构思方法，常见的构图，习惯性的技巧，封面设计包括书名，编著者名，出版社名等文字和装饰形象，色彩及构图。题目用大号字，由强烈的色彩区域，文字与背景之间，文字的大小，位置都搭配的比较合理。封面的题目也十分的醒目，而封面的图案也充满了动态的感觉，图案大小和位置也恰到好处。使空间的静止状态变的活跃。充分的吸引了人们的视觉，给人一种强烈的视觉冲击。给读者印象深刻。主次分明的搭配也表现着本书大体内容，让读者由一个直观和清晰的认知。同时也韵味十足。其次是封面设计的造型。造型要带有明显的阅读者的年龄，文化层次等得特征。该书就是面对中青年到老年人的读物，形象由具象渐渐转向于抽象，构图也是很严肃庄重。再次就是封面的设计色彩，该书用红 白 黑 浅绿 ，沉重和谐的色彩很适合中老年人的读物。色彩表现和艺术处理，能在读者的视觉中产生夺目的效果。色彩的运用要考虑内容的需要，用不同色彩对比的效果来表达不同的内容和思想。在对比中求统一协调，以间色互相配置为宜，使对比色统一于协调之中。色彩配置上除了协调外，还要注意色彩的对比关系，包括色相、纯度、明度对比。封面上没有色相冷暖对比

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膜拜大师！摩尔以创作大型抽象雕塑而著名，这些公共艺术作品遍布世界各地。人体形象，特别是“母与子”或“斜倚的人形”是摩尔的创作中最常见的主题。除去在1950年代中短期地采用过家庭群组形象，他作品的主题大多是女性形象。摩尔作品的最大特点是通常都包含孔洞或主体被穿透。而其起伏的曲线外形，被很多人认为是摩尔受到他的出生地约克郡起伏的山丘地形的启发。摩尔的侄女曾经问他为什么他作品的名称都很简单，摩尔的回答是：所有艺术都应该有神秘感并需要观众的参与。如果给雕塑或绘画以显白的名称，那么神秘感就无从谈起了，观众的注意就会轻易的移开，而不会费力捉摸作品的内涵。人们都觉得他/她在观看，其实并没有真正地观看。带空洞、斜倚的人物造型是最典型的摩尔的雕塑样式。这种造型被认为是他受到1925年在巴黎看到的一个名叫"Chac Mool"的托尔特克-玛雅雕塑的启发发展而来的。摩尔早期作品上的空洞通常采用比较传统的形式，如弯曲的手臂状与主体相连。后来，逐渐演变成为主体躯干上的空洞，因此造成主体凹凸或弯曲的外形。同时期的芭芭拉·赫普沃斯的作品也发展了类似的风格, 她最初也是受到摩尔作品的影响。由于承接了众多的大尺寸委托创作，摩尔在晚年相当富有。不过，摩尔仍保持简朴的生活。他的大部分财富都由亨利·摩尔基金会继承，用于支持艺术教育和推广。摩尔的早期作品通常是直接雕凿的手法创作的[1]。1930年代，摩尔逐渐转向现代主义风格。他与其他几位居住在Hampstead的雕塑家交流频繁，风格上彼此互相影响。 在创作过程中，摩尔通常会作大量的草图。这些草图大多留存下来，为研究摩尔创作的演变提供了直接的资料。1940年代，摩尔更多的使用模型法进行创作，先用粘土或石膏造型，再用脱蜡法浇铸铜雕。二战以后，摩尔的铜雕都是受委托创作、作为公共艺术品的大型作品。因此，他基本上放弃了直接雕凿的创作手法，而改用模型，并雇用了几名助手。在他位于Much Hadham的家中，摩尔收集了大量形状各异的自然物体：头骨，漂流木，卵石，贝壳等等。摩尔在这些物体中寻找对于自然形体的灵感。对于大型作品，他通常会在最终制模浇铸前，制作半尺寸的试验模型。有时，会制作全尺寸的石膏模型，以便对外形作最后的改进和添加表面印痕。

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