中国最具代表性书法作品苏轼寒食诗帖 苏轼墨迹 陈忠康临本 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈忠康 著

图书标签:

• 苏轼
• 寒食帖
• 书法
• 中国书法
• 宋代书法
• 墨迹
• 临本
• 陈忠康
• 书法作品
• 艺术

出版社： 河南美术出版社

ISBN：9787540137267

版次：1

商品编码：12305084

包装：平装

开本：8k

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

产品特色

内容简介

本书河南美术出版社精心打造的中国 具代表性书法作品系列之一，精选宋代著名书法家苏轼寒食诗帖墨迹，附有当代著名书法家陈忠康先生临本相对照，并在每一页附有二维码可供读者欣赏学习临池的过程以及需要注意的有关事项，图文并茂，是书法初学者不可多得的学习参考资料用书

内页插图

宋代文脉的另一重光辉：宋徽宗《瘦金体千字文》与赵孟頫《前后赤壁赋》赏析 本书聚焦于宋代书法艺术的巅峰成就，通过对两位代表性人物——宋徽宗赵佶与元代书画大家赵孟頫——的传世墨宝进行深入细致的文本解读与风格剖析，旨在展现宋元之际文人书风的演变脉络及其独特的审美追求。我们绕开苏轼《寒食帖》的经典论述，转而探讨宋代书法中更为精致与典雅的一面，并追溯其对后世元代书风的深远影响。 第一部分：北宋末期的宫廷气象——宋徽宗赵佶的《瘦金体千字文》 宋徽宗赵佶，这位集皇帝、艺术家、鉴赏家于一身的君主，其独特的“瘦金体”代表了宋代宫廷书风的极致。不同于苏轼的雄浑、米芾的欹侧，赵佶的字体结构犹如瘦硬的铁线，挺拔秀劲，笔画尖峭，极富雕塑感。本书将首次系统性地梳理《瘦金体千字文》的创作背景、结构特征与文化内涵。 一、时代背景与个人心境的交织： 我们将分析徽宗时期宋室由盛转衰的历史背景，探讨这种外部的紧张感如何内化为笔端那种近乎苛刻的精确与疏朗。瘦金体并非一蹴而就的偶然，而是徽宗多年推崇“格物致知”的艺术哲学在书法上的体现——追求形体上的极致完美与结构上的高度提炼。 二、瘦金体的笔法解析： 本书将运用高清拓本，细致入微地剖析瘦金体“瘦硬挺拔”的特质： 1. 起笔与收笔的“尖锐化”： 探讨其如何摒弃传统楷书圆润的藏锋入笔，转而采用直入的“蚕头燕尾”式尖锋，赋予每个笔画以锐利和动感。 2. 结体的“疏朗化”： 瘦金体的字距、行距远大于一般楷书，形成一种强烈的呼吸感和空间感。分析这种疏朗如何烘托出字体本身的挺拔，避免了拥挤带来的沉闷。 3. 横画的“折角化”： 瘦金体的横画常伴有微妙的提按变化，尤其在起笔和收笔处呈现出明显的提笔上挑或折角，这使得原本平直的横画也充满了飞动之势。 三、与唐楷的渊源及超越： 瘦金体以唐代欧阳询的“险劲”为基础，但赵佶将其推向了极致的“瘦绝”。我们将对比分析其与欧楷在结构上的异同，指出瘦金体如何通过夸张的结构比例（如拉长中宫，压缩四边）来体现宋人追求的“意趣”而非单纯的法度。 第二部分：元代复古思潮的旗手——赵孟頫《前后赤壁赋》的文人书风再造 时间跨越至元代，面对蒙古统治下的文化断层，赵孟頫肩负起“书画复古”的历史使命。他的代表作《前后赤壁赋》（行书本）不仅是对苏轼题材的继承，更是对唐人法度的回归与重塑，开启了元代尚韵的文人书风。 一、元代书风的转向： 本书将深入探讨元代士大夫群体在政治失意后如何转向对传统文化的回归。赵孟頫主张“上追晋唐”，反对南宋以来流俗的“宋体”（指宋人追求个性的、偏尚意趣的书风）。《前后赤壁赋》正是其“复古论”的最佳实践。 二、行书的“妍美”与“韵致”： 与苏轼的欹侧用笔不同，赵孟頫的行书追求的是“圆润遒劲”，线条犹如“金线垂露”，极富弹性与生命力。我们将重点分析： 1. 中锋用笔的典范： 赵孟頫将中锋用笔发挥到了极致，使得线条无论粗细变化，都保持了内在的凝聚力和圆融感。这与苏轼的侧锋用笔形成鲜明对比。 2. 结体的“匀称”与“法度”： 他的字形结构严谨，取法晋人，强调“大小相间、俯仰有致”，字与字之间气脉贯通，但绝不草率，达到了法度和意趣的完美平衡。 3. 章法的气韵流转： 《前后赤壁赋》通篇气韵连绵，转折处圆融过渡，体现了古人“一笔不苟，通篇气足”的修养。我们将分析其如何通过笔势的连带，使整篇作品形成一气呵成的韵律感。 