中小学美术教学设计与研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李白玲，冯红梅，张宏 著

图书标签:

• 美术教学
• 中学美术
• 小学美术
• 教学设计
• 教育研究
• 课程设计
• 美术教育
• 教学方法
• 课堂教学
• 教育教学

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040410815

版次：1

商品编码：11656139

包装：平装

开本：16开

出版时间：2014-12-01

用纸：胶版纸

页数：239

正文语种：中文

内容简介

　　《中小学美术教学设计与研究》一书依据教育部2012年《全国中小学教师“国培计划”美术课程标准》，针对美术教学设计中的教学目标设计、教学导入设计、教学提问设计、跨学科设计及美术教学课件（多媒体辅助教学）制作等进行了探讨。《中小学美术教学设计与研究》特别针对中国中小学美术教学设计的现状，收集了大量中小学美术教学的优秀案例，可供美术教育专业的学生及中小学美术教师借鉴。
　　《中小学美术教学设计与研究》既可作为美术教育专业学生的教材使用，也可用于中小学美术教师的培训，书中的教学案例也可用于面向社会的美术知识普及教育，有利于提高国民的审美素质。。

目录

上篇 中小学美术教学设计理论
第一章 中小学美术教学设计概述
第一节 教学设计的概念
第二节 中小学美术教学设计的任务
第三节 我国中小学美术教学设计的发展与展望
第二章 中小学美术教材阅读
第一节 美术教材的处理
第二节 美术教材课题的分类与核心信息提取
第三节 教学“点”的提取与利用
第三章 中小学美术教学目标设计
第一节 中小学美术教学中的目标设计与达成
第二节 美术教学目标设计细则实施的意义
第三节 中小学美术教学目标设计举例
第四章 中小学美术教学导课设计
第一节 中小学美术教学中的“导入”
第二节 “导入”的问题与对策
第三节 “导入”设计要点
第五章 中小学美术教学中的提问设计
第一节 开放式提问
第二节 封闭式提问
第三节 中小学美术教学中提问的作用
第六章 中小学美术教学中的情境创设
第一节 关于美术教学的情境创设
第二节 美术课堂教学情境创设的原则
第三节 中小学美术教学情境创设举例
第七章 中小学美术教学中的跨学科设计
第一节 我国中小学美术教学中的跨学科设计现状
第二节 中小学美术教学中的跨学科设计
第八章 中小学美术教学设计中的创造性思维
第一节 创造性思维
第二节 中小学美术课程与创造性思维
第九章 中小学美术教学中的地方资源利用
第一节 中小学美术教材
第二节 中小学美术校本教材开发现状
第三节 霓南义校美术校本教材开发
第十章 中小学美术教学课件制作艺术
第一节 多媒体教育技术辅助教学的产生
第二节 中小学美术课件制作软件及其应用
第三节 多媒体辅助美术课堂教学的有效性
第十一章 中小学美术教学备课艺术——以“朝圣敦煌”为例
第一节 “朝圣敦煌”的选题理由
第二节 敦煌考察与调研
第三节 “朝圣敦煌”的教学设计

下篇 中小学美术教学设计案例
教学案例1：百老汇的爵士乐
教学案例2：夜宴——《韩熙载夜宴图》赏析
教学案例3：父亲
教学案例4：不到园林怎知春色如许——漫步中外园林艺术
教学案例5：发现与创造——材料的魅力
教学案例6：看画展
教学案例7：神秘的古代巴人
教学案例8：生命的舞者
教学案例9：她们——中国女画家的关注
教学案例10：麦田上的人——梵高作品赏析
教学案例11：珍爱国宝——秦始皇陵兵马俑
教学案例12：风的魅力——风与竹
教学案例13：想象未来
教学案例14：三足鼎立的美术
教学案例15：温州瓯塑渔民画
教学案例16：美术是个大家族——梁枋彩画
教学案例17：朝圣敦煌
参考书目

