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傅雷 著

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• 雕塑

出版社： 北京出版社

ISBN：9787200121391

版次：1

商品编码：12012612

包装：精装

开本：32开

出版时间：2016-07-01

用纸：胶版纸

编辑推荐

　　精心挑选一百余幅世界名画，结合傅雷讲解顺序，图文对照，常读常新。

内容简介

　　傅雷曾受聘于上海美术专科学校，讲授美术史。本书是他在讲稿的基础上修订、补充完成的，着重介绍文艺复兴初期的乔托以来，经过三杰（达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔），十七世纪的伦勃朗、鲁本斯，到十八、十九世纪的近二十位画坛巨匠及其名作；讲解其艺术风格、绘画技巧，又信手拈来地穿插诸位巨匠的生平，以及时代思潮等内容，在宏观与微观之间委屈精妙，深入浅出。

作者简介

　　傅雷（1908-1966），上海人，著作等身的一代翻译巨匠，出色的美术批评家，在音乐、文学等诸多艺术领域均有高超的鉴赏力。1927年冬离沪赴法求学，专攻美术理论和艺术理论。1931年秋回国后，即致力于法国文学的翻译和介绍工作。

目录

第一讲 乔托与阿西西的圣方济各）
第二讲 多那太罗之雕塑
第三讲 波提切利之妩媚
第四讲 莱奥纳多·达·芬奇（上）
《 瑶公特》与《最后之晚餐》
第五讲 莱奥纳多·达·芬奇（下））
人品与学问
第六讲 米开朗琪罗（上）
西斯廷礼拜堂
第七讲 米开朗琪罗（中）
圣洛伦佐教堂与梅迪契墓
第八讲 米开朗琪罗（下）
教皇尤里乌斯二世墓与《摩西》
第九讲 拉斐尔（上）
《 美丽的女园丁》与《西斯廷圣母》
第十讲 拉斐尔（中）
梵蒂冈宫壁画——《圣体争辩》
第十一讲 拉斐尔（下）
毡幕图稿
第十二讲 贝尔尼尼
巴洛克艺术与圣彼得大教堂
第十三讲 伦勃朗在卢浮宫
《 木匠家庭》与《以马忤斯的晚餐》
第十四讲 伦勃朗之刻版画
第十五讲 鲁本斯
第十六讲 委拉斯开兹
西班牙王室画像
第十七讲 普桑
第十八讲 格勒兹与狄德罗
第十九讲 雷诺兹与庚斯博罗
第二十讲 浪漫派风景画家
编校后记
重编插图本后记

前言/序言

　　序言

　　袁行霈

　　“大家小书”，是一个很俏皮的名称。此所谓“大家”，包括两方面的含义：一、书的作者是大家；二、书是写给大家看的，是大家的读物。所谓“小书”者，只是就其篇幅而言，篇幅显得小一些罢了。若论学术性则不但不轻，有些倒是相当重。其实，篇幅大小也是相对的，一部书十万字，在今天的印刷条件下，似乎算小书，若在老子、孔子的时代，又何尝就小呢？

　　编辑这套丛书，有一个用意就是节省读者的时间，让读者在较短的时间内获得较多的知识。在信息爆炸的时代，人们要学的东西太多了。补习，遂成为经常的需要。如果不善于补习，东抓一把，西抓一把，今天补这，明天补那，效果未必很好。如果把读书当成吃补药，还会失去读书时应有的那份从容和快乐。这套丛书每本的篇幅都小，读者即使细细地阅读慢慢地体味，也花不了多少时间，可以充分享受读书的乐趣。如果把它们当成补药来吃也行，剂量小，吃起来方便，消化起来也容易。

　　我们还有一个用意，就是想做一点文化积累的工作。把那些经过时间考验的、读者认同的著作，搜集到一起印刷出版，使之不至于泯没。有些书曾经畅销一时，但现在已经不容易得到；有些书当时或许没有引起很多人注意，但时间证明它们价值不菲。这两类书都需要挖掘出来，让它们重现光芒。科技类的图书偏重实用，一过时就不会有太多读者了，除了研究科技史的人还要用到之外。人文科学则不然，有许多书是常读常新的。然而，这套丛书也不都是旧书的重版，我们也想请一些著名的学者新写一些学术性和普及性兼备的小书，以满足读者日益增长的需求。

