牛津简明艺术术语词典（第二版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[英] 迈克尔·克拉克 著，王方 译

图书标签:

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• 绘画
• 雕塑
• 建筑

出版社： 人民美术出版社

ISBN：9787102070810

版次：2

商品编码：11674534

包装：平装

开本：32开

出版时间：2015-01-01

用纸：胶版纸

页数：360

正文语种：中文，英文

内容简介

　　《牛津简明艺术术语词典（第二版）》的这个新版本经过完全的修订与更新，所包含的词条广泛涵盖了视觉艺术世界的方方面面——从材料与技法到重要的风格与时代对于艺术学科的学生、美术馆的常客以及任何对视觉艺术看兴趣的读者来说，这都是一本有用而易读的参考书。

作者简介

　　迈克尔·克拉克（MichaelClarke），任苏格兰国立美术馆馆长。他的著作包括《迷人之景：英国水彩画社会史》(The Tempting Prospecr:A Social History of English Watercolours)和《柯罗与风景画艺术》(Corot and the Art of Londscope)(均由大英博物馆出版社出版)。
　　
　　王方，曾就读于首都师范大学美术系、列宾美术学院古画修复专业，获硕士学位，从事油画、壁画等文物修复工作以及相关著作的翻译工作。

精彩书摘

　　《牛津简明艺术术语词典（第二版）》：
　　装饰艺术的特色造型为几何形的或程式化的，衍生自新艺术运动的现代主义造型。这种风格可见于勒内拉利克和多姆弗雷尔的玻璃艺术品、格奥尔延森的银器、克拉丽斯克利夫和苏西库珀的陶瓷。这种风格的元素包括明亮的色彩、太阳辐射图形和埃及式母题，可以在许多大批量生产的物品、家具、收音机和陶瓷以及电影院之类的建筑中看到这些元素。
　　ArtePovera贫困艺术：1967年由杰尔马诺切兰特所创的术语，“贫穷”或“贫困”的艺术品是以日用材料如水泥、树枝或报纸等制成，以刻意形成与石头或金属等传统雕塑材料的对比。其通常带有的隐喻取自自然、历史或当代生活。贫困艺术是20世纪60年代晚期和20世纪70年代的艺术现象，主要设计米凯兰杰洛皮斯托莱托和朱利奥保利尼等艺术家，不过它也可以准确地用于约瑟夫博伊于斯等意大利以外的人物。
　　“为艺术而艺术”：这个概念源于19世纪早期的法国文学圈，在马奈和他的小圈子的讨论中被转用于艺术批评。1868年在英国第一次见于出版物，并开始与唯美主义运动以及“艺术品的形式品质比它的题材更重要”的信条相联系。
　　arthistory艺术史：一个学科，顾名思义，涉及从古至今艺术各种表现形式的历史研究。可以上溯到公元1世纪在老普林尼的著作中找到其根源，他在《博物志》中叙述了古希腊（见“古希腊艺术”雕塑和绘画的演变。在文艺复兴时期，意大利艺术家乔治瓦萨里在他著名的《艺苑名人传》（1550）中为文艺复兴从兴起到盛期的意大利艺术家作了编年史。他这种基本上为传记体的方式在十六七世纪的意大利和北欧为许多作家所追随。艺术史真正植根于西方思想与文化是在19世纪，特别是在德语国家，许多大学设立了艺术史的教授职位。许多重要的公共博物馆和美术馆也大约成立于这个时期。进一步的智性动力出现于20世纪30年代前后，其原因却是不幸的——在纳粹政权的迫害下，许多德国和中欧的犹太知识分子被迫离散。在许多无意的受益者中就有伦敦大学（拥有各个专业分工的艺术史研究所）和普林斯顿大学。在艺术史的现代核心概念中存在着一个明显的矛盾，那就是，研究基于客观对象，而主观愿望却要在尽可能的程度上赋予题材以智性的崇高与微妙。特别是从第二次世界大战以后，这种愿望导致了艺术史与社会科学史、马克思主义、构成主义、女性主义、符号学等学说的某些方面越来越疯狂的混合，而且在最糟糕的情况下导致了一套几乎无法破解的行业术语，它们不但没有澄清反而更混淆了人们对视觉艺术的理解和欣赏。
　　Artinformel不定形艺术：此术语由法国批评家米歇尔塔皮耶在创造于1952年。巴黎的非定型艺术相当于抽象表现主义，比起支配着巴黎画派绘画的立体主义传统来，它更加强调直觉和自发性。皮埃尔苏拉热之类的不定形艺术家，拒绝几何抽象主义的秩序和结构而偏爱于更少理性的方式。
　　artists'sbook艺术家之书：在20世纪60年代晚期和整个20世纪70年代，艺术家经常转向书籍，认为这种形式适合表达对单件绘画或雕塑来说过于复杂的理念。戴安娜范德利普被认为这一术语的创造者，她在1967年于费城莫尔艺术学院组织了”艺术书“展览。这次展览是国际性的，包括了主要当代艺术家的作品。参展书籍可以呈现为立体书那样的雕塑形式，也可以使对于书籍自身本质的研究。
　　ArtNouveau新艺术运动：一种发源于19世纪80年代的风格，持续到1914年第一次世界大战爆发，包括装饰艺术，设计和建筑。其特点是使用流利而富于表现力的线条和鞭索曲线、花卉和叶片的母题以及有着波浪状长发的女性形象。这个风格是在英国从工艺美术运动发展而来的，但所受到的影响也包括日本艺术、罗可可风格和凯尔特艺术。它迅速地从英国蔓延到了整个欧洲和北美。设计作品可见于杂志《工作室》和《青年》、大型国际展览（如1900年巴黎大型国际展览）和百货商店（如伦敦的利伯蒂百货商店）。这种风格得名于西格弗里德宾1895年开设于巴黎的一家商店新艺术商店，不过在意大利它被称为利伯蒂风格，在德国和斯堪的纳维亚地区则被称为青年风格。新艺术运动在整个欧洲都可以见到，比如安东尼奥高迪在巴塞罗那的建筑、维克托奥尔塔在布鲁塞尔的建筑、亨利范德费尔德的室内设计、路易斯康福特蒂法尼和埃米尔加莱的玻璃工艺、勒内拉利克的首饰、奥布里比亚兹莱的素描和阿方斯穆哈的海报。在苏格兰，查尔斯·伦尼麦金托什在他的建筑和家具设计中发展出成一种更富于直线的形式，它影响了维也纳分离派的艺术家并为20世纪进步的工业设计开辟了道路。
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前言/序言