中国古代服饰文化探析：从历史脉络到审美变迁 图书简介 本书旨在深入剖析中国古代服饰文化的演变历程、社会功能、审美特征及其在不同历史时期的具体体现。我们不仅关注服饰的物质形态——材质、色彩、纹样、结构，更着重探讨服饰背后所蕴含的哲学思想、礼制规范、民族融合与时代精神。本书突破了传统服饰史的简单编年叙述，力求构建一个多维度、立体化的服饰文化研究体系。 --- 第一部分：服饰的源起与早期形态（史前至秦汉） 第一章：文明的曙光：史前服饰的物质基础与原始形态 本章追溯服饰在中华大地上萌芽的源头。重点探讨新石器时代，如仰韶文化、河姆渡文化遗址中发现的纺织工具和服饰残片，分析早期人类如何利用天然材料（麻、葛、皮毛）制作遮蔽物。研究内容涵盖了氏族社会中服饰的简单功能性（保暖、防护）与早期社会分化的初步迹象，例如不同地域对色彩和简单装饰的偏好。讨论陶器纹饰中对服饰图案的间接印证，初步勾勒出早期服饰的原始审美观。 第二章：礼乐初成：先秦时期服饰的礼制化构建 进入夏商周，服饰开始与政治、宗教、等级制度紧密结合。本章详细考察了“衣冠上国，礼仪之邦”的物质载体。重点分析周代“冕服”制度的确立及其严苛的等级划分，阐释“垂衣裳而天下治”的政治哲学。对不同阶层（天子、诸侯、士大夫、庶民）的服饰形制、冠冕制度、玉佩佩戴规则进行细致辨析。此外，还探讨了春秋战国时期，诸侯争霸背景下，地域性服饰风格的兴起与文化交流对服饰形制的影响。 第三章：大一统下的融合与定型：秦汉服饰的制度化 秦汉帝国建立，服饰制度达到空前的统一与规范化。本章聚焦于秦朝的“尚黑”文化，及其对冠服体系的影响。随后深入研究汉代的服饰体系，特别是“深衣”的流行与儒家思想的渗透。详细介绍汉代官服（如朝服、公服）的色彩等级（如“褒衣博带”）和纹饰规定，以及女性服饰（如“曲裾”、“直裾”的演变）。同时，关注丝绸之路开辟后，异域服饰元素（如西域的胡服）对汉代服饰的冲击与吸收，展现了早期中华服饰的包容性。 --- 第二部分：多元的交融与风格的成熟（魏晋南北朝至宋代） 第四章：飘逸与疏狂：魏晋风度与服饰的审美解放 魏晋南北朝是中国思想文化剧烈变动的时期，服饰审美也随之发生深刻变化。本章探讨玄学思潮对服饰的影响，表现为对自然、洒脱的追求。重点剖析“褒衣博带”在这一时期的极致化，展现士人阶层如何通过服装表达对僵化礼教的反叛。同时，分析北方少数民族（如鲜卑）的服饰文化与汉族服饰的碰撞、融合，如窄袖、裤装的普及，为后世服饰的实用化奠定了基础。 第五章：盛世气象：隋唐服饰的恢弘与开放 唐代是中国古代服饰文化最为辉煌灿烂的时期之一。本章从社会结构、经济繁荣、文化开放的宏观背景切入，研究唐代服饰的雍容华贵和国际化特征。重点分析“圆领袍衫”作为常服的普及，以及“襦裙”在盛唐时期高腰、坦领的审美趋势。对“胡服”在唐代宫廷和民间的接受程度进行考察。此外，还系统梳理了唐代女性服饰中对色彩运用的大胆创新（如“石榴裙”）以及复杂的头饰、妆容与服饰的整体搭配艺术。 第六章：内敛与理性：宋代服饰的文人化倾向 宋代审美转向内敛、精致、理性的方向。本章分析宋代理学对服饰风格的影响，表现为对繁复装饰的简化和对线条、质感的追求。重点研究宋代士大夫的“褙子”、“直裰”等代表性服饰，探讨其如何体现文人的清雅与节制。在女性服饰方面，分析宋代服饰在色彩运用上的含蓄（如偏爱素色、淡雅色调）以及“抹胸”等配件的流行。同时，关注宋代服饰工艺（如织锦技术）的发展及其在服饰中的应用。 --- 第三部分：集大成与高峰（元、明、清） 第七章：游牧文明的印记：元代服饰的过渡性特征 元朝的建立，标志着蒙古族服饰文化对汉地服饰的又一次大规模介入。本章聚焦于元代服饰的兼收并蓄。研究蒙古族的传统服饰（如“质孙服”）在宫廷中的地位，以及汉族官服在一定程度上的继承与变异。探讨元代服饰在实用性、保暖性方面的改进，并分析这一时期的服饰文化在风格上对明初的影响，具有承上启下的过渡色彩。 第八章：集古之大成：明代服饰的制度复兴与创新 明代是中国传统服饰体系的最后一次高峰。本章着重分析明太祖恢复汉唐衣冠制度的努力，以及在此基础上产生的明代独特服饰风格。