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出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539660134

商品编码：29563789801

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	节奏应用 音乐 书籍
作者：	潘永峰编著
定价：	45.0
出版社：	安徽文艺出版社
出版日期：	2018-04-01
ISBN：	9787539660134
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版次：
装帧：
开本：	16开

内容简介

本书系“流行音乐理论丛书”中的一本，全书从节奏的形态认知、训练方法及模式变化、乐曲分析及听写、实际应用与创作练习入手，具体讲解节奏及其应用，以便学习者能够更好地理论结合实践进行作，具有很强的实用性。

书名：音律回响：跨越时空的和声之旅 第一章：寂静之初与初始频率 宇宙洪荒，万物未形，唯有虚无的低语。这低语并非空白，而是一种潜藏的、等待被唤醒的能量——初始频率。本书伊始，我们将探究人类感知声音的生理基础，从耳蜗的精妙结构到神经信号的传递，描绘声音如何从物理振动转化为我们脑海中的听觉体验。 我们不会止步于解剖学的描绘。历史长河中，先民如何从自然界的韵律中——风的呼啸、水流的潺潺、动物的鸣叫——提炼出最早的“节奏”概念？我们追溯古希腊的毕达哥拉斯学派，他们如何将数学的精确性与宇宙的和谐（Harmony）联系起来，奠定了西方音乐理论的基石。他们的“万物皆数”不仅是哲学宣言，更是对音高之间内在比例的深刻洞察。 本章将详细阐述音高的物理属性与主观感受的差异。频率（赫兹）的线性变化，与我们听觉上感知的音程（如八度、五度）之间的非线性关系，构成了音乐表达的第一个维度。我们将剖析“纯音”与“泛音列”的奥秘，理解为何一个单一的乐器声，其内部蕴含着一个完整的宇宙——基频与泛音的组合，定义了我们所称的“音色”。 第二章：结构与秩序：旋律的构建与张力 如果说频率是音乐的砖块，那么旋律便是用这些砖块搭建的宏伟建筑。本章聚焦于横向的音乐运动，即音符如何按时间序列排列，形成有意义的乐句和段落。 我们将深入探讨调式（Modes）的概念，不仅仅是西方大小调的二元对立，而是追溯到更古老的七声音阶，如古希腊的Dorian、Phrygian，以及东方音乐中独特的五声、七声音阶体系。每一种调式都携带了特定的情感色彩，这源于它们内部音程结构的差异。 旋律的张力（Tension）与释放（Release）是驱动音乐前进的核心动力。我们将分析动机（Motif）的发展技巧，如重复、移位、展开与再现。节奏的引入，并非仅仅是计时，而是赋予旋律以生命力。通过对不同文化背景下复杂节奏模式的考察——从非洲鼓点的复调对位，到印度音乐中对节拍周期（Tala）的精妙掌握——展示节奏如何将静止的音高序列转化为动态的叙事。 本章的重点在于“语汇”的形成。分析大师级作曲家（如巴赫的对位法、莫扎特的乐句平衡、德彪西的色彩运用）是如何巧妙地运用音高、节奏和休止符的组合，来构建听众的预期，并以意想不到的方式打破或满足这些预期，从而产生情感共鸣。 第三章：空间与共鸣：和声的深度与广度 音乐的深度往往体现在其和声的运用上。本章从垂直维度审视音符的叠加，探讨多个音符同时响起时产生的听觉效果。 我们首先回顾和弦的生成，从三和弦（大、小、增、减）到七和弦乃至九和弦，它们是和声语言的基本词汇。随后的讨论将转向和声进行（Chord Progression）的逻辑。是什么使得某一组和弦连接听起来“自然”或“不和谐”？这涉及到功能和声理论，即主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）与下属和弦（Subdominant）之间的相互作用，它们构成了音乐的“语法”。 然而，历史的车轮从不停歇。浪漫主义晚期，作曲家们开始挑战传统的功能和声。我们将详细分析半音化（Chromaticism）的引入如何模糊了调性的中心，以及印象派和无调性音乐（Atonality）如何彻底颠覆了我们对“和谐”的传统认知。从荀贝格的十二音体系到德彪西对“色彩和弦”的偏爱，和声的演变史就是一部不断拓宽人类听觉经验边界的历史。 此外，我们将探讨复调（Polyphony）与织体（Texture）：单音音乐、主调音乐与复杂的对位音乐在空间感上的差异。音乐是如何通过层层叠叠的声部，在听者脑海中构建出一个多维度的声学空间。 第四章：时间与形式：结构的宏大叙事 音乐若无结构，便如漫无目的的言语。形式（Form）是音乐家用来组织时间、引导听众体验的蓝图。本章关注音乐的整体布局与宏大结构。 我们将解构几种最核心的音乐形式：如奏鸣曲式（Sonata Form）的呈示-发展-再现的戏剧性结构，它如何体现了冲突与和解的主题；回旋曲式（Rondo）的交替往复；以及赋格（Fugue）中主题在不同声部间的逻辑追逐。 探讨这些形式不仅仅是机械地识别A-B-A’，更是理解作曲家如何通过重复、变化和对比来制造审美体验。例如，在奏鸣曲中，发展部如何通过调性游移和主题碎片化来制造危机感，而再现部的回归如何带来最终的确定感。 本章还将跨越古典范畴，考察套曲（Suite）、变奏曲（Variations）等形式的灵活性。通过分析不同时代、不同文化背景下（如巴洛克舞曲风格与二十世纪的序列音乐结构）对形式的运用，展示结构在赋予音乐意义方面的核心作用。结构是时间的艺术，它教会我们如何聆听过程，而非仅仅关注瞬时的音符。 第五章：表演、诠释与听众的参与 音乐的生命不在于乐谱的墨迹，而在于演奏的瞬间。本书的最后一部分，将目光投向从书面符号到真实声音的转化过程——诠释（Interpretation）。 演奏家面对的挑战是巨大的：如何理解作曲家的意图，同时融入自己的理解和时代的烙印？我们将讨论速度（Tempo）、力度（Dynamics）和音色（Timbre）在演奏中的主导地位。即使是完全相同的音符，不同的演奏者也会带来截然不同的听觉体验。 对于速度的选取，从巴赫时代对“恰当速度”的理解，到十九世纪鲁棒性速度标记的出现，体现了音乐表达对时间操控的日益精细化。而力度变化，是制造戏剧性最直接的工具。 最后，我们探讨听众的作用。音乐的完成，需要听众的积极参与。本章将引入认知心理学对音乐聆听的研究，探讨记忆、预期和情感反应是如何在听众的大脑中被编织起来的。理解音乐结构，并非是为了成为一个冷酷的分析家，而是为了更深层次地进入作曲家与演奏家共同构建的那个瞬息万变的声学世界。这本书试图提供的，是一种更具洞察力的聆听方式，一扇通往声音深层逻辑的门。

