西方现代音乐概述钟子林人民音乐出版社正版课本教材9787103007020 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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钟子林 著

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• 西方音乐史
• 现代音乐
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• 音乐概论
• 钟子林
• 人民音乐出版社
• 高等教育
• 音乐理论
• 音乐史
• 9787103007020

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103007020

商品编码：29684817181

页数：208

图书基本信息
书名：	西方现代音乐概述
作者/主编：	钟子林
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103007020
出版年份：	1991年

版次：	第1版
总页数：	208页
开本：	1/32
图书定价：	22.00元
实际重量：	181g
新旧程度：	正版全新

 编辑《西方现代音乐概述》由人民音乐出版社出版。

 写在前面的话 

序言20世纪音乐的变化及其原因初探 
部分1945年以前 
章民族主义音乐 
节概述 
第二节匈牙利 
1.简况 
2.巴托克 
作品选介：《神奇的满大人》 
第三节英国 
1.简况 
2.沃安·威廉斯 
作品选介：《伦敦交响曲》 
第四节美国 
1.简况 
2.艾夫斯 
作品选介：《新英格兰的兰个地方》 
《第四交响曲》 
第二章新古典主义音乐 
节概述 
第二节斯特拉文斯基 
作品选介·《浦契涅拉》 
《诗篇交响曲》 
第三节德国 
1.简况 
2.兴德米特 
作品选介：交响曲《画家马蒂斯》 
第四节意大利 
第五节法国 
1.简况 
2.奥涅格 
作品选介：《火刑堆上的贞德》 
3.米约 
作品选介：《屋顶上的牛》 
第三章表现主义音乐 
节概述 
第二节奥地利 
1.简况 
2.勋伯格 
作品选介：《期待》 
《月迷彼埃罗》 
《一个华沙的幸存者》 
3.贝尔格 
作品选介：《沃采克》 
《小提琴协奏曲》 
4.威伯恩 
作品选介：《五首管弦乐小品》 
《交响曲》 
第四章其他 
节布里顿 
作品选介：《彼得·格兰姆斯》 
第二节微分音音乐、噪音音乐 
1.微分音音乐 
2.噪音音乐 
第二部分1945年以后 
第五章序列音乐 
节概述 
第二节梅西安 
作品选介：《图朗加利拉交响曲》 
《异国鸟》 
第三节布列兹 
作品选介：《没有主人的锤子》 
第六章电子音乐 
节概述 
第二节斯托克豪森 
作品选介：《青年之歌》 
《金粉》 
第七章偶然音乐 
节概述 
第二节凯奇 
作品选介：《方塔娜混合曲》 
第八章寻求新的音色 
节概述 
第二节希纳基斯、潘德雷茨基、利盖蒂、贝里奥、克拉姆 
1.希纳基斯 
2.潘德雷茨基 
作品选介：《广岛受难者的哀歌》 
3.利盖蒂 
4.贝里奥 
作品选介：《交响曲》 
5.克拉姆 
作品选介：《孩子们的原始呼声》 
第九章其他 
节亨策 
作品选介：《第四交响曲》 
第二节简约派、第三潮流、新浪漫主义 
1.简约派音乐 
2.第三潮流音乐 
3.新浪漫主义音乐 
结束语回顾与展望 
附：主要参考书目

《西方现代音乐概述》介绍了如果说现代派就是指先锋派，那么，《西方现代音乐概述》所介绍的就不只是先锋派（当然，这词的用法也是不够确切的，一般是指1945年以后带有实验性的作品）。在这里，我们笼统地称20世纪音乐为现代音乐，不论有派无派，没有褒贬之意。广泛地说，现代音乐还应包括流行音乐，但《西方现代音乐概述》只涉及严肃音乐  

