演奏者与技术根纳季·齐平中央音乐学院出版社9787810960847 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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根纳季·齐平，焦东建，董茉莉 著

图书标签:

• 音乐表演
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• 中央音乐学院
• 音乐理论
• 演奏技巧
• 音乐史
• 高等教育

店铺： 一碧万顷图书专营店

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810960847

商品编码：29585590566

页数：213

图书基本信息
书名：	演奏者与技术
丛书名：
作者/主编：	根纳季·齐平，焦东建，董茉莉
出版社：	中央音乐学院出版社
ISBN号：	9787810960847
出版年份：	2005年2月

版次：	第1版
总页数：	213页
开本：	16
图书定价：	24元
实际重量：	222kg
新旧程度：	正版全新

编辑推荐

《演奏者与技术》由中央音乐学院出版社出版。

作者简介

作者：（俄罗斯）根纳季·齐平 译者：董茉莉 焦东建

译者的话 
原书前言 
第一章技术天赋是诸多音乐表演天赋中的一种 
第二章音乐表演学派和流派给我们的启示 
第三章熟练的演奏技能与素质培养 
第四章表演活动中的直觉与意识 
第五章如何克服技术难点 
第六章技术手法与风格的个性特点 
第七章掌握演奏技术的目的、任务、原则和方法 
第八章内心听觉形象及其技术体现 
第九章培养情感刚毅的品质是音乐表演家技术训练的方向之一 
后记

　　《钢琴教学与演奏艺术译丛：演奏者与技术》作者以其丰富的理论与实践经验和大量详实的事例，从矛盾的普遍性到矛盾的特殊性，从共性到个性，从事物的正反两方面向读者揭示了组成技术的诸多错综复杂之因素，以及各因素之间的相互关系，启发引导读者。根据书中提及的各类观点，选择适合本人个性发展的、获取高超技术的方法和途径。读而思之，同时将书中的某些观点尝试运用于自己的学习与工作之中，你很快就会感到，虽然你的练琴时间缩短了，但你的演奏质量提高了，你给老师展示的是艺术，而不是好学生的家庭作业了。总之，按照齐平教授书中所讲的训练方法，认真试做一下，在短期内，你的最宝贵的演奏技术就会得到真正意义上的显著提高。

