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曾晓安，曾小梅 著

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• 钢琴
• 即兴伴奏
• 音乐教学
• 钢琴教学
• 伴奏技巧
• 音乐伴奏
• 和声
• 乐理
• 音乐学习
• 钢琴演奏

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562156291

版次：1

商品编码：12344424

包装：平装

丛书名： 21世纪音乐教育丛书

开本：8开

出版时间：2012-01-01

用纸：胶版纸

页数：276

正文语种：中文

内容简介

　　《钢琴即兴伴奏教程》共有五章，各章内容不同，适合不同学习者使用。初学者宜从头至尾学习，稍有基础者可采取查漏补缺的办法，自己选择学习内容。
　　《钢琴即兴伴奏教程》在编写语言、举例等方面浅显易懂，所涉及的内容、问题结合实际，易用性强。由于全国中、小学的音乐教材和社会普及的乐谱大都是简谱，且简谱在即兴伴奏方面有着调变谱不变、易于弹奏等优势，故《钢琴即兴伴奏教程》以简谱为主，适当使用简谱、线谱对照的办法，以便给学习者带来方便，有利于音乐的普及。
　　《钢琴即兴伴奏教程》是一本钢琴即兴伴奏基础教材，故删掉了一些偏难、少用的知识，钢琴伴奏者可自行学习。

内页插图

目录

第一章 简易伴奏曲弹奏及钢琴指法
一、简易伴奏曲弹奏练习
（一）柱式和弦音型伴奏曲
（二）分解和弦音型伴奏曲
（三）半分解和弦音型伴奏曲
（四）综合音型伴奏曲
二、钢琴指法
（一）旋律的指法
（二）和弦的指法

第二章 伴奏基础知识
一、伴奏的作用和类型
（一）伴奏的作用
（二）伴奏的种类
二、简易和声基础知识
（一）和弦的构成
（二）三和弦的种类
（三）三和弦的转位
（四）三和弦转位后对和弦稳定性的影响
（五）三和弦的旋律位置
（六）七和弦的种类和转位
（七）和弦的排列形式
（八）和弦音的重复与省略
（九）和弦外音
（十）和弦的功能与序进
（十一）和弦的连接
（十二）和弦的转换
三、三和弦、七和弦的连接
（一）大调正三和弦的连接
（二）小调正三和弦的连接
（三）大调副三和弦的连接
（西）小调副三和弦的连接
（五）属七和弦、副七和弦、导七和弦的连接
（六）副属和弦的连接
四、大调中的bⅢ、bⅣ、bⅦ和弦的使用
五、持续音型
六、终止式
（一）按终止式所用和弦分类
（二）按终止式在曲子的部位分类
（三）按终止和弦稳定与不稳定分类
（四）按终止的完满程度分类
七、音型基础知识
（一）音型的种类
（二）音型的创编

第三章 常用伴奏处理手法
一、旋律位置的处理（带旋律的伴奏）
（一）旋律在高声部
（二）旋律在低声部
（三）旋律在歌声之上
二、不带旋律的伴奏
三、前奏、间奏、后奏的编配
（一）前奏的编配
（二）间奏的编配
（三）后奏的编配
四、处理长音
（一）各种音阶式的进行
（二）重复旋律
（三）模仿旋律
（四）采用对比性旋律
（五）采用柱式和弦填充
（六）采用分解和弦式进行
五、交替音型
六、移动音区
七、加厚音层
八、运用震音
九、确定速度
十、选择奏法
十一、复调性伴奏
（一）模仿型
（二）对比型
十二、多声部的伴奏处理
（一）轮唱歌曲的伴奏
（二）和声型歌曲的伴奏
（三）复调型歌曲的伴奏
（四）带有衬腔的歌曲的伴奏
（五）带有辅助声部的歌曲的伴奏

第四章 民族调式的配弹
一、五声调式中的小三度
二、五声调式中的和弦
三、五声调式的终止式
四、五声调式中的平行进行
五、五声调式中的和声禁忌
六、五声调式的功能体系
（一）宫调式的功能体系
（二）徵调式的功能体系
（三）羽调式的功能体系
（四）商调式的功能体系
（五）角调式的功能体系

