舞蹈批评导论及精品赏析 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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贾安林 著

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• 文化艺术
• 高等教育
• 教材

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552309508

版次：1

商品编码：11959748

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-05-01

用纸：胶版纸

页数：284

编辑推荐

新中国舞蹈的历史经过几十年的风霜历练愈发多元和成熟。贾安林编著的《舞蹈批评导论及精品赏析》既是北京舞蹈学院具有理论深度的舞蹈鉴赏与批评课程的教材，也是雅俗共赏的舞蹈作品欣赏著作。除了理论部分以外，还精心挑选了五十多部2l世纪舞蹈精品进行舞评撰写，供读者参考、学习。

内容简介

　　本书是进行舞蹈欣赏、舞评写作指导的专业性著作。此次作为北京舞蹈学院“舞蹈鉴赏与批评课程”的教材出版，是编著者通过长期的教学实践摸索和理论创新研究所得，具有一定的理论价值和现实意义。本书既提供了进行舞蹈鉴赏与批评的理论方法，也为读者提供了诸多21世纪舞蹈精品的舞评文章，供读者参考、学习。

作者简介

贾安林，北京舞蹈学院教授，硕士生导师，舞蹈学系党支部书记，北京舞蹈家协会理事。曾任北京舞蹈学院继续教育学院院长，中国舞考级考官。

1982年毕业于北京舞蹈学院附中，1988年获得了中国汉语语言文学专业毕业文凭，1989年毕业于北京舞蹈学院首届史论系，1994年攻读了中国艺术研究院舞蹈研究生课程。教授过的课程有民族民间舞蹈文化、近现当代舞蹈史、舞蹈作品鉴赏与批评、中国古代舞蹈史、中国民间舞、中国舞考级。

主要著作：《中外舞蹈作品赏析——第一卷中国民族民间舞作品赏析》（本卷主编）《中外舞蹈作品赏析——第七卷中外舞蹈精品赏析》（本卷主编），《中国民族民间舞初级教程》（主编）。

曾主持完成八项北京市立项课题，在GJ级刊物上发表过多篇论文，其中：《探索办学模式 拓展远程教育》在全国舞蹈教育研讨会中获论文一等奖，并获第三届中国教育家大会优秀论文评选二等奖；《同根共源唇齿相依》获GJ级艺术院校文华奖，在第八届“桃李杯”舞蹈比赛舞蹈教育研讨会中获论文二等奖；《舞蹈终身教育的办学途径》获第九届“桃李杯”论文二等奖。曾荣获北京市中青年骨干教师称号，并被评为北京市教育创新标兵。