音乐的无形之手：探寻现代音乐创作与表演的内在逻辑 这是一部深入剖析音乐实践中“技术”与“创造力”二元关系，并展望其未来走向的学术著作。它摒弃了传统音乐理论的僵硬框架，转而以一种动态、流动的视角，审视音乐家如何在精湛的技艺之上，构建出真正触动人心的艺术表达。本书汇集了对不同音乐领域——从古典乐派的精细雕琢到电子音乐的无限可能——的深刻洞察，旨在揭示技术作为一种媒介、一种语言，如何被演奏者和创作者所驾驭、甚至反噬，最终塑造出我们所听到的声音世界。 --- 第一部分：技艺的奠基与解放——“演奏者”的物理与心智疆域 本书的开篇，着力于解构“演奏者”这一身份所承载的复杂重量。它并非仅仅是对既有乐谱的机械还原，而是一个主动的、充满选择与决断的过程。 一、身体作为乐器：精微动作的语境化 本章深入探讨了演奏家身体与乐器之间建立的复杂耦合关系。不同于单纯的肌肉记忆训练，我们着重分析了如何将生理反馈转化为审美意义。 1. 触觉的哲学： 探讨了钢琴家指尖对键盘的压力、小提琴家弓弦摩擦的力度，以及这些细微触感如何通过物理世界的影响（如音色、延音、泛音的生成），被听众的听觉系统解码为情感信息。我们引入了对生物力学反馈的分析，但将其置于音乐美学而非单纯的运动科学框架内讨论。 2. 呼吸与时间的主宰： 尤其针对管乐和声乐领域，呼吸不再被视为维持生命的生理需求，而成为时间结构的基石。分析了大师级演奏家如何利用气息的张弛来构建乐句的“呼吸感”，这种对内在时间的控制，是区别于任何自动化播放系统的核心要素。 3. 姿态的隐喻： 乐器演奏中的站姿、坐姿，以及手部的微小旋转，这些被视为“技术训练”的副产品，实际上构成了演奏者向观众传递的非语言信息。探究这些身体语言如何影响听众对演奏风格（如激进、沉思、沉静）的预判与接受。 二、心智的边界：从识谱到诠释 “技术”的最高境界，往往在于“无我之境”。本章聚焦于演奏者的认知过程，如何超越对音符的识别，进入到对作品精神的捕获。 1. 内听觉的构建与修正： 详细描绘了音乐家在演奏前、演奏中、演奏后，如何不断地在“预期听觉”（脑海中的理想音响）与“实际听觉”之间进行校准。这种持续的反馈循环，本身就是一种高强度的认知技术。 2. “不确定性”中的确定性： 探讨在现场音乐表演中，环境因素（温度、湿度、观众反应）带来的不确定性，如何迫使演奏者激活其临场应变的技术储备。这包括对速度、强弱的即时调整，以及在记忆出现偏差时，如何保持逻辑连贯性的“即兴修补”能力。 3. 跨媒介记忆的载体： 分析演奏者如何将抽象的音乐结构转化为可调用的、多感官的记忆组块。这涉及对和声关系、织体密度、乃至作曲家生平背景的综合理解，它们共同构成了演奏者调动“技术”时的背景知识库。 --- 第二部分：工具的演进与赋权——“技术”的物质化与去物质化 “技术”一词在音乐语境中具有多重含义，它既指代精湛的演奏技巧，也指向支撑音乐生产的物质与非物质工具。本部分将视角从人转向工具，并探讨人与工具的互动如何重塑音乐形态。 一、传统乐器的极限与突破 本章审视了古典乐器设计中所蕴含的“技术偏见”——即特定乐器的物理构造如何倾向于某些音色和演奏法。 1. 新材料与音色学重塑： 分析了现代材料科学（如碳纤维、新型合金）如何被应用于提琴、铜管甚至键盘乐器的制造中，并讨论这些物理层面的改变如何为演奏者提供了新的技术可能性，打破了传统音色光谱的边界。 2. 人机交互的早期形态： 探讨了诸如钢琴踏板、管乐的复杂按键系统等机械装置，它们作为早期“技术辅助”如何将演奏的复杂性转移到更精密的机械层面，从而解放了演奏者的部分手指或呼吸负担，以达成更宏大的织体。 二、电子媒介：技术的“解放”与“重构” 电子音乐与声音合成技术的出现，是对传统“演奏者”概念最直接的挑战和拓展。 1. 合成器的拓扑学： 将合成器（无论是模块化还是软件）视为一种全新的“乐器”，其技术核心在于对波形、包络和调制路径的逻辑构建。这要求创作者掌握一种不同于线性演奏的、基于参数控制的“空间化”思维。 2. 数字信号处理（DSP）作为“超演奏技巧”： 讨论效果器链、延迟、失真、滤波等数字处理手段，如何充当了“虚拟演奏者”的角色。演奏者通过设置这些参数，实际上是在实时“演奏”声音的演变轨迹，而非仅仅是音高和时值。 3. 自动化与实时控制的张力： 剖析预设（Automation）与即时干预（Live Control）之间的平衡艺术。一个优秀的电子音乐制作人或现场表演者，懂得何时将声音的复杂变化交给算法，何时以人类的直觉介入，实现音乐的动态叙事。 --- 第三部分：界面、反馈与未来：演奏者与技术共生的新范式 在本书的收官部分，我们将目光投向音乐实践的未来形态，即人类创造力如何与日益智能化的技术界面融合。 一、界面设计的审美影响 音乐的“技术”不仅在于演奏，也在于我们如何“接触”和“控制”技术。 1. 触屏时代的感官剥夺： 探讨触摸屏界面（Tablet/MIDI Controller）的普及，虽然带来了极大的灵活性，却也牺牲了传统硬件界面（如琴键的触感、旋钮的阻尼感）所提供的直接物理反馈。分析这种“去物理化”如何影响演奏者的身体投入感和即兴的准确性。 2. 沉浸式音频与空间技术： 考察 Ambisonics、杜比全景声等三维音频技术，如何要求创作者和演奏者将“技术”的焦点从单声道或立体声的“时间流”延伸至“空间布局”。演奏者需要学习在声音的“方位”上进行表达。 二、算法辅助的创造性悖论 人工智能与机器学习在音乐生成领域的应用，提出了关于“原创性”与“技术依赖”的深刻问题。 1. AI作为“灵感催化剂”： 探讨如何利用算法生成的材料作为创作的起点，而非终点。重点分析作曲家如何“驯服”或“引导”AI输出的随机性，将其融入到结构严谨的人类叙事中。 2. 技术迭代中的“遗忘”与“继承”： 关注当代技术发展速度对音乐学习体系的冲击。当某种复杂的演奏技巧（例如对某个老式合成器的精通）可能在五年内被一个简单的软件指令取代时，音乐教育体系如何平衡对传统技艺的尊重与对新兴工具的学习投入？ 结语：超越工具，重塑声音的意义 本书的最终论点在于：无论技术如何进步，无论是巴赫时代对鲁特琴的精修，还是当代对卷积混响的调制，“演奏者”与“技术”之间的关系永远是张力与共生的关系。 真正的艺术价值不在于工具的复杂性本身，而在于个体如何以其独特的生命体验，赋予这些冰冷的物理或数字工具以人性化的、不可替代的“声音的意志”。本书旨在鼓励所有音乐实践者，将对技术的掌握视为通往更深层自我表达的阶梯，而非目的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧设计非常考究，拿在手里沉甸甸的，透露出一种专业和厚重感。我尤其欣赏它在图示和乐谱示例上的处理方式，那些精心绘制的线条和标记，清晰地指出了演奏中的关键点和易错区，即便是初学者也能迅速抓住要领。虽然内容本身涉及了非常高深的音乐哲学和演奏方法学，但作者的文字功底极佳，能够用相对平易近近的语言来解释复杂的概念，没有那种高高在上的学院派腔调。对于我这样一个业余爱好者来说，它提供了一个绝佳的自学指南，让我不再满足于仅仅“弹对音符”，而是开始追求“弹出演绎”。它促使我开始反思自己日常练习的效率和深度，是一本非常实用的工具书和精神食粮的结合体。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验可以说是酣畅淋漓，但又需要读者投入极大的专注力。它不是那种可以让你在通勤路上随随便便翻阅的读物，它要求你随时准备好拿起乐器进行印证，或者停下来进行深刻的反思。我特别喜欢其中穿插的那些小故事，那些关于伟大演奏家们如何克服困难、如何找到自己声音的轶闻，它们使得原本可能略显严肃的学术探讨变得生动有趣起来。它成功地搭建了一座桥梁，连接了理论的严谨与艺术的自由。对我而言，它更像是一面镜子，映照出我在技术和艺术理解上的所有盲点和不足，但同时又给予了明确的修正方向，让人感到既有压力又有希望。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的深度远远超出了我的预期。我原以为会是一本偏向于某一种乐器演奏技巧的指导手册，没想到它竟然囊括了如此广阔的音乐认知范畴，从听觉训练的精微到对作曲家意图的哲学解读，几乎无所不包。特别是对于“技术即是手段而非目的”这一核心观点的阐释，如同醍醐灌顶。书中对声音质量的描述尤其精准，那些形容词的选择，比如“琥珀色的光泽”、“如丝绸般的流动”，精准地描摹了那些难以言喻的听觉感受。它彻底颠覆了我过去对“好技术”的刻板印象，让我明白真正的演奏家是在用生命和思想去“对话”音乐，而不是单纯地“再现”乐谱。这是一部值得反复研读、常读常新的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