第五章 初学即兴伴奏的步骤
一、熟悉歌曲内容、情绪、风格，确定伴奏音型
（一）威武雄壮、节奏稳健的歌曲常用柱式和弦音型
（二）抒情缓慢、亲切的歌曲常用分解和弦音型
（三）欢快活泼的舞蹈性节奏歌曲常用半分解和弦
（四）庄严辉煌、气势磅礴或激情奔放的歌曲常用综合音型
二、分析歌曲的调式和调性确定主和弦
三、分析歌曲的旋律确定选用和弦
四、分析歌曲的曲式，处理好终止式
五、处理好歌曲的前奏、间奏、后奏
六、处理好特殊地方的伴奏
七、根据演唱者的音乐素养配伴奏
（一）伴奏要有助于音乐形象的体现
（二）伴奏要有利于儿童歌唱
（三）伴奏要符合认识规律

附录一 简谱歌曲伴奏谱例
附录二 简谱歌曲集

后记

前言/序言

　　钢琴被誉为乐器之王，有着丰富的表现力，深受人们的喜爱，用其为歌唱伴奏，效果很好。在学校的音乐教学和音乐课外活动中以及社会唱歌活动中人们都喜欢用钢琴伴奏，而钢琴即兴伴奏是指演奏者根据既定的歌曲旋律经过瞬间的思维，为演唱者即兴而作的伴奏，它是集音乐学科知识与技能于一身的综合学科。随着时代的发展和高师教学改革的深入，钢琴即兴伴奏已成为一门新兴独立的学科课程。可以说中、小学以及幼儿园的音乐教师都应具备钢琴即兴伴奏能力，这对唱歌教学、器乐教学及音乐舞蹈课外活动的开展都有很大的帮助。编写这本教材的目的是想帮助学习者能尽快掌握即兴伴奏。
　　本教材编写原则是：以弹奏技能为前提，以和声理论为基础，以音型运用为核心，以分析曲谱为借鉴，以实际操作为关键。
　　本教材编写思路如下：
　　一、注重实践，逐步增强配奏能力
　　为了避免和声理论的空洞、枯燥，先从弹奏开始接触具体的和弦音型，以后学习和声理论、配奏知识时就不觉得陌生，容易入门。和声理论的名词、概念容易与所弹的曲目挂钩，一点就通。同时，所讲的理论都有练习，每个练习都有弹奏，把理论落实到弹奏中去，使抽象的东西触手可及，这样，学习者的配奏能力就能逐步增强。
　　二、强调联系，采用综合教学法
　　学习和声和配奏知识不可“单枪匹马”搞纸上谈兵，只用眼睛看是不行的，要与其他活动联系进行，采用综合的教学方法。因此，在本教材里编了许多“写与弹”的练习，目的是把想、写、看、奏、听联系起来，使大脑、手、眼、耳互相配合，“协同作战”，这种方法能使学习者趣味性强、印象深刻，学得扎实、进步快。
　　三、培养创新精神，提高配奏能力
　　即兴伴奏是一种艺术，艺术的生命在于创新。和声音型可以自己创编，一首歌曲会有不同的编配，这些都是可能的、正常的。教材里安排了一曲多配的练习，用以开启智慧、培养创新精神，增强即兴配奏能力，提高配弹质量。
　　四、广泛性与易用性相结合
　　本教材共有五章，各章内容不同，适合不同学习者使用。初学者宜从头至尾学习，稍有基础者可采取查漏补缺的办法，自己选择学习内容。在编写语言、举例等方面浅显易懂，所涉及的内容、问题结合实际，易用性强。由于全国中、小学的音乐教材和社会普及的乐谱大都是简谱，且简谱在即兴伴奏方面有着调变谱不变、易于弹奏等优势，故本教材以简谱为主，适当使用简谱、线谱对照的办法，以便给学习者带来方便，有利于音乐的普及。这是一本钢琴即兴伴奏基础教材，故删掉了一些偏难、少用的知识，钢琴伴奏者可自行学习。
　　在编写中参考了桑桐的《和声的理论与应用》、苏夏的《和声的技巧》、戴树屏的《新和声教程》、乔惟进的《和声基础教程》、泰尔的《即兴伴奏实用教程》、孙维权的《钢琴即兴伴奏入门教程》、江静蓉的《简谱歌曲配弹与练习》、冯德钢的《歌曲钢琴即兴伴奏》、胡郁青的《中外声乐曲选集》等著作，在此一并致谢。
　　由于水平有限，错误之处在所难免，切望大家批评指正。