细致考察明代官服（如“补子”制度的成熟与普及，区分文武百官的纹样），以及常服、家居服的变化。对女性服饰，深入研究“袄裙”、“比甲”的形制，特别是“立领”的出现及其对后世服饰的深远影响。此外，本书还将探讨明代织绣工艺的巅峰成就及其在服饰上的极致体现。 第九章：满汉融合下的革新与终结：清代服饰的巨变 清代服饰是中西方服饰文化碰撞的产物，也是中国传统服饰体系的终结。本章详述清代“剃发易服”政策对服饰文化带来的剧变，重点分析满族服饰（如马蹄袖、马褂）对传统汉族服饰的全面覆盖与改造。系统研究清代宫廷服饰（如朝袍、吉服）的等级制度，特别是其精美的刺绣工艺与色彩运用。最后，探讨晚清时期，西风东渐对传统服饰（尤其是常服与军装）产生的初步影响，为近代服饰的转型埋下伏笔。 --- 第四部分：服饰背后的文化密码 第十章：纹样中的语言：古代服饰的象征意义 本章从符号学的角度解读古代服饰上的纹样。详细分析龙凤、祥云、海水江崖、四时花卉等典型纹样的哲学寓意和礼制内涵。研究纹样如何作为一种无声的语言，直观地传达穿着者的身份、社会地位、道德期许及美好愿望。 第十一章：色彩的秩序：古代服饰的五行与礼仪规范 探讨中国古代服饰色彩的哲学基础，特别是“五行学说”在色彩选择上的体现（如王朝的尚色）。分析不同色彩在不同场合（祭祀、朝会、婚丧）中的严格使用规范，揭示色彩在维护社会秩序中的核心作用。 第十二章：工艺的巅峰：纺织技术与服饰的物质文化 本书最后一部分将技术与艺术相结合，展示古代纺织技术的发展如何推动服饰审美的进步。内容涵盖丝绸的缫制、染色技术（如草木染的复杂工艺）、以及织造技艺（如缂丝、刺绣）的精湛成就，展示古代工匠在面料处理和服装结构上的非凡智慧。 --- 结语：穿越时空的回响 总结中国古代服饰文化作为一种综合艺术形态，在材质、结构、符号学上的独特地位，展望其对当代设计理念的启示与价值。 --- 适用读者： 历史学、艺术史、服装设计、民俗学等相关领域的专业人士、学生，以及对中国传统文化和古代服饰美学有浓厚兴趣的普通读者。本书资料翔实，分析深入，旨在提供一部全面而富有洞察力的中国古代服饰文化通史。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是其丰富的、具有极强地域文化特色的案例支持。它显然不是闭门造车式的理论构建，而是建立在大量一线实践和深入的文化田野调查之上的。例如，书中收录的几组关于“非物质文化遗产在中小学美术课堂的活化应用”的课题研究，简直是宝藏级别的资料。作者没有仅仅停留在介绍传统手工艺的知识点上，而是深入挖掘了背后的文化符号、传承人的技艺心法，并设计出了一套完整的、可以被现有课程体系“嵌套”的教学流程。我曾尝试依照书中关于某少数民族纹样设计的思路，为我的学生引入了当地的植物群落作为创作母题，结果发现，学生们对于本土文化的认同感和创作的投入度，远超以往任何一个主题。这种将深厚的学术研究与鲜活的乡土教育资源紧密结合的方式，让美术课真正走出了画室，走进了生活、走进了文化传承的现场，这对于提升美术教育的文化担当和社会意义，具有不可估量的价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的体量虽然可观，但阅读体验却异常的轻松愉悦，这得益于作者对结构层次的精妙把控。全书的章节安排如同精心绘制的工笔画，层层递进，丝毫不显杂乱。我关注到书中对“数字化工具在传统美术教学中的整合”这一前沿课题给予了相当篇幅的论述。这部分内容极其与时俱进，它并没有鼓吹盲目使用新技术，而是审慎地探讨了平板绘画、三维建模软件等工具如何辅助深化传统素点的学习，例如，如何利用数字调色盘来直观理解色彩理论的渐变和叠加规律，如何通过建模软件来预演复杂雕塑的内部结构。作者的论述充满了智慧的平衡感，既肯定了数字化的效率，又坚守了手脑并用、材料肌理体验在艺术启蒙中的不可替代性。这种“古为今用，洋为中用”的开放心态，使得整本书读起来毫无陈旧之感，反而充满了对未来美术教育的积极憧憬和切实可行的探索路径。

