学校音乐教育导论与教材教法修订版尹爱青人民音乐出版社正版9787103050620 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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尹爱青 著

图书标签:

• 音乐教育
• 学校音乐
• 教材教法
• 音乐导论
• 尹爱青
• 人民音乐出版社
• 高等教育
• 专业教材
• 音乐教学
• 修订版

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103050620

商品编码：29684813531

页数：247

图书基本信息
书名：	学校音乐教育导论与教材教法(修订版)
丛书名：
作者/主编：	尹爱青
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103050620
出版年份：	2015年

版次：	第1版
总页数：	247页
开本：	16
图书定价：	46元
实际重量：	358g
新旧程度：	全新正版

编辑

《全国普诵高等学校音乐学(教师教育)本科教材:学校音乐教育导论与教材教法(修订版)》避免基本概念和具体教法的孤立陈述与说教，力求在具体分析音乐教学活动的过程中，将音乐教学的概念、定义及原理，适时、适当、适量地穿插其中，体现学科理论的基础性、教学改革的前沿性和实践活动的操作性。

绪论 

第*章 学校音乐教育基本理论 
第*节 学校音乐教育的目标、理念及性质 
第二节 学校音乐教育的理论基础 
第二章 学校音乐教育的历史发展及改革— 
第*节 音乐课程与教学的发展历史 
第二节 国外学校音乐教育的改革与发展 
第三节 我国学校音乐教育的改革与发展 
第三章 音乐学习与教学理论 
第*节 音乐审美心理 
第二节 音乐学习心理 
第三节 音乐教学理论 
第四章 音乐课程目标及教学目标 
第*节 音乐课程目标 
第二节 音乐教学目标 
第五章 音乐课程内容与教材分析 
第*节 音乐课程内容 
第二节 音乐教材分析 
第六章 音乐教学程序 
第*节 教学程序的内涵与特征 
第二节 音乐教学程序 
第七章 音乐教学过程 
第*节 音乐教学过程概述 
第二节 音乐教学过程的基本要素及相互关系 
第三节 音乐教学过程的基本阶段及主要任务 
第八章 音乐教学模式与教学方法 
第*节 音乐教学模式及分类 
第二节 音乐教学方法 
第九章 音乐教学评价 
第*节 音乐教学评价的理念 
第二节 当代音乐教学评价的特点 
第三节 音乐教学评价的实施 
第十章 音乐教育课程资源的开发与利用 
第*节 音乐课程资源及其分类 
第二节 音乐课程资源的开发与利用 
主要参考文献