评分☆☆☆☆☆

我平常的工作是为影视剧配乐，对节奏的细微变化要求极高，需要快速切换不同的情绪和速度。我期待这本书能提供一些创新的思路，而不是重复我已知晓的那些老套路。很高兴地发现，这本书确实做到了这一点。它大胆地探讨了“非匀速节奏”和“随机性”在音乐中的应用，这对于我创作需要营造紧张感或混乱场景的配乐尤其宝贵。作者并没有强迫你遵守任何“规则”，而是教你如何打破规则，同时保持音乐的逻辑性。其中关于如何使用节奏来引导观众注意力的章节，对我来说简直是醍醐灌顶。这本书的论述风格偏向于“实验性探索”，而非传统的教科书模式，它鼓励读者去质疑既有的节奏范式，并开发自己的声音语言。对于那些已经掌握基础，渴望在节奏运用上寻求突破和创新的资深音乐人来说，这本书提供的思考维度和前沿技术，绝对能成为你下一次创作爆发的催化剂。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，简直是拯救了我这个“节奏障碍者”！我总是在演奏中跟不上主拍，或者感觉自己的节奏总是在“飘”。这本书的结构非常线性，非常适合我这种需要从零开始、循序渐进学习的人。它从最简单的二拍子开始，每走一步都会确保你完全掌握了上一步的内容，然后才引入新的元素。我非常喜欢它设置的那些“自我检查”练习，它们不是那种简单的抄写题，而是要求你在脑海中想象出特定的节奏型，这极大地锻炼了我的内在节拍器。我的吉他老师一直建议我多花时间在节奏上，自从我开始使用这本书里的练习方法后，他都惊叹我的进步神速。特别是书后附带的音频资源，质量极高，配合练习简直是无缝衔接。如果你的目标是提升演奏的稳定性和准确性，这本书提供的训练方法是系统且高效的，我感觉自己终于找到了建立坚实节奏基础的可靠路径。