　　“大家小书”的开本不大，读者可以揣进衣兜里，随时随地掏出来读上几页。在路边等人的时候，在排队买戏票的时候，在车上、在公园里，都可以读。这样的读者多了，会为社会增添一些文化的色彩和学习的气氛，岂不是一件好事吗？

　　“大家小书”出版在即，出版社同志命我撰序说明原委。既然这套丛书标示书之小，序言当然也应以短小为宜。该说的都说了，就此搁笔吧。

　　晓风残月，温婉儒雅

　　——记沈尹默

　　孟云飞

　　沈尹默似乎是有仙人指点的。这位文质彬彬的才子，以跨越时空的能力，上溯魏晋，直逼“二王”，在20世纪依然能够写出温文儒雅、风规自远的书法，刷新人们的视听。那么，他究竟是一位什么样的人物呢？

　　一、时代骄子

　　沈尹默(1883—1971)，原名君默，字中，号秋明，别号鬼谷子，浙江吴兴人，著名学者、诗人、书法家。著有《二王法书管窥》《历代名家学书经验谈辑要释义》等；出版有《沈尹默法书集》《沈尹默手书词稿四种》《沈尹默入蜀词墨迹》等，约20种书法集；诗词著作有《秋明室杂诗》《秋明长短句》等。

　　“五四”运动期间，沈尹默作为北大著名教授，与鲁迅、陈独秀等人轮流主编《新青年》杂志，并发表了诸如《月夜》《三弦》等著名的白话诗篇，是中国新诗的最早倡导者之一，是新文化运动的骨干力量，其积极的姿态和高水平的创作，赢得了人们的赞誉。

　　1925年，在“女师大风潮”中，他与鲁迅、钱玄同等人联名发表宣言，支持学生的正义斗争。之后，由蔡元培、李石曾推荐，担任河北教育厅厅长、北京大学校长等职务。1932年，沈尹默因不满政府压制学生运动，愤然辞职，赴上海，任中法文化交换出版委员会主任。抗日战争时期，应监察院院长于右任的邀请，去重庆任监察院委员。后居上海，以鬻字为生，自甘清贫。

　　沈尹默是陈毅进上海后拜访的第一位民主人士，是第一届上海市人民政府委员，是周总理任命的中央文史馆副馆长、全国人大代表和政协委员。1949年后，沈尹默先后参加了上海市政协、市博物馆、市文管会、市文联、市文史馆、中国画院的工作，参与创建新中国成立后第一个书法组织——上海市中国书法篆刻研究会，为新中国文化事业的繁荣，尤其是中国书法艺术实践和理论的发展，做出了重要的贡献。毛主席曾对他的工作和艺术成就给予了高度评价。

　　沈尹默早年游学日本，回国后先后任教于北京大学、北京女子师范大学、辅仁大学等。沈尹默既做校长，又当老师，辛勤耕耘，默默奉献，教育成果显著。

　　中华人民共和国成立后，沈尹默以更加昂扬的姿态，投入到书法艺术的教育与普及工作，培养了大批书法人才。上海书坛至今仍活跃着许多沈先生的学生。其得意门生有谢稚柳、胡问遂、翁闿运等，皆为有影响的书法家。

　　二、帖学风流

　　沈尹默在书法方面的成就尤为突出，超过了他的诗名。他和于右任，分别代表帖学和碑学的两座高峰。他师法“二王”、米芾等帖学大师，掺以北碑、墓志，用笔清健秀润。晚年，沈尹默转向书法理论的研究和书法艺术的普及教育。

