儿童歌曲写作雷维模西南师范大学出版社9787562167655 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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雷维模 著

图书标签:

• 儿童歌曲
• 歌曲创作
• 音乐教育
• 幼儿教育
• 雷维
• 西南师范大学出版社
• 音乐教学
• 儿童音乐
• 启蒙教育
• 音乐作品

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562167655

商品编码：29684813718

页数：230

图书基本信息
书名：	儿童歌曲写作
丛书名：	全国学前教育艺术类规划教材
作者/主编：	雷维模
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562167655
出版年份：	2014年8月

版次：	第1 版
总页数：	230页
开本：	16
图书定价：	34元
实际重量：	0.458kg
新旧程度：	正版全新

章 儿童歌曲的特征
节 儿童的心理及语言
第二节 儿童歌曲的音乐语言特征
第二章 歌词
节 歌词的结构形式
第二节 儿童歌词的艺术特征
第三章 歌曲的体裁与表演形式
节 儿童歌曲的体裁
第二节 儿童歌曲的表演形式
第四章 旋律中的基本要素
节 旋律线
第二节 调式调性
第三节 节 奏节 拍
第四节 速度力度
第五节 音域音区
第五章 曲调的基本构成
节 乐汇乐节
第二节 乐句
第三节 乐段
第六章 儿童歌曲曲式
节 常见的歌曲曲式
第二节 多段体歌曲
第三节 歌词段落与曲式结构的关系
第七章 歌曲的主题
节 主题音调的类型
第二节 主题音调的构思与写作
第三节 同词异曲的主题
第八章 主题发展手法
节 重复类手法
第二节 对比类手法
第三节 各种发展手法的综合运用
第九章 歌曲的民族风格
节 民族调式
第二节 民族旋法
第三节 发展手法与结构形式
第四节 音乐素材和衬词的运用
第十章 歌曲的高潮和从属部分
节 歌曲高潮的形态与处理
第二节 前奏间奏尾奏
第三节 引子与尾声一
第十一章 童声二部歌曲的创编
节 二部歌曲创编的准备
第二节 童声合唱歌曲的创作
第三节 童声合唱创编的相关思考
第四节 关于作品的修改
写给老师们
附录：供练习谱曲的少年儿童歌词40首
供学习参阅的少年儿童歌曲60首
童话歌舞剧《第三十一个蛋》
后记

这本《儿童歌曲写作》与一般的歌曲写作教材大同小异。其大同，就是这门课程与其他教材应有的共性及歌曲写作的共同规律；而其小异，就是这本教材的特色之体现，其亮点之彰显，其写作之心得。书中对儿童歌曲旋律中民族音调运用、民族特色体现的阐述，是独树一帜的；书中有相当谱例是作者雷维模本人作品的分析例证，是颇有说服力的；书中章节内容和顺序的与众不同的安排，也是颇具匠心的。特别值得一提的是，教材内所呈现的歌曲写作规律，的确是作者几十年写作的现身说法、经验之谈。作者拥有长期的丰富的歌曲创作实践。