艺术史中的探险：一本关于西方艺术的深度导览 书籍名称： 《艺术之源：从古典到现代的视觉之旅》 内容简介： 导言：凝视与理解——艺术作为人类文明的镜鉴 本书旨在为读者提供一个全面而深入的框架，用以理解西方艺术史发展的脉络、关键概念、核心流派及其背后的文化语境。我们不满足于简单地罗列艺术家和作品的名称，而是致力于揭示艺术如何作为一种有力的语言，记录、批判并重塑着人类的认知、信仰与社会结构。本书将引导读者穿越时空，从地中海文明的曙光，抵达当代艺术的多元语境，探寻视觉形式与思想内核之间的复杂互动。 第一部分：奠基的时代——古典、中世纪与文艺复兴的光影 本部分聚焦于西方艺术的源头与形态的奠基阶段。 第一章：古希腊与古罗马：形式的理想与帝国的荣耀 我们将详细考察古希腊雕塑艺术（如“黄金比例”的追求、古典时期的理想化人体表现）和建筑（如多立克、爱奥尼、科林斯柱式的演变及其象征意义）。随后，转向古罗马，重点分析其工程技术（如万神殿的穹顶结构）和肖像艺术（强调写实性与政治宣传功能）的独特贡献。理解这一时期艺术如何确立了西方对“美”和“再现”的初始定义至关重要。 第二章：信仰的疆域：拜占庭与中世纪的象征世界 进入中世纪，艺术的中心议题转向了神性。本章分析拜占庭镶嵌画的平面化、程式化的表现手法如何服务于宗教教义。随后，深入探究罗马式和哥特式建筑的结构创新（如飞扶壁的引入）和光影运用（彩色玻璃的作用）。中世纪艺术中的象征主义、手稿插画以及对叙事性的强调，构成了理解后世宗教艺术的基础。 第三章：重生的曙光：意大利文艺复兴的“人文精神” 文艺复兴不仅仅是风格的回归，更是世界观的重塑。我们将深入剖析早期文艺复兴（如马萨乔对透视法的科学运用）、盛期文艺复兴（达·芬奇的“晕染法”、米开朗基罗对人体力量的极致表达，以及拉斐尔的和谐构图）的成就。本章将特别关注艺术家地位的提升、对古典典籍的重新发掘，以及“复兴”概念在艺术实践中的具体体现。 第二部分：风格的激变——巴洛克、洛可可与新古典主义的对决 此阶段的艺术充满了戏剧性、情感的张力和理性的回归。 第四章：动感的激情：巴洛克的辉煌与震撼 巴洛克艺术是对文艺复兴和谐的挑战。本章侧重分析卡拉瓦乔的“明暗对比法”（Tenebrism）如何服务于强烈的心理描绘，以及贝尼尼雕塑中那股不可抗拒的动态感。同时，我们将探讨巴洛克艺术在天主教会反宗教改革中的作用，以及鲁本斯作品中丰沛的生命力。 第五章：精致与轻盈：洛可可的享乐主义 与巴洛克的庄严相对，洛可可艺术展现了法国贵族阶层对私密、感性享受的追求。本章将分析瓦托和弗拉戈纳尔作品中柔和的色彩、曲线的运用，以及其作为一种室内装饰艺术的特征。 第六章：秩序的回归：启蒙运动与新古典主义的理性光芒 受到启蒙思想的驱动，新古典主义试图重拾古典的道德力量和清晰的结构。本章将重点考察大卫的作品，分析其如何利用古希腊罗马的母题来弘扬公民美德，以及他对线条和结构的绝对偏好，这标志着对巴洛克感性主义的有力反拨。 第三部分：现代的诞生——浪漫主义、现实主义与印象派的革命 工业革命和政治动荡彻底改变了艺术家的视野和方法。 第七章：情感的洪水：浪漫主义的崇高与个体经验 浪漫主义强调情感、想象力和对自然的敬畏。本章将对比分析戈雅的深沉与德拉克洛瓦对色彩和激情的运用，以及特纳和康斯太勃尔在描绘自然景观时，如何将“崇高”（Sublime）的体验物化。艺术家开始将个人情感置于传统规范之上。 第八章：直面现实：现实主义对“可见世界”的忠实记录 现实主义拒绝浪漫主义的逃避，将目光投向日常劳动者和被忽视的社会层面。库尔贝和米勒的作品如何挑战了学院派关于“高雅题材”的等级制度，是本章的核心议题。 