目录

前言

上篇

第一章 舞蹈鉴赏与批评的生成简要

第一节 中国舞蹈鉴赏与批评

第二节 西方舞蹈鉴赏与批评

第二章 舞蹈鉴赏与批评的舞种分类

第一节 舞蹈种类划分的理论陈述

第二节 舞蹈种类划分的现行运用

第三章 舞蹈鉴赏与批评的审美过程

第一节 审美的期待与构想

第二节 审美的共鸣与领悟

第三节 审美的回味与升华

第四节 审美的主体差异

第四章 舞蹈鉴赏与批评的学科方法

第一节 舞蹈概论

第二节 舞蹈史学

第三节 舞蹈美学

第四节 舞蹈生态学

第五节 民间舞蹈文化

第六节 舞蹈身体语言

第七节 舞蹈心理学

第五章 舞蹈鉴赏与批评的分析角度

第一节 舞蹈作品的主题

第二节 舞蹈编创的时代背景

第三节 舞蹈编导的素质

第四节 舞蹈演员的表演

第五节 舞蹈作品的表现形式

第六节 舞蹈作品的结构安排

第七节 舞蹈作品的动作设计

第八节 舞蹈作品的调度运用

第九节 舞蹈作品中道具的使用

第十节 舞蹈作品中的音乐渲染

第十一节 舞蹈作品中服装的作用

第十二节 舞蹈作品中灯光的功能

第六章 舞蹈鉴赏与批评的文本特征

第一节 舞评写作分“步”走

第二节 舞评写作的表达方式

第三节 舞评写作的角度

……

下篇

前言/序言

舞动的灵魂：一部跨越时空的舞蹈文化史 作者：李明 著 出版社：东方艺术文库 出版年份：2023年 --- 内容简介： 本书并非一部专注于某一特定舞蹈流派或技巧解析的教科书，而是试图构建一部宏大而细腻的舞蹈文化史。我们追溯的，是人类文明发展进程中，舞蹈作为一种基本表达形式的演变轨迹，探究其如何在不同社会结构、宗教信仰和审美思潮中被塑形、被珍视、乃至被遗忘。 第一部分：源起与神性——原始部落的律动与祭祀 本书的开端，将带领读者回到人类文明的蒙昧时代。舞蹈在这里不是娱乐，而是生存的必要手段。我们考察了考古学和人类学中关于史前壁画和遗迹的解读，试图重构早期人类在狩猎、生育和死亡仪式中，如何通过身体的集体律动来沟通天地、凝聚族群。 我们会深入分析舞蹈在早期宗教和神话体系中的核心地位。在古埃及的庙宇中，祭司们通过程式化的动作与神灵交流；在美索不达米亚的苏美尔文明里，舞蹈是记录历史和颂扬王权的“活的文本”。我们将聚焦于这些仪式舞蹈的结构特征，它们如何强调重复性、象征性，以及身体与自然力量的连接。 第二部分：古典的定型——东方与西方的礼仪之舞 随着农耕文明的成熟与国家形态的建立，舞蹈开始从纯粹的仪式性中抽离，逐渐融入宫廷礼仪和阶级规范。 在东方，我们详尽考察了古印度“娜提亚沙斯特拉”对舞蹈理论的奠基意义。这不是简单的动作指南，而是一套涵盖了美学、情感（Rasa）和宇宙哲学的综合体系。我们将剖析婆罗多舞、卡塔卡利等古典舞种如何将手印（Mudra）、面部表情与叙事深度完美融合，使舞蹈成为承载史诗和哲思的媒介。同时，本书也探讨了中国古代的雅乐与宫廷燕舞，从周代的“六代之舞”到唐代霓裳羽衣的盛衰，审视舞蹈如何成为君王德行的象征，以及文人士大客如何以“身韵”寄托其人生理想。 在西方，古希腊的戏剧（Dionysian Ritual）是舞蹈转型的关键节点。我们追溯了酒神精神对身体解放的尝试，以及在柏拉图哲学影响下，舞蹈如何一度被视为“灵魂的几何学”，强调和谐、比例与理性。随后，我们步入拜占庭和中世纪的欧洲，审视在教会强大影响下，世俗舞蹈的沉寂与民间狂欢的暗流涌动，以及这些禁忌之舞对后世民族舞蹈形态的影响。 第三部分：剧场的诞生与美学的冲突——巴洛克至浪漫主义 文艺复兴为舞蹈带来了新的活力，它开始从宗教束缚中解放，走向世俗的舞台。本书重点分析了意大利宫廷宴会中出现的“芭蕾舞会”（Ballet de Cour）如何演变为法国路易十四时期高度制度化的宫廷芭蕾。我们详述了法国皇家舞蹈学院的成立，以及“芭蕾五大脚位”等技术规范的系统建立过程，这标志着舞蹈正式成为一门需要专业训练的“精细艺术”。 浪漫主义时期是舞蹈史上的一场革命。随着《仙女》（La Sylphide）和《吉赛尔》（Giselle）的诞生，对轻盈、虚无和非人间的追求达到了顶峰。我们将探讨足尖技巧的出现如何从技术突破上升为一种美学宣言——对地球引力的反抗，以及这种对“幽灵般”女性形象的迷恋，折射出十九世纪社会对女性精神状态的复杂投射。 第四部分：现代的觉醒——身体自主权的宣言 二十世纪初，是对古典芭蕾僵硬框架的猛烈冲击。本书将现代舞的诞生视为一次彻底的身体自主权的宣言。 我们详细剖析了伊莎多拉·邓肯对古希腊精神的回归，她放弃束缚，以赤足、自由的呼吸来表达情感的直接性。接着，玛莎·葛兰姆的“收缩与释放”技术如何将人类内心深处的冲突、痛苦和原始力量搬上舞台，使现代舞具有了深刻的心理学维度。我们还将梳理德国表现主义舞蹈的贡献，以及美国后现代舞蹈（如默斯·坎宁汉的工作）如何挑战“叙事”和“情感表达”的传统，探索动作本身的纯粹性、随机性与空间关系。 第五部分：全球视野下的并置与融合 在当代，舞蹈的疆界被彻底打破。本书的最后部分着眼于全球化语境下舞蹈的多元发展。我们考察了当代舞（Contemporary Dance）如何吸收了芭蕾、现代舞、爵士乐甚至武术的元素，形成了更为流动的、跨学科的表达方式。 此外，本书还关注了特定地域文化在现代语境下的复兴与创新，例如当代印度舞蹈家如何利用传统形式探讨全球政治议题，以及街舞文化（Hip-Hop）如何从边缘社区的即兴表达，成长为全球性的、具有高度复杂技巧和文化符号的艺术形态。 总结： 《舞动的灵魂》试图为读者提供一张理解舞蹈艺术复杂性的地图。它强调，舞蹈从来都不是孤立的美学对象，而是人类历史、社会结构和精神探索的具象化体现。通过对不同时代身体语言的解读，我们得以洞察人类对“美”、“真理”和“存在”的永恒追问。这本书是献给所有对身体、文化与历史深层联系感兴趣的探索者的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常抓人眼球，那种深沉的墨绿色背景，配上几个优雅的舞者剪影，立刻就让人联想到舞台上的光影变幻。拿到手里沉甸甸的，纸张的质感也很好，翻开第一页就能感受到作者在排版和装帧上的用心。我原本对舞蹈理论了解不多，总觉得那是个很玄乎的领域，但这本书的引言部分就用非常生动、贴近生活的语言，把“批评”这个概念解构得非常清晰。它没有一上来就抛出一堆晦涩难懂的术语，而是像一位经验丰富的导师，循循善诱地引导我们如何真正去看懂一场舞蹈。我尤其喜欢作者提到“观者之眼”的部分，强调了欣赏舞蹈不只是被动地接收信息，而是一个主动参与、解码的过程。这种引导性的叙述方式，极大地降低了我阅读的心理门槛，让我觉得原来舞蹈批评并非遥不可及的象牙塔学问，而是每个人都能参与的艺术对话。这开篇的铺垫，为后续深入的分析打下了非常坚实和令人期待的基础。