三、赵孟頫对苏轼题材的“重释”： 苏轼以其独特的笔墨情绪解读了《赤壁赋》的悲壮与旷达，而赵孟頫则以一种更为典雅、内敛的行书风格，重新诠释了同一篇赋的文人情怀。这种“题写内容相同，书写风格迥异”的对比，是理解宋元书风差异的绝佳切入点。 结语：风格的传承与分野 本书的最后一部分将对比分析宋徽宗的“瘦金体”（精工绝艺的典范）与赵孟頫的“妍美行书”（晋唐复古的集大成者）。两者共同构筑了宋元之际书法艺术的宏大图景：前者以其独有的锐利和疏朗展现了宋代贵族艺术的极致；后者则通过对古法的回归，奠定了元明清时代文人书法的核心审美基调。通过对这些不以苏轼《寒食帖》为核心的代表作的深入研究，读者将能构建一个更为立体、多元的中国书法史认知框架。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来形容阅读这本书的体验，那便是“沉浸感”。它巧妙地运用了对比和参照的技巧，使得读者能够在不同的历史节点和风格流派之间自由穿梭，从而构建起一个宏大的文化坐标系。比如，在对比几位不同时期大家的作品时，作者对细节的捕捉极其敏锐，总能指出那些微妙的变化，这些变化往往是理解风格演进的关键。对于我这种长期关注艺术史的读者来说，书中提供的全新视角和未曾留意过的细节分析，简直是醍醐灌顶，仿佛打通了以往阅读中遇到的诸多困惑点。它不是简单地告知“是什么”，而是深入地解释“为什么会这样”，这种探究精神让人由衷敬佩。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到价值的，是它在现代传播语境下，对传统文化传承的深刻思考。它不仅仅是对历史遗存的简单回顾，更像是搭建了一座沟通古今的桥梁。在介绍完那些经典之作后，作者并没有止步于赞美，而是提出了许多关于当代人如何继承和发展这些艺术精神的开放性问题。这种前瞻性的视角，让这本书的厚度远超一本单纯的艺术鉴赏录，它更像是一部关于文化生命力的探讨之作。每一次读完，都会有一种被激发的冲动，想要拿起笔，哪怕只是做最简单的模仿，去亲身体验那种创作时的精神状态，这种由内而外的触动，是衡量一本好书的最终标准。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏书中对“意境”这个抽象概念的具象化处理。很多时候，我们评价书法作品，总是停留在笔画、结构这些技法层面，但这本书显然超越了这些。它仿佛拥有一种魔力，能够引导读者去体会书法家在创作时的心绪波动——是豪放不羁，还是沉郁顿挫？每一幅作品的旁边，作者似乎都用细腻的笔触描摹出了当时的氛围，比如光影、声音甚至气味，使得那些静止的墨迹仿佛重新“活”了起来，跃然纸上。这种深层次的文化解读，让原本可能显得高冷的艺术品，变得可亲近、可感知，极大地拓宽了我们对传统美学的理解边界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种典雅中透着古朴的气息，仿佛能从指尖触摸到历史的温度。纸张的选择很讲究，摸上去有种细腻的沙质感，配合着内页的排版布局，每一次翻阅都成为一种享受。尤其值得称道的是，它在细节处理上的用心，比如封面烫金工艺的精致程度，以及内文的墨色控制，都体现了出版方对艺术品尊重与敬畏。初次捧读时，我并未急着深入内容，只是反复摩挲着封面和目录，就已经被它所营造出的那种宁静致远的书卷气所吸引。这种对实体书品质的极致追求，对于我们这些珍视传统文化的读者来说，无疑是加分的项，让人感觉这不仅仅是一本书，更像是一件值得收藏的艺术品，摆在书架上都觉得格调非凡。

评分☆☆☆☆☆

这本书的整体编排逻辑，给我的感觉是脉络清晰却又充满惊喜的探索之旅。它似乎不满足于简单的作品罗列，而是构建了一个立体的视角去审视那位伟大的文学家和他的时代背景。阅读过程中，我注意到作者在引入每一个章节时，都会用一段富有哲理性的文字作为引子，这种叙事手法极大地提升了阅读的代入感和思辨性，让人在欣赏字迹之前，先进入了一种与古人对话的心境。它没有采用那种过于学术化、枯燥的论述方式，而是将复杂的艺术理论巧妙地融入到生动的历史场景描绘之中，使得即便是初涉此道的读者，也能轻松领略到其中蕴含的深厚文化底蕴。这种平衡艺术性与可读性的能力，是很多同类书籍难以企及的。