第九章：光与瞬间的捕捉：印象派对既有视觉规则的颠覆 印象派是一场关于“看”的方式的革命。本章详细分析莫奈、雷诺阿等人如何通过分析光线和色彩的物理特性，以及在户外作画（Plein Air）的实践，来记录转瞬即逝的都市生活瞬间，并由此引发了对传统素描和轮廓线的解构。 第四部分：探索与解构——后印象派至20世纪初的艺术转向 进入世纪之交，艺术家开始有意识地超越纯粹的视觉再现，转向内在精神和形式实验。 第十章：形式的内省：后印象派的结构与情感 塞尚对几何形体的简化、梵高对色彩的表现主义运用，以及高更对异域色彩和象征意义的探索，共同构成了后印象派的复杂图景。本章旨在说明他们如何为立体主义和野兽派提供了理论和视觉基础。 第十一章：原始的呼唤与主观的爆发：野兽派与表现主义 本章考察了野兽派（马蒂斯）如何解放色彩，使其脱离描述功能而成为纯粹的情感载体。随后，深入分析德国表现主义（如“桥社”和“蓝骑士”），理解他们如何通过扭曲的形象来表达对现代社会异化感的深刻焦虑。 第十二章：视角的破碎与重组：立体主义的几何革命 立体主义被视为20世纪最重大的理论性突破之一。本章将分析毕加索和布拉克如何通过“分析立体主义”打破单点透视，并将多个观察视角同时呈现在二维平面上，从而彻底改变了西方对空间和物体的认知方式。 结语：迈向当代——艺术的无限可能性 本书以对达达主义、超现实主义的简要概述收尾，强调艺术从再现自然转向探索潜意识、逻辑颠覆和概念本身的转变。我们最终认识到，艺术史是一个持续自我提问、不断推翻既有范式的过程，其价值在于其永不休止的探索精神。 本书特色： 结构清晰的编年史： 确保读者能把握不同时期风格间的承袭与对立。 概念聚焦： 每章提炼出核心的艺术史术语和理论（如“明暗对比法”、“晕染法”、“崇高感”），并进行深入阐释。 语境分析： 强调艺术作品如何与当时的哲学、政治和社会环境相互作用，而非孤立存在。 深入的视觉解析： 鼓励读者主动“阅读”图像，理解艺术家在构图、媒介选择和技术处理上的策略意图。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初对这样一本“简明”的词典抱有一丝怀疑，总觉得“简明”往往意味着“浅尝辄止”。我更倾向于那些厚得能当镇纸用的百科全书。但这本书彻底颠覆了我的看法。它证明了精准和全面是可以共存的。它对某些特定流派的术语涵盖得非常到位，比如对“后印象派”内部不同画家风格的术语区分，就比我之前读过的几本入门级画册要细致得多。最让我感到惊喜的是，它对一些相对冷门的、地域性较强的艺术形式的术语也有所收录，这显示出编纂团队的学术深度和广阔的视野。对于一个追求知识体系完整性的读者来说，这种兼顾了“主流”和“细分领域”的平衡感，是这本书最宝贵的财富。每次合上它，我都有一种“今天又抓住了点什么”的充实感。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书纯粹是出于一种“备用”的心理，毕竟现在网上资源浩如烟海，一个手机就能解决大部分查询需求。但实际体验下来，我发现这种实体工具书的价值是数字资源无法替代的。最让我满意的一点是它的广度和深度达到了一个绝佳的平衡。它收录了从文艺复兴到当代艺术中的核心概念，例如“动态对称”、“抽象表现主义的场域理论”等，这些概念在网络搜索中往往会被碎片化地解释，要么过于学术化让人望而却步，要么又过于简化失去了精髓。这本词典的处理方式是：先给出一个定义，然后配上一个简短的语境说明，让你明白这个术语在艺术史中扮演的角色。这对于我这种需要撰写一些小研究报告的爱好者来说，是极大的便利。那种在书页间快速翻阅，手指快速定位到所需词汇的感觉，远比盯着屏幕滑动要高效得多。