我记得第一次翻开这本书时，就被其中对“瞬间决定”和“现场张力”的探讨所吸引。现代音乐教育往往过度强调机械的精确性，而这本书却勇敢地将焦点拉回到音乐的生命力——即兴的、呼吸的、不可复制的现场感。作者仿佛是一位经验丰富的大师，带着你穿梭于不同的音乐时期和流派，讲解那些隐藏在乐谱背后的文化语境和演奏者的心路历程。其中关于如何应对舞台焦虑、如何与乐队成员进行非语言沟通的部分，简直是“救命稻草”一般的存在。它不仅关乎技术层面，更是关于如何成为一个完整的、富有魅力的音乐诠释者。读罢，我立刻尝试将书中的某些呼吸调整方法应用到我的练习中，效果立竿见影，令人振奋。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是一场音乐的盛宴，让我仿佛置身于音乐会现场，与那些顶尖的演奏家们同呼吸共命运。作者对音乐细节的捕捉和阐述简直到了令人发指的地步，每一个音符、每一个休止符背后的情感流动都被描绘得淋漓尽致。尤其是在探讨对复杂乐曲的处理时，那种深入骨髓的理解力让人叹服。它不仅仅是一本理论书籍，更像是一份充满激情的个人思考录，能感受到作者是如何将枯燥的技巧训练融入到对音乐灵魂的追寻之中。读完后，我感觉自己对古典音乐的理解提升到了一个新的层次，那种“原来如此”的顿悟感是无法用言语完全表达的。它提供了一种看待演奏和学习音乐的全新视角，让我对自己的练习充满了新的方向感和动力。