好的，这是一本关于西方古典音乐赏析的图书简介： 《聆听不朽的回响：西方古典音乐的审美之旅》 内容简介 本书旨在为广大古典音乐爱好者，特别是初涉此领域的读者，提供一份系统而深入的西方古典音乐入门指南与深度赏析手册。我们相信，古典音乐不仅仅是历史的遗迹，更是人类精神世界与情感表达的最高峰之一。通过本书，我们将带领读者穿越时空的限制，与巴赫的严谨对位、莫扎特的灵动旋律、贝多芬的英雄气概、浪漫主义的炽热情怀，以及20世纪音乐的革新探索进行一次次精神的对话。 第一部分：奠基石——巴洛克时期的恢宏与精妙（约1600-1750年） 本部分将重点剖析古典音乐的基石——巴洛克时期。我们将从早期的歌剧发展，如蒙特威尔第的创新开始，逐步深入到巴洛克音乐的核心特征：对位法、复调结构以及装饰音的极致运用。 一、巴赫的宇宙：对位法的巅峰艺术 我们将详细解析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的音乐结构。重点探讨《平均律键盘曲集》中赋格的构建逻辑，讲解“主题”如何在不同声部间交织、模仿与发展，形成如同精密钟表般运转的音乐体系。同时，我们也会审视其宗教音乐，如《马太受难曲》，分析其如何将神学思想与音乐形式完美结合，展现出令人震撼的崇高感。 二、亨德尔与维瓦尔第：歌剧与协奏曲的辉煌 乔治·弗里德里克·亨德尔（G.F. Handel）的“大协奏曲”（Concerto Grosso）和清唱剧，特别是《弥赛亚》，将作为研究彼时音乐商业化与世俗化的窗口。安东尼奥·维瓦尔第（A. Vivaldi）的《四季》则被用作分析“标题音乐”的早期范例，探讨如何用纯器乐手段描绘自然景象和具体场景，以及协奏曲中“快-慢-快”结构的确立对后世的影响。 第二部分：古典主义的黄金尺度（约1730-1820年） 古典主义时期是音乐形式与结构的标准化时期，强调清晰、平衡与比例的和谐。本部分将聚焦于奏鸣曲式（Sonata Form）的形成及其在交响曲、奏鸣曲和室内乐中的统治地位。 一、海顿：交响曲之父的智慧 约瑟夫·海顿（F.J. Haydn）被誉为“交响曲之父”。我们将通过分析他晚期伦敦交响曲（如“惊愕”交响曲），展示他如何将器乐交响曲从早期模式提升到成熟的四乐章结构，并探讨其标志性的幽默感与机智的“预示与延迟”手法。 二、莫扎特：天赋与情感的完美融合 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（W.A. Mozart）的音乐被认为是“自然之声”。本书将细致剖析其歌剧艺术，从《费加罗的婚礼》中对社会阶层的讽刺，到《安魂曲》中对死亡的沉思，分析其旋律写作的无可挑剔性、和声的色彩运用，以及如何在古典框架内注入深沉的人性洞察。 三、贝多芬：从古典到浪漫的桥梁 路德维希·范·贝多芬（L.V. Beethoven）是本时期的转折点。我们将重点解读他“英雄时期”的作品，特别是第三号交响曲《英雄》和第五号交响曲《命运》，分析其如何打破既有结构，将个人意志与哲学思考融入宏大的器乐叙事中，特别是对“冲突—斗争—胜利”叙事线的构建。 第三部分：浪漫主义的激情与幻想（约1815-1910年） 浪漫主义时期，音乐从追求客观的“美”转向表达主观的“我”。情感的自由释放、个人英雄主义、对文学与自然的迷恋，以及民族主义的兴起成为核心主题。 一、舒伯特与肖邦：抒情性的极致 弗朗茨·舒伯特（F. Schubert）的艺术歌曲（Lieder）将作为研究“文学与音乐结合”的典范。我们将分析他如何通过钢琴伴奏描绘诗歌的意境。弗里德里克·肖邦（F. Chopin）的钢琴作品，如夜曲和叙事曲，则代表了对钢琴音色和演奏技巧的彻底革新，展现了波兰民族精神的隐秘表达。 二、柏辽兹与瓦格纳：宏大叙事与音乐戏剧 埃克托·柏辽兹（H. Berlioz）的《幻想交响曲》是早期浪漫主义“标题交响曲”的里程碑，我们将探讨他如何使用“主导动机”（idée fixe）来统一复杂的音乐叙事。理查德·瓦格纳（R. Wagner）的“乐剧”理念，特别是“主导动机”的系统运用和对“德语歌剧”的革命，将作为单独章节进行深入解析，探讨其对后世音乐美学产生的巨大冲击。 三、晚期浪漫主义的“晚霞”：马勒与理查德·施特劳斯 古斯塔夫·马勒（G. Mahler）的宏大交响曲，标志着交响曲体量和情感复杂性的顶峰，本书将剖析其对“世界尽头”的预感与对生之喜悦的赞颂。理查德·施特劳斯（R. Strauss）的交响诗，如《查拉图斯特拉如是说》，则展现了对尼采哲学的音乐化诠释，以及管弦乐队技法的登峰造极。 第四部分：二十世纪的回响与裂变 进入新世纪，音乐语言开始剧烈分化，打破了传统调性的束缚，探索新的音高组织和节奏可能性。 一、印象主义与新古典主义的对比 克劳德·德彪西（C. Debussy）如何利用音色和模糊的织体来捕捉瞬间感受，与莫里斯·拉威尔（M. Ravel）对传统形式的精巧把握形成对比。而伊戈尔·斯特拉文斯基（I. Stravinsky）的《春之祭》如何以原始的节奏和不协和音彻底颠覆了听众的期待，开启了现代音乐的大门。 二、序列主义与无调性探索 阿诺德·勋伯格（A. Schoenberg）发展出的十二音体系（Serialism），是对传统和声逻辑的彻底反叛，本书将以清晰的图表解释其构建原则，并分析阿尔班·贝尔格（A. Berg）如何在这种严谨的限制下依然保持了强烈的情感张力。 本书特色 结构清晰，脉络分明： 按照时间线索和风格流派划分，帮助读者建立清晰的知识框架。 乐曲深度解析： 对每一阶段的关键作品进行“慢听”式导览，指出其结构关键点、和声特色和配器创新。 审美引导： 不仅教授“听什么”，更引导读者思考“为什么这样写”，培养独立审美判断力。 深入的背景知识： 结合当时的社会思潮、哲学运动和技术发展（如乐器制造进步），全面理解音乐创作的时代背景。 本书是古典音乐学习者、音乐专业学生以及所有渴望深入理解西方艺术史的读者的理想伴侣，它将开启一扇通往永恒旋律与深刻哲思的殿堂之门。