评分☆☆☆☆☆

作为一名大学艺术史系的学生，我的书架上堆满了厚厚的教材和专著，但这本书却成了我日常学习中最常被“打扰”的一本。它的实用性体现在细节之处。例如，对于那些复杂的建筑术语，如“拱顶”、“飞扶壁”等，它不仅有文字描述，还附带了清晰的示意图，这对于空间想象力不那么强的人来说简直是福音。而且，它不仅仅是罗列术语，很多词条后面会有一个“参见”的引导，指向另一个相关的、可能更容易理解的概念，形成了一个有机的知识网络。这极大地帮助我梳理那些相互关联但又容易混淆的概念体系。我经常在阅读某个学者的论文时，遇到一个陌生的、用粗体标注的词汇，随手翻开它，几秒钟内就能掌握其核心含义，并迅速回到论文的语境中去，效率提升是肉眼可见的。

评分☆☆☆☆☆

我是一个平面设计师，工作中偶尔会接触到一些需要追溯历史设计风格的任务。坦白讲，我原本以为这种“艺术术语词典”会更偏向于纯粹的美术史，对现代设计领域的术语支持可能不足。然而，这本书的编纂者显然考虑到了跨学科的需求。它对“构成”、“视觉重量”、“格式塔”这类在设计领域频繁使用的词汇进行了非常现代化的阐释，同时没有抛弃对这些词汇在早期现代主义艺术中根源的追溯。这种双向的连接让我受益匪浅。我尤其欣赏它对一些在不同语境下含义产生微妙变化的术语的处理，比如对“极简主义”的定义，它清晰地区分了其在雕塑和绘画中的侧重点。这本书的印刷质量也无可挑剔，纸张的质感和装帧的精良，让人感觉物有所值，每次翻阅都像是在对待一份珍贵的档案。

评分☆☆☆☆☆

这是一本真正能让人大开眼界的艺术入门读物。我最近开始对古典绘画和雕塑产生浓厚的兴趣，但一头扎进那些专业的艺术史书籍里，经常被各种术语搞得晕头转向，比如“晕涂法”、“明暗对比”、“卡拉瓦乔主义”等等，每次查阅都得翻好几页字典。这本工具书简直是我的救星。它的排版清晰，每一个术语都有简洁而精准的定义，而且更棒的是，它不仅仅是简单地解释词义，还会适当地给出历史背景或代表艺术家的例子。比如，当我看到“散点透视”这个词时，它立刻让我联想到了中国古代的卷轴画，这种跨文化的关联性让学习变得生动有趣，而不是枯燥的死记硬背。我特别喜欢它在解释一些复杂概念时，那种毫不含糊的学术态度，用最少的文字传达最核心的信息，非常适合像我这样希望快速建立起扎实基础的初学者。我已经把它放在书桌最显眼的位置，随时准备查阅。

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还没看，特价满减买的，超便宜，书不大，挺小巧

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质量很好

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很好的东西，性价比高，也很实用，看着很高大上

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很小一本但是真的很实用！要开始背单词啦！

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很好的书呀！对翻译文章很有帮助！