评分☆☆☆☆☆

全书的行文风格在保持专业严谨性的同时，展现出一种难得的热情和人文关怀。它不像某些理论著作那样冷冰冰地将艺术品当成分析对象，反而是处处流露出作者对舞蹈艺术本身的那种深沉的爱恋和敬意。在讨论一些较为沉重的、探讨人性困境的当代作品时，作者的文字显得尤为克制而富有同理心，既能精准指出作品的艺术成就，也不会回避其可能存在的争议点，展现了一种平衡且成熟的批评立场。整本书读下来，我最大的收获是建立了一种健康的、批判性的审美习惯。它教会我如何去质疑、如何去比较，而不是盲从于权威的评价。这种内化于心的思考框架，远比记住几个理论名词更有价值，它为我未来探索任何艺术形式，都提供了一个坚实的、可以信赖的参照系。这是一部真正能提升读者艺术素养的宝贵之作。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的学术深度是毋庸置疑的，但它绝非高高在上的学术论文集。其中穿插的案例赏析部分，真正体现了“精品赏析”的价值。作者选择了那些在舞蹈史上具有里程碑意义的片段进行逐一拆解，分析角度非常刁钻且富有启发性。她不会满足于描述“这个舞段很美”，而是会深入探究编舞家是如何运用镜头语言（是的，即便是舞台调度，也暗含了类似电影的构图和景深概念）、如何控制观众视线的流向，以达到叙事上的最大化效果。我特别佩服作者对音乐与动作关系处理的精妙分析，比如如何处理“同步”与“错位”带来的节奏张力。这种近乎解剖式的分析，让我意识到，每一次成功的舞蹈作品都是一个高度精密、经过深思熟虑的结构体，而不是随性而为的即兴发挥。读完这些赏析，我感觉自己像是学会了一套新的“观影”或者说“观舞”的底层逻辑工具箱。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，简直像经历了一次跨越时空的舞蹈史诗之旅。作者的叙事功力实在了得，她不是简单地罗列编舞家的名字和作品日期，而是将每一次重大的艺术变革都置于当时的社会、文化背景之下进行剖析。比如，在探讨现代舞的兴起时，那种挣脱古典束缚的激昂和对个体解放的渴望，几乎能透过文字扑面而来。我仿佛能听到那些初代现代舞者挑战传统时发出的呐喊。更绝妙的是，书中对于不同流派（比如什么“布兰查德体系”和“格雷厄姆技巧”）的对比分析，虽然涉及技术层面，但作者总能找到一个极富画面感的比喻来解释其精髓，使得即便是舞蹈门外汉，也能大致把握住它们在美学追求上的核心差异。这种将理论与历史脉络紧密结合的写法，让原本干巴巴的知识点瞬间变得有血有肉，充满了张力和生命力，读起来酣畅淋漓，完全没有传统教科书的枯燥感。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我耳目一新的是它对于“身体语言”的解析深度。过去我总觉得舞蹈的魅力在于那些高难度的技巧展示，但这本书教会了我如何去“阅读”身体的每一个细微动作所蕴含的意义。作者对于肢体空间、重量、速度以及呼吸如何在舞台上被编码和解码，进行了极其细致入微的观察和描述。书中有一章专门分析了面部表情与核心力量之间的微妙关联，让我醍醐灌顶。原来，一个舞者微微抬起的手腕，可能比一个巨大的跳跃更能传递出角色的内心挣扎或希望。这种对“细节”的捕捉和解读能力，是需要常年浸淫在艺术现场才能形成的洞察力。它彻底改变了我未来观看演出的方式，从那种纯粹的、感性的“好看”，升级到了理性与感性交织的“理解”，极大地丰富了我的审美体验，也让我明白了为什么有些表演即使动作幅度不大，却依然具有震撼人心的力量。