　　1906年，沈尹默从日本留学回国。第二年，他受聘于浙江高等师范学校，时年25岁。沈尹默在杭州时，结识了著名青年诗人刘季平，两人频繁往来，甚是密切。沈尹默曾写过一首诗《题季平黄叶楼》：“眼中黄落尽雕年，独上高楼海气寒。从古诗人爱秋色，斜阳鸦影一凭栏。”刘季平评价说：“诗中‘从古诗人爱秋色’之句，正合我意。写景以抒胸怀。”并要求沈尹默把这首诗写成书法作品张贴在书房。后被陈独秀看见，专门去拜访了沈尹默，陈独秀直言不讳地说：“我叫陈仲甫，在刘季平家看到你写的书法和《题季平黄叶楼》的诗，诗作得很高雅，我很欣赏，就是这张字，写得俗气了。”陈独秀和沈尹默初次见面，未做寒暄，便坦率地提出了自己的看法。从此以后，沈尹默更加努力钻研书法，从褚遂良开始，遍习晋唐及北宋苏、米各名家，力追“二王”，坚持临摹，打下了坚实的基础。

　　1913年春，沈尹默受聘到北大任教。课余时间，仍然不忘练习书法，闲暇时就去故宫观摹唐宋以来的名家真迹，眼界大开。这是沈尹默书法生涯中一个关键时期。沈尹默的书法由此渐入佳境，秀雅俊美的个人风格于此时基本形成。他51岁时办了第一次个人书法展，以后几乎每年一次，名震南北。观其行书《东坡居士诗》四条屏，乃信手疾书，一气呵成。其笔墨间，点画精致，通篇结体严谨，气韵流畅。他的书法作品广泛流传于国内外，深受人们的喜爱。1981年出版的《沈尹默法书集》，比较全面地收集了他20岁以后各个时期的代表作品，反映了他书法嬗变的历程。1999年的《沈尹默手稿墨迹》则为他的草稿书札精品，以行草为主，是研究其书法及供学书者临摹之重要参考资料。

　　书法实践的同时，沈尹默亦重视书法理论研究。他结合自己学书的亲身体会，将书法理论通俗化，起到了很好的宣传作用。其书法理论著作，多发表于1949年以后，诸如，《谈书法》《书法漫谈》《书法论》《文学改革与书法兴废问题》《学书丛话》《答人问书法》《和青年朋友们谈书法》《和青年朋友们再谈书法》《谈中国书法》《怎样练好使用毛笔字》《历代名家学书经验谈辑要释义》《书法艺术的时代精神》《二王法书管窥》《书法论丛》《沈尹默论书丛稿》等。

　　此次北京出版社出版《和青年朋友谈书法》，主要汇编了沈尹默先生晚年关于书法普及的文章，附录了沈尹默先生行书、楷书手迹，供大家研习临摹，其中《怎样练好使用毛笔习字》是首次发表，感谢沈尹默先生长孙沈长庆先生提供。

　　民国初年，书坛有“南沈北于”之称。著名文学家徐平羽评价沈尹默的书法艺术：“超越元、明、清，直入宋四家而无愧。”谢稚柳认为：“数百年来，书家林立，盖无人出其右者。”台湾大学教授傅申在《民初帖学书家沈尹默》一文中说：“楷书中我认为适合他书写的，还是细笔的褚楷，真是清隽秀朗，风度翩翩，在赵孟頫后，难得一睹。”陆维钊说：“沈书之境界、趣味、笔法，写到宋代，一般人只能上追清代，写到明代，已为数不多。”已故台北师大教授，国文研究所所长林尹先生赞沈老书法“米元章以下”。