音乐的脉络：从历史深处到课堂前沿的探索 本书致力于为音乐教育工作者、师范院校学生以及所有对音乐教育实践抱有热忱的同仁，提供一个广阔而深入的视野，以审视和构建现代学校音乐教育的理论基石与实践路径。我们不局限于单一的教学法，而是力求构建一个多维度的知识框架，涵盖教育哲学、学科史、课程设计、教学评估乃至技术整合等关键领域。 第一部分：教育的哲学根基与历史回响 音乐教育并非空中楼阁，其发展深受时代思潮、社会需求和教育哲学的深刻影响。本部分将深入探讨音乐教育的本质——它究竟是为了培养职业音乐家，还是塑造具有健全人格和审美能力的公民？ 我们将追溯西方音乐教育思想的源流，从古希腊柏拉图的“穆西卡”（Mousike）概念，解析音乐在古代教育中作为道德陶冶和公民素养的地位。随后，聚焦于启蒙运动时期卢梭对自然教育的倡导，以及裴斯泰洛齐将音乐作为通用语言和情感教育工具的实践。十九世纪，欧洲各国在国家化浪潮中，如何将音乐教育纳入义务教育体系，形成了不同的国家模式，例如德国的合唱传统和北欧的民歌复兴。 进入二十世纪，达尔克罗兹的身体律动、柯达伊的音阶教学法、奥尔夫的元素化教学等“三大法”的诞生，标志着音乐教育从纯理论思辨走向实践探索的里程碑。我们会详细剖析这些方法的教育哲学内核、核心技术手段，并探讨它们在不同文化背景下如何被本土化和再创造。我们还将关注当代教育思潮，如建构主义、多元智能理论，以及它们如何重塑我们对“有效音乐学习”的理解。理解历史，是为了更好地认识当下教学方法的合理性与局限性。 第二部分：课程的结构与内容的重塑 一门成功的音乐课程，需要精妙的结构设计和富有生命力的内容选择。本部分将聚焦于如何构建符合当代学生认知发展规律和学科核心素养的音乐课程体系。 我们将详细阐述课程标准的制定原则。课程标准不应是僵硬的知识点罗列，而应是引领学习方向的指南针。我们探讨如何平衡“音乐技能”（如视唱练耳、演奏）、“音乐知识”（如乐理、音乐史）与“音乐审美”（如鉴赏、情感体验）三者之间的关系。 内容的选择是课程的灵魂。我们倡导“广博性与深入性”的统一。这意味着课程设计必须超越传统的西方古典音乐范畴。如何有机地融入世界各地的民族音乐、当代流行音乐、爵士乐等多元文化资源，使其不再是“边缘内容”，而是丰富课程肌理的重要组成部分？我们提供具体的操作框架，说明如何在不牺牲专业性深度的前提下，实现文化上的包容性。 此外，章节将专门讨论“基于项目的学习”（PBL）在音乐教学中的应用。如何设计一个跨学科、需要长期投入并最终产出实体的项目（如创编一部小歌剧、录制一张主题专辑），激发学生的内在驱动力，并将课堂学习转化为真实世界的能力？ 第三部分：教学方法的创新与课堂实践 理论的价值最终体现在课堂的生动性上。本部分是面向一线教师的实用指南，旨在提升课堂教学的有效性和创造性。 我们首先关注音乐感知和技能训练的现代化方法。视唱练耳的教学不再是枯燥的机械重复，而是可以结合技术工具（如App、互动软件）进行游戏化、情境化的训练。演奏技能的教学，强调“合作性演奏”和“即兴创作”能力的培养，而非仅仅追求个体的完美呈现。 如何应对不同能力和兴趣水平的学生？我们深入探讨差异化教学策略。如何为有特殊需求的学生（包括音乐天赋突出的和学习有困难的学生）设计个性化的学习目标和支持系统？ 技术在音乐教育中的角色日益重要。本部分将探讨数字音频工作站（DAW）、音乐可视化软件以及人工智能辅助教学工具的应用场景。重点在于技术是服务于教育目标的工具，而非目的本身。例如，如何利用MIDI技术让不擅长演奏乐器的学生也能参与到编曲创作中，实现“人人都是音乐创作者”的理念。 最后，我们强调课堂评估的多元化。摒弃单一的期末考试模式，转向形成性评估、作品集评估和自我反思评估相结合的方式。评估的目的是诊断学习过程中的问题，并激励学生持续进步。 第四部分：教师专业发展与反思性实践 教育者的成长是一个持续的过程。本部分关注音乐教师自身的专业素养提升和职业生命力的维持。 教师不仅是知识的传授者，更是学习的榜样。我们将探讨教师如何保持对音乐世界的好奇心，持续接触前沿的音乐实践与研究成果。对于新入职教师，我们提供系统性的入职指导框架，帮助他们快速适应学校环境。 同时，我们倡导“反思性实践”。鼓励教师定期审视自己的教学决策，记录教学日志，并与其他同伴进行建设性的反馈交流。我们还将介绍行动研究（Action Research）的方法论，使教师能够将课堂中的具体问题转化为可研究的课题，从而实现从“经验型教师”向“研究型教师”的转变。 本书旨在提供一个全面、动态、具有前瞻性的学校音乐教育知识体系，激励教育者以更广阔的视野、更扎实的理论和更灵活的实践，推动学校音乐教育的持续发展和质量提升。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在基础教育领域耕耘的教育者，我深知“教材”的更新速度和重要性。这本书的修订版在内容更新方面做得非常出色。它没有固守陈旧的曲目和案例，而是紧跟时代步伐，引入了大量当代流行音乐、跨媒体艺术形式（比如影视配乐、电子音乐基础）在课堂教学中的应用探讨。这使得整本书的视野非常开阔，不再局限于传统的“艺术歌曲”和“古典小品”。它探讨了如何利用现代科技工具，如数字音频工作站（DAW）的入门级应用，来激发学生的创造力，让他们从被动的接受者转变为主动的音乐创作者。我尤其欣赏它对于“跨学科”教学的论述，书中给出了详细的范例，说明如何将音乐的听觉训练与数学的比例关系相结合，或者如何通过音乐史的学习来反观社会变迁。这些前沿的理念和实用的操作指南，让我感觉自己手上的不是一本教科书，而是一张通往未来音乐教育的入场券。

