世界现代设计史（第二版）+世界平面设计史 设计史论研究家王受之潜心修订(第2版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王受之著 著

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店铺： 文轩网少儿专营店

出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787515339832

商品编码：11869195082

出版时间：2015-12-01

作  者:王受之 著 等 定  价:205 出 版 社:中国青年出版社 出版日期:2015年12月01日 页  数:489 装  帧:平装 ISBN:9787515339832 ●《世界平面设计史//王受之设计史论丛书》
●《世界现代设计史》
●【注】本套装以商品标题及实物为准，因仓位不同可能会拆单发货，如有需要购买前可联系客服确认后再下单，谢谢！
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内容简介

《世界现代设计史》
《世界现代设计史》自出**版以来，在靠前关于世界设计史的教学和研究中，一直是被普遍采用的重要参考书。本书是修订版。本书*初的撰写目的是给大众看的，给喜欢设计的人看的，给青年学生看的，主要是为学习设计的学生而写。因而，在修订过程中，仍然保持了**版的通俗写法，注重可读性。本书撰写重点不在于详细介绍具体设计范畴的发展，而在于把影响设计发展的历史背景、文化背景和设计发展本身联系起来讨论，给读者建立一个对于现代设计发展脉络的宏观认识。
《世界平面设计史//王受之设计史论丛书》
计史论丛书。
    本书是笔者长期研究平面设计的结晶。这本著作在1998年曾经以《世界现代平面设计史》的方式出版过，在那本著作的基础上，增加了第十七章“数码时代的平面设计”，对文字也进行了修改和补充，就是这个版本，应该是在中文中反映等 王受之 著 等 《世界现代设计史》
王受之，具有靠前背景的设计史论研究家，从1982年开始从事设计史论研究、教学工作。主要著作有《世界现代建筑史》（*国建筑工业出版社）、《世界现代设计史》（*国青年出版社）、《世界平面设计史》（*国青年出版社）等。研究范围主要是与艺术和设计相关的学科，包括城市、建筑、工业产品、时尚品牌、动漫、平面设计、娱乐设计、文创策划等。曾担任*国广州美术学院设计专业教授，美国洛杉矶帕萨迪纳艺术中心设计学院（Art Center College of Design, Pasadena）教授，在美国加利福尼亚艺术学院（Californ等