评分☆☆☆☆☆

我是一个偏爱古典乐理论的学院派学生，通常对市面上那些过于强调“感觉”和“律动”的书籍持保留态度。但我必须承认，这本书成功地架起了理论与实践之间的鸿沟。它没有回避复杂的数学和比例关系，而是巧妙地利用这些工具来解释为什么某些节奏听起来会产生特定的情感张力。书中对于“时间感”的哲学探讨，让我重新审视了自己对“准时演奏”的理解——节奏不仅仅是精确的滴答声，更是一种对时间流逝的艺术性操控。我尤其欣赏它在讨论复合拍号时，引入了心理声学的概念，解释了大脑是如何处理不同层级的节奏信息的。这对我准备下个月的音乐分析考试非常有帮助。这本书的深度和广度，让它不仅仅是一本“技法书”，更像是一本关于音乐时间维度的深度研究报告。对于那些想从根本上理解节奏的内在逻辑和人类听觉反应的进阶学习者，这本书无疑是绝佳的选择。

评分☆☆☆☆☆

这本关于节奏和音乐理论的书简直是为我量身定做的！我一直对如何构建复杂的节奏模式感到困惑，市面上大多数教材要么过于基础，要么就是堆砌晦涩难懂的术语。然而，这本书的作者显然对音乐有着深刻的理解，并且知道如何将这些复杂的概念分解成易于消化的步骤。书中大量的图示和实际的鼓点示例，让我能够立即将理论付诸实践。我特别喜欢它对“切分音”和“复节奏”的深入剖析，它们不再是抽象的数学公式，而是可以触摸、可以感受的音乐语言。读完前三章，我的即兴演奏能力有了显著的提升，特别是与我的乐队排练时，我们之间的沟通效率提高了不止一个档次。它不仅仅是教你“如何做”，更重要的是告诉你“为什么这样有效”。对于任何希望超越基础节拍，真正掌握节奏精髓的音乐人来说，这绝对是一本值得反复研读的圣经。我强烈推荐给所有鼓手、贝斯手，甚至是对电子音乐制作感兴趣的朋友们，它的价值远远超出了定价。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当我打开这本书时，我本以为又是一本老生常谈的音乐入门读物，毕竟“节奏”这个主题已经被讨论了无数遍。但这本书的视角非常新颖和锐利。作者似乎有一种魔力，能将枯燥的节拍划分，转化为一场充满活力的声音探险。最让我印象深刻的是它对世界各地不同音乐流派中节奏特点的对比分析。比如，它如何细腻地描绘了拉丁音乐中复杂的多重重音，以及非洲部落音乐中那种“流淌感”的律动是如何通过特定的节奏组合实现的。这种跨文化的视角，极大地拓宽了我的音乐视野。我以前只关注我常听的摇滚乐，现在我开始尝试将一些西非的波浪式节奏融入我的创作中，效果出乎意料地和谐。这本书的排版设计也非常人性化，字体和留白处理得当，长时间阅读也不会感到疲劳，这一点对于我们这些需要长时间对着乐谱钻研的人来说至关重要。它真正做到了将知识点融入体验。