评分☆☆☆☆☆

从编辑和校对的角度来看，这本书的制作水准达到了一个非常高的标准。我可以感觉到出版方在细节处理上投入了极大的心力。无论是专业术语的解释是否到位，还是示例曲谱的准确性，都体现了严谨的学术背景支撑。更难得的是，它成功地平衡了“专业性”和“可接近性”。它没有因为是大学出版社的作品就变得高高在上，而是通过清晰的层级划分和大量的图示辅助，让即便是音乐基础相对薄弱的创作者，也能顺利跟上节奏。这种对读者需求的深刻理解，是很多同类书籍所欠缺的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性远远超出了我的预期，它不只停留在理论层面，而是提供了大量的“工具箱”式的建议和技巧。我特别欣赏其中关于“互动性”的探讨，很多歌曲之所以能够成功吸引孩子，是因为它们内置了身体动作或者简单的问答环节。书中详细分析了几种经典的互动结构，并指导读者如何根据不同年龄段孩子的注意力跨度来调整歌曲的长度和复杂性。这对于我这种平时创作比较偏向成人歌曲的作者来说，简直是打开了一扇新世界的大门，让我学会了如何用更具游戏性和探索性的视角去构建旋律线条。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种柔和的色调，搭配上富有童趣的插画，一下子就把我的思绪拉回了无忧无虑的童年时光。拿到手里的时候，就能感受到纸张那种恰到好处的厚度和质感，不是那种廉价的、一翻就容易皱起来的纸张，而是那种精心挑选过的、摸起来很舒服的材料，让人忍不住想多翻看几页。而且，整体的排版布局也非常讲究，字体的选择既清晰易读，又带着一种活泼的感觉，一点也不死板，非常适合目标读者——那些渴望为孩子们创作音乐的成年人，或者正在学习音乐创作的年轻一代。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书在内容组织上的逻辑性极其出色，它不是那种堆砌理论的枯燥教材，而更像是一位经验丰富的前辈在手把手地教你“如何讲一个好故事，并用旋律来包装它”。作者似乎深谙儿童心理学，从最基础的节奏感建立、音阶的运用，到如何捕捉孩子们的日常对话和情感波动，再到如何构建一个能让他们琅琅上口的副歌部分，每一步都讲解得深入浅出。尤其让我印象深刻的是关于“重复与变化”的那一章节，作者用了很多生动的例子，展示了如何在不让歌曲变得单调的前提下，巧妙地运用重复来加深记忆，这对于写出真正流行的儿童歌曲至关重要。

评分☆☆☆☆☆

我个人认为，这本书的价值远不止于教会人们如何“写”一首歌，它更像是一份关于“如何与儿童心灵进行有效沟通”的指南。作者在字里行间流露出的对童真世界的尊重和热爱，是无法用技术性语言完全替代的。它促使我去思考，好的儿童歌曲不仅仅是悦耳的，更应该是富有教育意义、能够激发想象力和正面价值观的载体。翻阅这本书的过程，就像进行了一次深入的自我反思，它让我重新审视了“创作”的初衷，并赋予了我更多责任感，去创作那些真正能陪伴孩子们健康成长的旋律作品。