评分☆☆☆☆☆

这本书的教材法部分简直是一本“疑难解答手册”。我过去在处理节奏教学时，经常发现学生们对于复杂拍号的理解停滞不前，每次备课都得绞尽脑汁想新的办法来“突破难关”。这本书里关于节奏训练的章节，提供了一套循序渐进的阶梯式教学方案，它从最基础的身体律动开始，逐步过渡到视觉符号的识别，再到复杂的听觉辨识与再现，每一步的设计都充分考虑了儿童从具体感知到抽象思维的过渡规律。而且，它还非常细致地讨论了“错误”在学习过程中的积极意义，指导教师如何将学生的失误转化为积极的教学契机，而不是简单地进行否定和纠正。我特别喜欢其中一个案例，是关于如何处理学生在视唱练习中音准不稳定的问题，书中给出的解决方案不是机械地重复练习，而是结合了心理暗示和情境创设，让整个过程变得更加人性化和有效。这种将心理学原理融入音乐教学实践的深度，让人感觉作者不仅是教育专家，更是深谙儿童成长的心理学家。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对音乐教育史抱有浓厚兴趣的人，所以拿到这本书后，我首先翻阅了关于历史脉络梳理的部分。不得不说，这部分的撰写功力深厚，它不像有些教材那样只是简单罗列人名和时间点，而是将不同历史时期音乐教育思想的演变与当时的社会文化背景紧密地联系起来。举个例子，书中对二十世纪初兴起的“达尔克罗兹”和“柯达伊”教学法的比较分析，不仅清晰地阐述了各自的核心理念，还探讨了它们在跨文化传播过程中所遇到的挑战与适应性调整。这种深入的批判性分析，让我对这些经典流派的理解不再停留在表面。更让我感到惊喜的是，作者并没有止步于介绍西方主流体系，而是花了不少篇幅去探讨本土音乐教育的传统与现代融合的可能性。书中对于如何将民族民间音乐元素科学、有效地融入到学校音乐课程中，给出了非常具有启发性的建议，这在其他教材中是比较少见的。它鼓励教师要有更广阔的视野，既要吸收全球先进经验，也不能割裂自身的文化根基，这种平衡的视角非常难得。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计挺有意思的，那种沉稳的蓝色调，配上简洁的字体，一下子就让人感觉内容是扎实可靠的。我之前对这个领域的了解比较零散，都是从一些老旧的资料或者网上的零星信息里拼凑出来的，总觉得缺了那么一块关键的拼图。读完这本教材的导论部分，感觉就像是终于拿到了一份系统的路线图。作者在引言里提到的教育理念，特别是关于“以学生为中心”的音乐体验构建，让我眼前一亮。书中没有过多地陷入晦涩的理论术语，而是用非常生活化的例子来阐述复杂的教学法，比如如何通过游戏化的方式激发低龄学生对节奏的兴趣，或者如何引导中学生在合唱训练中体会和声的美妙。特别是关于不同年龄段学生认知发展特点与音乐能力培养的对应关系，分析得极其细致，这对于一线教师来说，简直是备课的宝典。我尤其欣赏它强调的实践性，很多章节后面都附带了可以立即在课堂上尝试的活动设计，这些都不是空泛的口号，而是经过打磨的、可操作的教学策略。它真正做到了“导论”的定位，既为初学者打下坚实的基础，也为资深教育者提供了反思和革新的视角。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧质量也值得称赞，这虽然是细节，但对于一本工具书来说，阅读体验至关重要。纸张的质感很好，油墨印刷清晰，即便是大篇幅的乐谱示例和图表，看起来也毫不费力。更重要的是，它的结构组织逻辑非常清晰，章节之间的过渡自然流畅，便于查阅和检索。比如，当你需要快速找到关于“即兴创作教学法”的具体指导时，目录和章节标题都能精准定位。书中还穿插了许多精美的插图和表格，这些视觉辅助工具极大地减轻了文字的密度，让复杂的概念变得直观易懂。例如，在解释和声进行时，配上的色彩化示意图，比单纯的五线谱更能帮助初学者建立空间感。这本书显然是经过了精心的编辑和校对，几乎找不到任何印刷或编排上的瑕疵。对于需要反复翻阅和参考的教师来说，这种高质量的呈现方式，无疑提升了学习的效率和愉悦感，体现了出版社的专业水准。