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[日] 原研哉著张钰译 著

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出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787559801975

商品编码：25557039154

出版时间：2017-10-01

作  者:(日)原研哉 著；张钰 译 定  价:68 出 版 社:广西师范大学出版社 出版日期:2017年10月01日 页  数:237 装  帧:平装 ISBN:9787559801975 ●前言
●中文版序
●序 ―― 美意识即资源
●1 移动 ―― 设计的平台
●面向饱和的世界
●“日本，车，为饱和世界而设计”展览
●对移动的欲望及未来
●2 简与空 ―― 美意识的谱系
●柳宗理的水壶
●简单是何时产生的
●“空”的丰富性
●阿弥众和设计
●3 家 ―― 居住的洗练
●生活方式
●打造家园的智慧
●“无”的富有
●出口日本的家
●4 旅游 ―― 文化的基因
●日本的眼光
●别样的视角
●部分目录

内容简介

“设计的本质，是将潜在的可能性直观地呈现在人们眼前，指明通向未来的具体道路，或是简洁明快地描绘出众人心有的愿景。”原研哉的设计正是以细致的社会观察为前提，根植于时代的需求。原研哉著张钰译的《日本的设计》是一本对设计本质的探索之书，也是一本时代潮流的观察之书。

现代建筑的演进与未来图景：一部跨越世纪的结构美学探索 图书名称：《结构之光：从巴洛克到参数化设计的世纪回响》 图书简介： 这部名为《结构之光：从巴洛克到参数化设计的世纪回响》的著作，是一部对西方乃至全球现代建筑史进行深入剖析与批判性反思的宏大叙事。它并非仅仅罗列建筑师的名字与作品清单，而是一场关于“形式如何追随功能，又如何反噬功能”的哲学辩论，一次对人类居住空间、城市肌理以及材料技术百年变迁的系统考察。 本书的核心视角在于“结构美学”的演进——即支撑建筑的内在骨架如何从隐藏的支撑体系，逐步成为公开的、表达观念的艺术语言。我们将追溯这一轨迹，从文艺复兴晚期对古典秩序的精妙重构，步入宏伟与张力并存的巴洛克时期，探究其如何通过复杂的拱券、飞扶壁和穹顶，将结构力学转化为戏剧性的空间体验。 第一部分：古典语境的瓦解与工业时代的萌芽 开篇部分，我们将细致考察18世纪末至19世纪中叶的社会剧变对建筑思维的冲击。蒸汽机、新材料——特别是铸铁与钢材的引入，彻底动摇了石材和木材主导的传统结构范式。本书将详细分析英国水晶宫（The Crystal Palace）的案例，并非仅将其视为工程奇迹，而是作为一个“非历史的”建筑的诞生，它如何以工业化预制构件宣告了哥特复兴和古典主义的审美终结。 随后，我们将深入探讨以亨利·霍布森·理查森（H.H. Richardson）为代表的“美国式结构表达”的早期形态，以及巴黎世界博览会上埃菲尔铁塔所引发的结构赤裸化争议。这一阶段的重点在于：当结构不再需要被伪装成古典的柱式或壁面时，建筑师如何重新定义“美”？我们分析了约翰·拉斯金（John Ruskin）对工艺的呼唤与威廉·莫里斯（William Morris）的工艺美术运动，探讨了结构理性化与人文关怀之间的初期张力。 第二部分：现代主义的勃兴与结构逻辑的纯化 本书的第二部分聚焦于20世纪初，现代主义的“纯粹逻辑”如何被确立。我们将不再关注外在的装饰，而是转向内在的骨架——钢筋混凝土（Reinforced Concrete）技术的成熟。 勒·柯布西耶（Le Corbusier）的“新建筑五点”被置于其结构革命的背景下进行解读，特别是“自由平面”和“自由立面”如何依赖于其“多米诺（Dom-ino）”体系的结构解放。我们对密斯·凡德罗（Mies van der Rohe）的“少即是多”进行了结构层面的深入分析，探讨了斯图加特的包豪斯建筑和芝加哥联邦中心如何通过清晰的网格系统和暴露的钢结构表达其对秩序、效率与透明性的极致追求。 在对比分析中，本书还探讨了有机建筑的先驱，如弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright）的“草原学派”，如何在他自己的结构体系（如瀑布式建筑的悬挑结构）中，寻求一种本土化的、与地景融合的表达，而非一味拥抱欧洲的标准化模块。 