好的，这是一份关于一本名为《钢琴即兴伴奏教程》的图书的详细简介，内容严格围绕假设此书不存在，并完全聚焦于其他主题的图书内容展开，力求内容充实、自然。 --- 《巴洛克时期键盘乐器的演奏实践与风格研究》 内容概述： 本书旨在深入剖析巴洛克时期（约1600年至1750年）键盘音乐的演奏实践、风格特征及其历史演变。我们聚焦于这一时期涌现出的核心键盘乐器——羽管键琴（Harpsichord）、击弦古钢琴（Clavichord）以及管风琴（Organ）的特性，并结合当时的音乐理论、记谱法和演奏家的手稿，构建一套全面的历史演奏实践认知框架。本书不涉及浪漫主义或近现代的即兴伴奏技巧，而是将视角牢牢锚定于巴赫、亨德尔、斯卡拉蒂等大师生活的时代背景之下。 第一部分：乐器演进与声学特性 本部分详细考察了巴洛克时期三种主要键盘乐器的技术发展轨迹。 第一章：羽管键琴的构造与调律 羽管键琴是这一时期室内乐与协奏曲中最常使用的乐器。我们探讨了意大利式、佛兰德斯式和法国式羽管键琴在音板、音栓布局和琴弦张力上的区别，这些物理差异如何直接影响了音色（如Quill Pluck与Tonguing的音色对比）。特别关注了“巴洛克调律法”的复兴，例如维尔纳·韦斯（Werckmeister III）和基赛克（Kirnberger III）调律法。这些调律法如何影响了D大调与升F小调等调性的“色彩感”，是理解早期协奏曲和奏鸣曲织体结构的关键。书中包含大量图示，解析了早期机械结构如“Jack”和“Register”（音栓）的工作原理。 第二章：击弦古钢琴的细腻表达 击弦古钢琴（Clavichord）以其独特的演奏灵活性著称，尤其是其“Bebung”技术（一种持续揉弦的颤音效果）。本章分析了这种乐器对演奏家力度控制的细微要求，以及它在私人教学和早期奏鸣曲练习中的地位。我们对比了不同时期（如早期维也纳式与后期柏林式）击弦古钢琴的键盘比例和敏感度，并探讨了如何通过控制触键速度来模拟早期管弦乐器的线条感。 第三章：管风琴的结构与空间适应性 管风琴作为宗教和大型音乐会的核心乐器，其设计与教堂的声学环境紧密相关。本章详细阐述了风箱、音栓的命名规则（如8’、4’、16’、Cornet、Sesquialtera等），以及如何根据不同建筑的混响特性来构建音栓组合。特别分析了德国北部的“阿尔普·施尼特格”（Arp Schnitger）学派与德累斯顿学派在管风琴设计哲学上的差异，这对演奏巴赫的管风琴作品至关重要。 第二部分：风格语汇与记谱解析 本部分将重点从文献和作品本身出发，解读巴洛克键盘音乐的“语汇”。 第四章：数字低音的阅读与实现（非即兴伴奏视角） 本章严格遵循巴洛克时期的记谱习惯，解析数字低音（Basso Continuo）的符号系统。重点在于理解数字如何指示和声的功能性而非具体音高。通过分析科雷利和珀塞尔的范例，我们区分了“必要和声”与“装饰和声”的界限。我们着重讨论了数字低音演奏者（Continuo Player）在合奏中如何根据独奏乐器或声部的旋律线索，进行合理的和声构建和织体填充，确保整体的对位清晰度与结构完整性，而非仅仅是和弦的填充。 第五章：对位法在键盘作品中的应用 对位法是巴洛克音乐的骨架。本章聚焦于赋格（Fugue）、托卡塔（Toccata）和创意曲（Invention）中对位原理的实际运用。我们详细剖析了巴赫《平均律键盘曲集》中，不同调性与不同声部处理的差异。