好的，以下为您创作的图书简介，内容不涉及您提及的《世界现代设计史（第二版）》和《世界平面设计史》，并力求详尽和自然流畅： --- 《光影流转：二十世纪摄影艺术的百年嬗变》 卷首语：时间的凝固与视角的重塑 摄影，这一诞生于科学理性时代的视觉媒介，在短短一百余年间，完成了从机械记录到深刻艺术表达的惊人跨越。它不仅是捕捉瞬间的工具，更是观察世界、介入历史、探索人类内心深处的独特“眼睛”。本书旨在系统梳理和深入剖析二十世纪摄影艺术的发展脉络、关键流派、核心人物及其作品背后的哲学思辨，呈现一幅波澜壮阔的视觉史诗。 第一部：纪实的诞生与现代性的萌芽（1900-1930年代） 进入二十世纪，摄影告别了早期追求绘画效果的“皮相”，开始拥抱自身的“本质”——清晰的焦点、精确的记录和坦诚的视角。 一、新闻纪实的兴起与“决定性瞬间”的预演： 随着杂志、报纸对即时图像需求的激增，纪实摄影的专业化进程加速。阿尔弗雷德·斯蒂格里茨（Alfred Stieglitz）及其“摄影分离派”的努力，首次将摄影提升至与绘画并驾齐驱的现代艺术地位，强调“直印法”（Straight Photography）的美学价值，即忠实于摄影媒介自身的特性。他的“等同化”（Equivalents）系列，预示着摄影开始探究更深层次的心理景观。 二、社会关怀与道德影像： 经济的动荡和社会的鸿沟，催生了具有强烈社会责任感的影像作品。刘易斯·海因（Lewis Hine）对童工的记录，不仅是社会控诉，更是对人类尊严的庄严宣告。大萧条时期，罗伊·斯特赖克领导的FSA（农业安全局）摄影项目，汇集了多位大师，如多萝西娅·兰格（Dorothea Lange）的《移民母亲》，其符号性力量超越了单纯的报道，成为一个时代的集体记忆图腾。 三、先锋艺术的碰撞： 欧洲大陆的达达主义和超现实主义将摄影推向了实验的前沿。曼·雷（Man Ray）通过“太阳相”（Solarization）和“非曝光法”（Rayograph）等技术，彻底颠覆了人们对可见现实的认知，将潜意识和梦境的逻辑引入镜头之中，探讨物体的去语境化与重组。 第二部：战后重建与风格的多元化（1940-1960年代） 第二次世界大战结束后，摄影界进入了一个既反思又探索的黄金时期。技术的成熟解放了摄影师的双手，使他们得以专注于风格和主题的深度挖掘。 一、人文主义的温情与冷峻： 以亨利·卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）为代表的“马格南图片社”成员，将“决定性瞬间”的理念推向极致。他们以流畅、富有几何美感的构图，捕捉生活中那些稍纵即逝的诗意与秩序。与此同时，罗伯特·弗兰克（Robert Frank）以其开创性的《美国人》（The Americans）一书，用一种疏离、粗粝甚至略带不安的视觉语言，解构了美国梦的表象，其主观性和情绪化倾向，对后世摄影影响深远。 二、抽象与纯粹的探索： 以爱德华·韦斯顿（Edward Weston）和安塞尔·亚当斯（Ansel Adams）为代表的“f/64小组”的遗产得以延续。他们对形式、纹理和光影的极致追求，使得静物和风景摄影成为纯粹的视觉形式语言研究。亚当斯的“区域曝光系统”（Zone System）不仅是技术规范，更是对光线进行“预想”和“控制”的哲学实践。 三、时尚与广告的视觉革命： 在商业领域，摄影开始成为塑造现代生活方式的核心驱动力。理查德·阿威顿（Richard Avedon）和欧文·佩恩（Irving Penn）突破了传统影棚的束缚，将工作室的简洁有力与纪实的真实感相结合，赋予了时尚摄影以艺术的深度和强烈的个体肖像特征。 第三部：概念的渗透与媒介的边界消融（1970年代至今） 随着后现代思潮的涌入，摄影的“真实性”受到根本性的质疑。摄影不再满足于记录“已发生之事”，而是开始关注“观看”本身、图像的生产过程以及其背后的权力结构。 一、杜塞尔多夫学派与“观看的权力”： 伯恩德·舒尔（Bernd and Hilla Becher）夫妇开创的“类型学摄影”（Typology），以冷静、客观、序列化的方式记录工业建筑，其非个人化的记录手法，实则对图像的客观性提出了深刻的质疑。他们的学生，如安德烈亚斯·古尔斯基（Andreas Gursky），则通过超大尺幅和数字合成技术，展现了全球化资本下景观的宏大、异化与令人目眩的复杂性。 二、身体、身份与观念的转向： 辛迪·舍曼（Cindy Sherman）通过不断扮演和重塑各种刻板印象中的女性形象，直接挑战了摄影作为“真实再现”的媒介属性，揭示了身份的流动性和社会建构性。其他如罗伯特·梅普尔索普（Robert Mapplethorpe）对古典美学与禁忌主题的探索，以及南·戈尔丁（Nan Goldin）对边缘群体私密生活的坦诚记录，都标志着摄影进一步介入社会政治和个人叙事的深层结构。 三、数字时代的迷思与重构： 进入新千年，数字技术使图像的复制、修改和传播变得轻而易举。传统纪实的权威性被削弱，摄影师们开始拥抱后制作的可能性，模糊了绘画、拼贴与摄影之间的界限。这迫使我们重新审视：当一切都可以被操纵时，一张“好”的照片的价值究竟体现在何处？ 结语：未来的取景框 《光影流转》试图勾勒出二十世纪摄影艺术的完整弧线：从记录现实到解构现实，再到重塑现实。它不仅是关于技术和风格的演进，更是关于人类如何通过镜头来理解时间、空间、自我与社会变迁的深刻对话。本书将引导读者穿梭于这些大师的作品之间，体验光影如何成为我们这个时代最强大的叙事工具之一。 ---