第三部分：后现代的结构解构与高技派的登场 二战后的全球重建带来了对现代主义“乌托邦”的反思。第三部分着重分析了后现代主义对结构象征意义的“挪用”与“戏仿”。罗伯特·文丘里（Robert Venturi）和查尔斯·詹克斯（Charles Jencks）的理论，揭示了建筑不再需要对结构逻辑进行诚实的表达，装饰和符号的回归如何挑战了密斯所代表的结构纯粹主义。 随后，本书将焦点转向对结构本身进行戏剧化展示的高技派（High-Tech Architecture）。理查德·罗杰斯（Richard Rogers）和伦佐·皮亚诺（Renzo Piano）的蓬皮杜中心，以及诺曼·福斯特（Norman Foster）的香港汇丰总行大厦，被视为结构美学的“反转”——将原本服务于功能的管道、通风系统和支撑构件，彻底暴露在建筑表皮之外，使其成为主要的视觉焦点。这一部分详细分析了空间桁架、外部支撑系统以及张拉整体结构（Tensegrity）在这些标志性建筑中的应用及其对建筑空间感受的影响。 第四部分：数字时代与参数化设计的边界 本书的收官部分将目光投向当代，探讨21世纪初信息技术对建筑结构的颠覆性影响。算法、生成设计和高性能计算的普及，使得建筑师能够处理前所未有的复杂几何形态。 我们详细剖析了扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）事务所和盖里（Frank Gehry）事务所的作品，强调参数化设计如何使“流线型”和“非标准”的结构成为可能。这些结构不再严格遵循欧几里得几何的限制，而是通过复杂的节点连接和定制的构件制造，模糊了结构与表皮、工程与雕塑之间的界限。本书对这些形态提出了审慎的疑问：当结构可以被任意塑形时，它是否还具有内在的逻辑和可识别的美感？这种对结构复杂性的追求，是否将建筑推向了成本高昂且难以持续的极端？ 结语：结构的永恒困境 《结构之光》最终回归到对建筑师角色的重新定位：在材料科学、结构工程与人类需求的持续交锋中，建筑师如何平衡效率、美学表达与社会责任？本书通过对过去数百年结构语汇的深度梳理，旨在为读者提供一个理解当代建筑语言的坚实基础，并预见在未来材料与计算能力不断突破的背景下，建筑结构美学将走向何方。这是一部献给所有对建筑的“骨骼”之美抱有好奇心的读者的深度指南。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，对于一个非科班出身的普通读者来说，这本书的某些章节在专业性上确实略显晦涩。它没有刻意去“科普”那些大众化的设计术语，反而默认读者已经具备了一定的基础知识。我尤其对其中关于“感性工学”的讨论感到有些吃力，那些关于用户体验数据的量化分析和审美感受的关联性阐述，需要我反复阅读才能捕捉其精髓。不过，也正是这种不妥协的专业深度，让这本书区别于市面上那些肤浅的“设计入门”读物。它更像是一本给同行者提供的深入交流的文本，它挑战了读者的认知边界。我甚至去查阅了书中提及的几本专业参考书目，来辅助理解。这本书的价值就在于，它没有把设计变成一个唾手可得的模板，而是展现了它背后那些严谨的思考过程和近乎科学的实验精神。它让人意识到，真正的优秀设计，绝不是灵光一现的产物，而是长期主义的坚持。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏非常独特，它没有采用线性的时间轴或者明确的风格划分，反而更像是一场精心编排的、充满意境的散步。前一章还在讲述战后工业设计的复兴与理性主义的碰撞，下一章立马就跳跃到了江户时代的手工艺人的生存哲学，这种跳跃非但没有造成混乱，反而构建了一种跨越时空的对话感。我感觉作者是在引导我，去理解日本设计是如何在继承传统与拥抱现代之间，进行着一场永无止境的张力平衡游戏。那些对特定设计师访谈的片段摘录，语言精炼，观点犀利，充满了日本人特有的那种不动声色的力量感。我特别欣赏它在探讨当代设计时，总是能够巧妙地回溯到其文化根源，让每一个创新都显得有迹可循、有源可溯。这本书读起来不费力，但回味起来却韵味无穷，仿佛是在品一壶陈年的清酒，初入口是清冽，后劲却是绵长而醇厚的。