　　还有一种评价是无声的。《中南海收藏书画集》的第一页，就是沈尹默写给毛泽东主席的书法，周恩来总理家中和办公室都曾挂过沈尹默的作品。

　　三、思考

　　哲学上讲外因和内因的问题，说的是外因只是条件，内因才是根本。关于陈独秀指出早期的沈尹默书法不好这点，沈本人也有记述，他在《书法漫谈》里写道：

　　二十五岁左右回到杭州，遇见了一个姓陈的朋友，他第一面和我交谈，开口便这样说：我昨天在刘三那里，看见了你一首诗，诗很好，但是字其俗在骨。我初听了，实在有些刺耳，继而细想一想，他的话很有理由，我是受过了黄自元的毒，再沾染上一点仇老的习气，那时，自己既不善于悬腕，又喜欢用长锋羊毫，更显得拖拖沓沓地不受看。陈姓朋友所说的是药石之言，我非常感激他。就在那个时候，立志要改正以往的种种错误，先从执笔改起，每天清早起来，就指实掌虚，掌竖腕平，肘腕并起地执着笔，用方尺大的毛边纸，临写汉碑，每纸写一个大字，用淡墨写，一张一张地丢在地上，写完一百张，下面的纸已经干透了，再拿起来临写四个字，以后再随便在这写过的纸上练习行草，如是不间断者两年多。

　　沈尹默不仅认识到了自己的不足，而且进行了深入的思考，认为当时学书取法不高，沾染习气；不仅认为陈的话乃“药石之言”，而且充满感激；不仅表了决心改正，而且身体力行——取法乎上，持之以恒。现在看来，陈独秀直陈其弊，沈尹默从善如流，哪有不成功的道理？

　　沈尹默在《沈尹默论书丛稿》中写道：“凡是学书的人，首先要知道前人的法度、时代精神加个人特性，三者必须使它结合起来方始成功。”书法曾经俗在其骨的沈尹默，讲出其成功的秘诀，我们需要听得进去。

　　1971年6月1日，一代书法大师沈尹默，病逝于上海，享年88岁。沈尹默临写的《兰亭序》曾得到于右任称赞，并且对《兰亭序》终生浸淫，在中华人民共和国成立后声势浩大的《兰亭序》论辩中，沈尹默态度坚决、立场鲜明，从不怀疑“天下第一行书”的真实性。这不仅是学术的问题，也显示出沈尹默对帖学书法的热爱。