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计真是没话说，拿到手就感觉沉甸甸的，纸张的质感也很好，印刷的色彩还原度极高，特别是那些经典的现代主义作品图片，细节处理得非常到位，看得出出版社在制作上是下了大功夫的。每次翻阅，都像是在进行一次视觉的朝圣之旅。我尤其欣赏其中对不同设计流派兴起背景的梳理，那些历史的脉络清晰可见，不是那种干巴巴的罗列知识点，而是真正融入了对时代思潮的深刻理解。比如讲述包豪斯从魏玛到德绍的演变，作者的笔触充满了对那个黄金时代建筑与设计融合的激情，让人不禁想要去那个时代亲身体验一番。这种图文并茂的呈现方式，极大地降低了理解复杂设计理论的门槛，即便是初学者也能很快抓住重点，感受到设计的魅力所在。我对这本书的整体排版也十分满意，版式布局疏密有致，阅读起来毫不费力，让人愿意长时间沉浸其中，细细品味每一个章节的精髓。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这套书带来的沉浸感是无与伦比的，作者的文字功力深厚，遣词造句间既有学术的严谨，又不失文学的流畅。尤其是一些对设计大师生平和创作背景的描述，简直像是在读精彩的人物传记。例如，书中对某些先驱设计师在困境中坚持理念的描绘，那种筚路蓝缕的奋斗精神，极大地鼓舞了我。我感觉作者是在用一种非常真诚的态度与读者对话，他仿佛站在你的身边，为你细细讲述那些已经被时间冲刷得有些模糊的往事。这本书的深度和广度兼备，既能满足专业人士对细节的考究，也能让对设计抱有兴趣的新手找到进入这个世界的坚实阶梯。它提供了一个宏大的历史框架，让读者得以将自己目前所从事的具体设计工作置于一个更广阔的文化背景下进行审视和定位。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一位侧重于视觉传达的设计实践者来说，这套书最让我感到惊喜的是它对“材料性”和“工艺”的重视。在许多当代设计论述中，数字化的浪潮常常使得传统的手工技艺和物理媒介的重要性被边缘化。然而，本书非常清晰地梳理了设计是如何从早期手工艺的复兴运动中汲取力量，并最终走向工业化和标准化。书中对字体排印学的历史沿革，以及不同印刷技术对设计风格产生的影响，都有着细致入微的剖析。这让我深刻理解到，任何设计语言的形成都离不开其所依托的物质基础。这种对“物”的尊重和深入理解，不仅提升了我对历史作品的鉴赏力，也促使我在自己的创作中更加注重材料的触感和印刷呈现的质感，力求在虚拟与现实之间找到最佳的平衡点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用价值远超乎一本“历史教科书”的范畴，它更像是一本设计“思维的培养手册”。我在工作中遇到一些关于品牌识别系统设计和用户界面（UI/UX）概念初创的困惑时，常常会翻阅其中关于早期图形设计和信息设计的章节。作者对“网格系统”的起源及其在平面设计中的应用逻辑阐述得极为透彻，那种系统化的思维方式，即使应用在完全不同的数字媒体设计领域，也依然具有强大的指导意义。我体会到，很多当代设计前沿的概念，其根源都可以追溯到这些看似陈旧的原则之中。阅读时，我经常会停下来，对着书中的案例图进行临摹和分析，试图拆解设计师当时是如何运用结构、色彩和字体来解决具体问题的。这种互动式的学习过程，让知识点不再是抽象的符号，而是变成了解决实际问题的工具箱里的零件。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期关注设计理论研究的爱好者，我发现这本书在对设计史的叙事角度上有着独特的深刻性。它不仅仅是西方设计史的简单回顾，更融入了作者多年研究的独特洞察力，使得很多我们耳熟能详的事件和人物被赋予了新的解读层次。作者对于“现代性”在设计领域的具体体现，有着非常精辟的论述，他巧妙地将技术进步、社会结构变革与设计语言的演变紧密联系起来，展现出设计作为一种社会文化现象的复杂性。我特别喜欢书中对一些设计思潮的批判性分析，比如对早期现代主义过度强调功能和形式纯粹性的反思，这种审慎的态度让读者在学习历史的同时，也能培养起独立思考的能力，而不是盲目地崇拜经典。这种“带着批判的眼光去看历史”的做法，对于当前许多追求表面潮流的设计师来说，无疑是一剂清醒剂，引导我们回归设计的本质和人文关怀。