评分☆☆☆☆☆

这本《日本的设计》的装帧设计简直是艺术品，拿在手里就能感受到那种沉甸甸的匠心。扉页上那低饱和度的靛蓝色，配上极简的留白，一下子就把我拉进了一个静谧而深邃的日式审美空间。我本来只是想了解一些设计案例，没想到光是翻阅这本书的物质形态，就已经完成了一次精神洗礼。它没有那种浮夸的色彩堆砌，也没有让人眼花缭乱的复杂排版，一切都恰到好处地克制着。那种对细节的偏执追求，从纸张的选择到油墨的渗透程度，无一不体现出日本美学中“物哀”和“侘寂”的精神内核。我尤其喜欢其中几页关于传统漆器工艺的介绍，文字描述得极其细腻，仿佛能闻到那木头的清香和虫胶的微涩。即便不深入研究设计理论，单是欣赏这种对“器物”本身的敬畏，这本书就值回票价了。它教会我的，是如何在信息爆炸的时代，依然能慢下来，去感受物质的温度和时间的痕迹。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的一点，是它对于“设计”在社会功能中所扮演角色的深刻洞察。它不仅仅关注产品的造型美观，更着重探讨了设计如何塑造社会规范和提升集体福祉。书中描绘了战后日本如何在资源匮乏的情况下，通过高效且富有尊严的设计，重建国民信心和城市面貌的历程，这种叙事角度非常宏大且富有感染力。它展示了好的设计如何成为一种社会治理的工具，如何将抽象的伦理道德融入到日常可见的实体之中。比如，关于公共标识系统和无障碍设计的章节，文字的力度感十足，让人为之动容。这本书提供了一种全新的视角，让我开始思考，我所购买和使用的每一件物品，它们背后所承载的社会责任是什么。它不再只是一个关于“好看”的指南，而是一部关于“有意义的生活”的设计史诗。读完后，我感觉自己对“品味”的理解都升华了，它不再是关于消费能力，而是关于一种审慎而负责任的生活态度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的内容深度远超我的预期，它压根就不是那种泛泛而谈的“设计图鉴”。我以为会看到很多广为人知的名作集合，结果它更像是一部深入骨髓的文化考察报告。作者显然花了大功夫去挖掘那些深藏在地方传统和日常生活之中的设计哲学。比如，它花了大量的篇幅去剖析“间”的概念，如何通过空间的留白来定义主体，这对于我这个习惯了“填满”一切的创作者来说，简直是醍醐灌顶。书中引用的那些看似不经意的生活物件，比如一个传统的点心盒，或者一个公共饮水机的标识系统，都被解构得淋漓尽致，展现了其背后的功能主义与人文关怀的完美结合。阅读过程中，我不得不时常停下来，反复揣摩那些摄影作品，那些光影是如何巧妙地勾勒出事物的存在感的。它成功地将“设计”从一个技术性名词，提升到了哲学思辨的层面，让人在合上书本后，对周遭的一切都多了几分审视的目光。