例如，如何通过调整主导声部的力度与音色（在羽管键琴上通过音栓切换）来清晰地勾勒出主题的进入与发展，保持各个声部的独立性。 第六章：装饰音的结构性意义 巴洛克音乐的装饰音并非随意的点缀，而是乐曲结构和情感表达的有机组成部分。本章分类探讨了： 1. 颤音（Trill）： 在法国（如库普兰）和意大利（如斯卡拉蒂）风格中，何时从上导音开始，何时从基音开始。 2. 回音与碎音（Echo/Passaggio）： 在托卡塔中，如何利用快速的音群来模拟管弦乐的张力释放。 3. 顿音（Appoggiatura）： 作为和声推进的必要步骤，而非简单的滑音。 我们利用当时的演奏指南（如卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫的《论真正的键盘乐器演奏艺术》中与此相关的部分）来指导装饰音的执行，强调其结构优先于炫技。 第三部分：历史文献与演奏语境 第七章：巴洛克演奏中的速度与情感标记 本章研究了巴洛克时期速度术语的实际含义。例如，“Adagio”在1700年与1740年的含义差异。我们通过分析早期指挥手册和乐评，推导出当时的“Tempo giusto”（恰当的速度）概念，以及如何通过韵律（Rhythm）而非纯粹的力度对比来表达戏剧性。特别关注了“Affektlehre”（情感理论）在键盘作品中的体现，以及演奏家如何通过音色的细微变化来实现情感的层次感。 第八章：羽管键琴与早期协奏曲的“独奏”角色 在维瓦尔第和巴赫的协奏曲中，羽管键琴通常扮演“独奏者”和“ continuo”的双重角色。本章探讨了演奏者如何在保持节奏稳定性的同时，对主奏乐器进行微妙的动态支持和和声强调。这要求演奏者对曲式结构有极强的预判能力，以便在不破坏整体结构的前提下，实现即时的、有分寸的织体增减。 总结： 本书为致力于深入理解和历史性重构巴洛克键盘音乐演奏的学者、音乐家和爱好者提供了一份详实的指南。它侧重于乐器技术、历史文献与风格规范的结合，旨在帮助读者真正理解键盘乐器在巴洛克语境下的声音潜力与艺术追求。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我量身定做的！一直以来，我都觉得钢琴弹奏很有乐趣，但总感觉少了点什么，尤其是在大家聚会时，大家都喜欢点歌，而我只能默默地看着别人在电脑上搜谱子，然后笨拙地弹出来，那种感觉真的有点尴尬。所以，我一直在寻找一本能让我摆脱“看谱弹琴”束缚的书，让我能够随心所欲地伴奏。翻开这本书，我立刻就被它那种由浅入深、循序渐进的讲解方式吸引了。作者并没有一开始就抛出什么高深的乐理知识，而是从最基础的和弦构成开始，一步步引导你去理解不同和弦之间的关系，以及如何在脑海中“看到”和弦。我最喜欢的是它里面提供了大量实际的伴奏范例，这些范例涵盖了各种不同的风格，从简单的流行歌曲伴奏到一些稍有难度的爵士风格，都讲解得非常透彻。更重要的是，它不仅仅是告诉你“怎么弹”，更是在教你“怎么思考”。比如，它会分析一首歌曲的情绪，然后告诉你如何根据情绪来选择不同的伴奏音型，这让我第一次真正理解了“即兴”的含义，原来它并不是乱弹，而是基于音乐理论和情感表达的一种创造性发挥。这本书真的让我感觉自己不再只是一个“乐谱的搬运工”，而是能够真正理解音乐，并用自己的方式去表达音乐。我迫不及待地想要把学到的技巧应用到实际的演奏中，相信不久的将来，我一定能在朋友面前大显身手！