评分☆☆☆☆☆

作为一名多年从事艺术教育的教研员，我对于教学研究类书籍的筛选一直非常挑剔，因为很多教材往往停留在“概念堆砌”的层面，缺乏对现实课堂困境的有效回应。然而，这本书的系列“疑难解析与应对”模块，却精准地命中了我们日常教研中的痛点。例如，针对“如何评估抽象艺术作品的教学效果”这一难题，书中没有给出标准化的量表，而是提供了一套基于“过程性评价”的多元化观察视角，强调对学生创作动机、材料探索过程的记录与反馈，这种细腻入微的视角转换，极大地解放了传统评价体系的束缚。我尤其欣赏其中对“跨学科融合”的探讨，它不仅仅是简单地将美术与其他科目并列，而是深入剖析了如何在具体的项目式学习中，让美术元素成为连接科学原理、历史背景的视觉桥梁。读完这部分内容，我立刻着手调整了下一学期的校本课程设计，试图将书中提及的“结构与形态的数学美学联系”融入到我们的几何造型教学中去，非常期待实际的反馈效果。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种沉稳又不失活泼的色彩搭配，恰到好处地传达了艺术教育的专业性和亲和力。初翻阅时，我立刻被那些精心排版的案例所吸引。书中对于不同学段的教学目标设定，简直是教科书级别的示范，清晰地勾勒出学生从认知萌芽到初步创新的完整路径。特别是关于“艺术语言的感知与表达”这一章节，作者并没有停留在空泛的理论说辞上，而是通过一系列具体的课堂活动设计，展示了如何引导孩子们去触摸、去感受线条的粗细、色彩的冷暖，以及造型的空间关系。我特别欣赏其中一个关于低年级“自然物造型”的单元，它不仅仅是教孩子做手工，更是引导他们去观察自然界的形态美，这对于培养他们对生活细致入微的观察力，有着潜移默化的积极作用。而且，全书的文字流畅、逻辑严密，即便是初入行的年轻教师，也能从中找到清晰的实践指导方向，而不是一堆晦涩难懂的术语。这种将理论深度与操作可行性完美结合的编排思路，使得这本书在众多教学参考资料中脱颖而出，成为我案头常备的宝典。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字功底扎实得让人佩服，它摒弃了那种枯燥的说教腔调，转而采用了一种更具对话感的叙事方式，仿佛一位经验丰富的老教授正在与你促膝长谈，娓娓道来教学中的那些“痛点”与“妙招”。我记得有一次，我在教高年级的学生进行“版画基础”单元时，总觉得学生的成品缺乏个性和深度，总是在模仿而非创造。偶然间翻到书中关于“如何激发中学生主体性创作的策略”那部分内容，作者提出的“从个人经验出发的图像转化”的思路，一下子为我打开了一扇窗。书中详细解析了如何引导学生从自己的日记、旅行见闻中提炼元素，并运用基础的复刻、拓印等技法进行转译。这种强调“个人叙事”的教学理念，极大地激发了学生参与的热情，课堂气氛也变得前所未有的活跃。这本书的价值不仅在于提供了“怎么教”，更在于深刻探讨了“为什么这么教”背后的教育哲学，让人在提升教学技能的同时，也获得了精神上的滋养和对艺术教育使命的再确认。