《艺术的脉络：西方绘画史纲》 （精装典藏版） 作者： [此处填写一位历史学或艺术史学家的名字，例如：阿尔弗雷德·韦伯] 装帧： 典藏级硬壳精装，内文采用高克重哑光艺术纸印刷，确保色彩还原度与阅读质感。附赠特制丝带书签。 --- 导言：凝视时间的回响 艺术，是人类文明最深刻的自述。它并非孤立于历史的装饰品，而是时代精神、社会结构、哲学思潮乃至技术革新的直观载体。本书《艺术的脉络：西方绘画史纲》旨在带领读者穿越浩瀚的西方艺术长河，从史前洞穴的微光，直至现代画布上的爆发，系统梳理绘画艺术的演变轨迹、核心风格及其背后的文化驱动力。 本书的焦点不在于罗列艺术家及其作品清单，而在于剖析“为什么”——为何某一时期会偏爱特定的主题、视角或技法？绘画如何响应政治动荡、宗教信仰的更迭，以及科学发现的冲击？我们试图构建的是一幅宏大而精密的地图，让读者清晰地辨识出不同艺术流派间的内在联系与外在分野。 --- 第一部：起源与神性的构建（从古典到中世纪） 第一章：地中海的曙光——古希腊与罗马的视觉遗产 本章追溯西方视觉艺术的源头。我们不会仅仅停留在对古典雕塑的赞美，而是深入探讨古希腊人对“理想美”的数学化追求，以及这种追求如何渗透到早期的壁画和陶绘中。重点分析早期透视雏形的出现，以及罗马庞贝壁画中对日常生活场景的细腻描摹，它们是日后文艺复兴空间感的最初尝试。 第二章：信仰的疆域——早期基督教与拜占庭的象征主义 随着罗马帝国的衰落，艺术的使命彻底转向精神服务。本章详细阐述了平面化、程式化的拜占庭圣像画的形成过程。分析黄金背景的象征意义，人物比例的非自然性，这并非“技术落后”，而是刻意为之，旨在引导观者超越世俗，直抵神圣。我们将重点解读《圣像破坏运动》对艺术传承的影响。 第三章：光影的序章——罗马式与哥特式的过渡 从黑暗时代的晦涩转向哥特式建筑的向上攀升，绘画艺术开始在玻璃彩绘和手抄本插图中寻求突破。本章着重考察哥特晚期——特别是意大利，如乔托（Giotto）——如何通过引入“情感”和“体积感”，为即将到来的文艺复兴埋下了人性化的伏笔。 --- 第二部：理性的回归与人性的颂歌（文艺复兴与巴洛克） 第四章：透视学的革命——文艺复兴的科学与人文主义 文艺复兴是西方艺术史上最关键的转折点。本章将详尽探讨线性透视法的发明、黄金分割在构图中的应用，以及对古典解剖学的重新学习。我们深入对比佛罗伦萨学派（强调线条与结构）与威尼斯画派（强调色彩与光线）的不同倾向，解析达芬奇的“晕染法”如何模糊了对象的界限，体现了对自然界复杂性的理解。 第五章：风格的成熟与矛盾——盛期文艺复兴与风格主义 当理想化达到顶峰，艺术开始探索“极限”与“张力”。本章分析拉斐尔的和谐之美如何与米开朗基罗在《西斯廷天顶画》中所展现的英雄式力量形成对照。随后，我们将考察风格主义（Mannerism）如何故意扭曲比例、使用非自然色彩，作为对古典完美的一种反叛和焦虑的表达。 第六章：戏剧性的张力——巴洛克艺术的感官轰炸 巴洛克是反宗教改革的视觉武器，也是绝对君主制的权力象征。本章聚焦于卡拉瓦乔的“暗色背景法”（Tenebrism）如何创造出强烈的戏剧效果，以及鲁本斯笔下奔放的生命力。重点分析巴洛克艺术如何运用“瞬间性”和“对角线构图”，迫使观众成为场景的一部分，而非旁观者。 --- 第三部：秩序、情感与视觉的解放（古典主义至浪漫主义） 第七章：启蒙时代的清晰——新古典主义与对秩序的回归 洛可可的奢靡与享乐主义终将退场，启蒙运动带来的理性思潮催生了新古典主义。本章探讨大卫等画家如何从古希腊罗马的道德寓言中汲取力量，倡导清晰的轮廓、冷静的色调和崇高的主题。分析法国大革命对这一风格的推动作用。 第八章：情感的洪流——浪漫主义对主观世界的探索 面对工业革命带来的社会异化与新古典主义的刻板，浪漫主义者高举“情感”、“想象力”和“异域风情”的旗帜。本章细致分析戈雅对战争恐怖的记录、德拉克洛瓦对色彩的自由运用，以及透纳对“崇高”（The Sublime）——自然界不可抗拒的巨大力量——的痴迷。 第九章：现实的镜鉴——现实主义与印象派的诞生 摄影术的出现动摇了绘画再现世界的传统功能。本章探讨现实主义画家如何将目光投向工人和农民的日常生活，拒绝历史和神话的庇护。随后，我们将深入分析印象派的革命性：他们将画室搬到户外，研究光线和色彩的瞬时变化，关注“看”的过程本身，而非被“看”的对象。 --- 第四部：打破界限与现代性的迷宫（后印象派至今） 第十章：个体经验的重塑——后印象主义的多元探索 后印象主义者并非一个统一的流派，而是各自从印象派的基础上，向更深层次的结构或情感探索。本章集中讨论塞尚对体积和多视角的几何化处理、梵高对色彩的心理投射，以及高更对原始象征的追寻，他们共同为二十世纪的抽象艺术铺平了道路。 第十一章：形式的崩塌——立体主义与抽象艺术的开端 进入二十世纪，艺术不再试图模仿可见世界。本章剖析毕加索和布拉克如何通过“分析立体主义”将对象拆解并重组，挑战了文艺复兴以来建立的视觉法则。随后，介绍康定斯基和蒙德里安如何从对现实的描绘中彻底解放，走向纯粹的线条、形状和色彩的表达。 第十二章：焦虑与潜意识——达达主义、超现实主义与抽象表现主义 两次世界大战的创伤促使艺术家转向非理性与潜意识。本章考察达达主义的荒谬反抗、超现实主义对梦境和潜意识的图像化（如达利），以及二战后美国艺术的崛起——以抽象表现主义为代表，探讨波洛克“行动绘画”中身体与画布的直接对话，标志着艺术中心向大西洋彼岸的转移。 --- 结语：未完成的叙事 西方绘画史是一部不断自我否定又不断自我超越的历史。本书的终点并非现代艺术的句号，而是对后续波普艺术、极简主义乃至当代观念艺术的有力引介。通过理解这些历史的深度逻辑，读者方能以更敏锐的眼光，去评判和欣赏我们眼前每一个被捕捉的瞬间、每一块被精心布局的色彩。 本书力求在严谨的学术梳理与生动的叙事之间找到平衡，是一部适合艺术爱好者、历史学生深入研习的权威参考读本。 （总字数：约1480字，不含标题及章节编号）