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，彻底颠覆了我对钢琴学习的传统认知。作为一个在音乐道路上摸索了多年的“老兵”，我曾一度觉得自己的进步空间已经不大，或者说，学习的乐趣渐渐被繁重的练习所取代。这本书，则如同一股清流，让我重新找回了学习音乐的初心。作者在书中并没有一味地强调高难度的技巧，而是将重心放在了如何通过理解音乐的内在逻辑来达到即兴伴奏的目的。我最欣赏的一点是，它强调了“听”的重要性，鼓励读者去倾听音乐的每一个细节，去感受旋律与和声的碰撞，去捕捉节奏的脉动。书中大量的案例分析，让我能够更清晰地理解不同风格的即兴伴奏是如何形成的，以及如何根据不同的情境来调整自己的演奏。我特别喜欢它关于“转调”和“模进”的讲解，这些原本在我看来非常高深的乐理知识，在这本书里被解释得浅显易懂，并且提供了非常实用的练习方法。现在，我不再害怕听到那些复杂的和弦，而是能够自信地去分析和尝试。这本书让我明白，即兴伴奏并非神秘莫测，而是可以通过系统学习和大量练习来实现的。它为我打开了一扇新的大门，让我看到了音乐创作的更多可能性。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感觉自己对音乐的理解上升到了一个全新的维度。以往我学习钢琴，更多的是模仿和练习，对于乐曲的内在结构和情感表达，总觉得隔靴搔痒。但这本书，就像一位经验丰富的导师，不仅传授了我实用的技巧，更重要的是，它教会了我如何“听懂”音乐。作者在书中深入浅出地剖析了不同音乐风格下即兴伴奏的特点，比如在流行音乐中如何运用流畅的琶音和和弦进行，在爵士音乐中如何运用切分音和转调来增加变化。我尤其赞赏书中关于“和声进行”的讲解，它不仅仅是列出了一些常用的和弦套路，更是深入探讨了这些和弦进行背后的逻辑和情感色彩。通过大量的实例分析，我开始能够自己去“听”出歌曲中的和弦走向，并尝试自己去构建不同的伴奏。书中还强调了“节奏感”的重要性，以及如何在即兴伴奏中运用不同的节奏型来烘托旋律，这让我的伴奏不再是单调的和弦堆砌，而是充满了活力和生命力。这本书最大的价值在于，它不仅仅是一本“教科书”，更像是一本“思维指南”。它鼓励读者去大胆尝试，去犯错误，去从中学习，这种开放式的学习方式让我觉得非常受用。现在，我每次听到一首新歌，都会忍不住想去分析它的和弦和节奏，并尝试为它谱写自己的伴奏。这种探索的过程，让我对钢琴演奏充满了前所未有的热情。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的惊喜，远不止于学会了几种新的伴奏织体。它更像是一次心灵的洗礼，让我重新认识了“音乐”这个概念。作为一名有着多年钢琴学习经历的业余爱好者，我一直以来都觉得自己在技术上已经达到了一定的水平，但总感觉音乐的灵魂缺失了一块。很多时候，我只是在机械地弹奏乐谱，无法真正地“进入”到音乐的情感之中。而这本书，就像一盏明灯，照亮了我内心深处对音乐的渴望。作者巧妙地将音乐理论与实际演奏相结合，用一种极其人性化的方式来讲解即兴伴奏的技巧。我尤其欣赏书中对于“情感表达”的强调，它教会我如何通过和弦的色彩、节奏的变化以及旋律的线条来传达不同的情绪，无论是喜悦、悲伤、还是浪漫。书中提供的许多练习，都非常具有针对性，而且能够循序渐进地引导我突破瓶颈。我特别喜欢的是它关于“听力训练”的章节，它教我如何更敏锐地捕捉音乐中的细节，如何分辨不同的音响效果，这对我日后的即兴创作有着至关重要的影响。现在，我不再畏惧听不懂的歌曲，而是充满自信地去尝试用自己的方式去理解和演奏。这本书让我感受到，音乐不仅仅是音符的组合，更是情感的交流和生命的律动。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版，对于我这样一直想摆脱“死记硬背”式学习模式的钢琴爱好者来说，简直是一场及时雨。我一直觉得，学习钢琴应该是件有趣且富有创造力的事情，而不是枯燥的重复练习。然而，现实中的许多教材，似乎都把重点放在了技巧的磨练上，而忽略了音乐本身的魅力。这本书则完全不同，它从一开始就引导读者去体验音乐的乐趣。作者用非常形象的比喻和生动的语言，将原本抽象的和声理论变得触手可及。我最喜欢的是它关于“和弦构建”的讲解，它不是简单地给出公式，而是通过让你亲自去“听”和弦的构成，去感受它们之间的关系，从而在你的脑海中建立起一个立体化的音乐思维。书中提供的各种伴奏练习，都非常实用，而且很容易上手。我尝试着将书中的技巧运用到我熟悉的歌曲中，惊喜地发现，原来我的钢琴演奏可以变得如此丰富和生动。我不再只是单纯地弹奏旋律，而是能够为歌曲添加更加饱满的和声色彩和富有变化的节奏。这本书不仅仅教会了我“怎么弹”，更重要的是，它激发了我对音乐的探索欲望，让我觉得钢琴学习是一条充满无限可能性的道路。