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我最大的震撼，在于它所激发出的那种强烈的“求知欲”。每读完一个章节，我总会立刻想去寻找更多相关艺术家的其他作品来做对比研究，或者去查阅作者在脚注中提及的那些原始资料。它不仅仅是提供知识的载体，更像是一把钥匙，开启了我对人类创造力无限可能性的探索之门。我发现自己看世界的眼光都变得不一样了，走在街上，看建筑的比例，看光线的处理，都能联想到书中的理论，这种潜移默化的影响是任何其他形式的教育都难以比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真的太棒了，拿在手里沉甸甸的，那种精装的质感让人爱不释手。封面设计简约而不失大气，色彩搭配也很有品位，一看就知道是精心打磨过的作品。我特别喜欢它那种厚实的纸张，印刷的图文清晰度极高，即便是色彩复杂的画作也能还原出非常细腻的层次感。对于一个热爱艺术的读者来说，能够拥有一本如此精美的实体书，本身就是一种享受。而且，这种高质量的装帧，也让这本书更具收藏价值，放在书架上也是一道亮丽的风景线。每次翻阅时，那种指尖触碰到微凸的纹理，都能感受到制作者的匠心独运。

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这本书的选材角度非常新颖，它没有完全拘泥于传统的“西方艺术史”框架，而是巧妙地穿插了一些更具启发性的视角。我尤其欣赏它对“艺术与时代精神”之间关系的探讨，那些对不同历史时期社会背景与艺术风格之间互动关系的分析，简直是神来之笔。它让我明白，艺术从来都不是孤立存在的，它是那个时代社会情绪、技术发展和哲学思潮的集中体现。每一次阅读，都像进行了一次穿越时空的对话，让我对“美”的定义有了更深层次的思考，远超出了单纯的视觉欣赏范畴。

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虽然我不是专业的艺术史学者，但这本书的逻辑结构组织得极好，层层递进，脉络清晰得令人赞叹。它没有让初学者望而却步，也没有让专业人士觉得肤浅。每一讲似乎都是一个独立而完整的知识模块，但它们之间又通过巧妙的过渡和呼应紧密相连，形成了一个宏大而严谨的知识体系。我发现自己可以随时从任何一个感兴趣的点切入阅读，而不会因为缺乏背景知识而感到迷茫。这种编排方式极大地提高了阅读的效率和乐趣，让人能够持续保持高度的专注力。

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这本书的行文流畅度简直让我惊艳，作者的叙述方式非常独特，既有学术的严谨性，又不失文学的感染力。它不像一些艺术史著作那样枯燥乏味，而是将那些遥远的历史和复杂的流派，用一种非常贴近生活、容易理解的方式娓娓道来。我感觉自己不是在阅读一本教科书，而是在听一位学识渊博的朋友，兴致勃勃地给我讲述那些艺术家的故事和他们那个时代的风貌。尤其是那些对艺术概念的阐释，深入浅出，让人茅塞顿开，很多以前理解得模棱两可的地方，读完之后豁然开朗，感觉自己的审美视野都被拓宽了好大一块。

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