音乐史的宏伟画卷：探寻古典与浪漫主义的辉煌殿堂 本书带领读者穿越时空，深入探究西方音乐史上最光彩夺目的两个篇章——巴洛克、古典主义与浪漫主义时期。这不是一本枯燥的文献汇编，而是一次充满活力的音乐之旅，旨在揭示音乐如何随着社会、哲学和技术的发展而演进，并塑造了我们今天所理解的“西方古典音乐”。 第一部分：巴洛克的精妙结构与情感的张力（约1600-1750年） 巴洛克时期，是音乐从单一风格向复调艺术迈进的关键过渡阶段。本卷首先聚焦于这一时期音乐风格的奠基性特征：对位法的精湛运用、清晰的调性体系的建立，以及“情感理论”（Doctrine of the Affections）的实践。我们将详细剖析巴赫（J.S. Bach）的音乐宇宙，如何通过《平均律键盘曲集》确立了现代十二平均律的基础，以及《勃兰登堡协奏曲》中对器乐组曲形式的完美驾驭。 同时，我们将探讨歌剧艺术在意大利的早期发展，从蒙特威尔第（Monteverdi）对早期人文主义戏剧的音乐化探索，到亨德尔（Handel）在英国清唱剧领域的巨大成就。特别关注协奏曲（Concerto）和赋格（Fugue）这两种关键体裁的成熟过程。读者将理解，巴洛克音乐的宏大叙事和装饰性并非仅仅是炫技，而是对信仰、权威和宇宙秩序的音乐化表达。这一时期的音乐，以其严谨的逻辑结构和深沉的宗教情怀，构筑了一个无比精密的听觉殿堂。 第二部分：古典主义的理性之光与形式的完美（约1750-1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐的审美趣味转向了清晰、平衡与和谐。本部分聚焦于维也纳古典乐派（Viennese Classical School）三巨头——海顿、莫扎特和贝多芬——如何将音乐推向新的高峰。 海顿，被誉为“交响曲之父”，其作品展示了如何将早期的器乐组曲元素提炼、整合，形成具有明确呈示部、展开部和再现部结构的奏鸣曲式（Sonata Form）。我们将深入分析奏鸣曲式在不同体裁（交响曲、室内乐、奏鸣曲）中的灵活应用，理解其内在的戏剧张力与解决。 莫扎特的篇章将重点阐述其音乐的“自然之美”。他的歌剧，特别是《费加罗的婚礼》和《唐璜》，如何将深刻的人物心理刻画与纯净的音乐语言完美结合，标志着歌剧在表现人类情感复杂性上的巨大飞跃。我们也将探讨莫扎特晚期作品中隐现的、预示着浪漫主义转折的忧郁色彩。 贝多芬的早期与中期作品，是古典主义规范的集大成者。我们将解析《英雄交响曲》如何通过扩展的篇幅和更强的动机发展，将交响曲从宫廷娱乐提升为表达个人意志和时代精神的史诗。本部分强调古典主义对“平衡”的追求，即在结构严谨性与情感表达之间的微妙平衡。 第三部分：浪漫主义的自我觉醒与情感的无限扩张（约1820-1900年） 如果说古典主义追求的是普世的理性美，那么浪漫主义就是对个体情感、主观体验和想象力的彻底释放。本卷将详细梳理浪漫主义音乐的几大核心主题。 1. 艺术歌曲（Lied）的兴盛与文学的融合 舒伯特和舒曼的作品展示了钢琴与人声如何共同创造一个完整的诗意世界。我们将分析艺术歌曲如何通过钢琴伴奏的“动机化”和“象征化”，来描绘歌词的细微情感变化，实现文学与音乐的真正意义上的对话。 2. 标题音乐与管弦乐队的革新 随着柏辽兹、李斯特等人的探索，音乐不再满足于抽象的结构，而是渴望描绘故事、风景或哲学概念。标题音乐（Program Music）的崛起，特别是李斯特发明的交响诗（Symphonic Poem），提供了一种灵活的、一气呵成的叙事形式。本部分会详述管弦乐队编制的空前扩大，以及对音色（Timbre）的革命性运用——音色本身成为了表达情感的有力工具。 3. 民族乐派的勃兴与国家身份的构建 十九世纪下半叶，欧洲各国音乐家开始从本国传统民间音乐和民族叙事中汲取灵感，以对抗德奥音乐的强大统治力。我们将考察俄国的“五人强力集团”（穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫等）如何运用民间音阶和节奏构建独特的俄罗斯声音；德沃夏克如何将波西米亚的旋律融入主流的交响曲传统；以及芬兰的西贝柳斯如何通过音乐描绘本国的冰雪与传说。 4. 晚期浪漫主义的张力与瓦解 勃拉姆斯在对古典传统的忠诚中寻求创新，他的作品代表了“绝对音乐”在浪漫主义语境下的最后辉煌。而瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）及其对“主导动机”（Leitmotif）的系统运用，则彻底颠覆了传统歌剧的结构，为二十世纪的音乐变革埋下了伏笔。马勒的交响曲，以其庞大的规模和对人类生存困境的深刻反思，将浪漫主义的情感探索推向了极限。 结论：从调性中心到无限可能 通过对这三个关键时期的细致梳理，读者将清晰地看到音乐是如何从巴洛克时期的结构服从、古典主义时期的形式美学，一步步过渡到浪漫主义时期对个人情感的极致探索。这种演进不仅是作曲技巧的迭代，更是西方文明在理性与感性之间不断拉扯、最终走向现代困境的文化缩影。本书旨在为听众提供一把深入理解这些不朽杰作背后的哲学与技术框架的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远超出一本教材的范畴，它更像是一部充满智识魅力的文化史诗。作者在行文中展现出的那种冷静而又充满敬意的态度，使得即便是讨论到那些最具争议性的音乐流派（例如极简主义或不可知论音乐），也保持了极高的专业水准，没有偏颇地进行批判或盲目推崇。对于历史事件的引用，无论是音乐界内部的争论还是外部的文化冲击，都拿捏得恰到好处，充实了内容，却不喧宾夺主。我特别欣赏作者在总结部分对未来音乐发展趋势的审慎展望，虽然没有给出肯定的预言，但其对技术与人文交织点的观察，至今读来仍具有启发性。总而言之，这是一部信息密度极高，但阅读体验却极为顺畅的著作，它不仅传授了知识，更重要的是培养了读者独立思考和批判性聆听的能力，是严肃学习西方现代音乐不可或缺的基石。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排简直是教科书级别的典范。它的章节划分非常清晰，每一部分都像是精雕细琢的模块，可以独立成章，也可以串联起来形成完整的知识体系。我尤其喜欢作者在处理跨界影响时的细腻笔触。现代音乐的发展从来不是孤立的，它与哲学、政治、科技进步息息相关。书中对两次世界大战后欧洲音乐版图的变化，以及美国音乐在二战后如何异军突起，都有着非常精炼且有力的论述。特别是对欧洲“达姆施塔特学派”的讨论，作者没有陷入技术细节的泥潭，而是精准地抓住了其背后的理性主义冲动。这种叙事策略使得阅读过程中的“信息负荷”得到了有效管理，知识点层层递进，不会让人感到头晕目眩。对于想要系统性掌握西方音乐从浪漫主义晚期到后现代思潮的读者来说，这本书无疑提供了最可靠的导航图，它让原本纷繁复杂的音乐史脉络变得有迹可循，有章可依。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的“爱好者”的角度来看，这本书最吸引人的地方在于它激发了我重新去聆听那些“听不懂”的音乐的勇气和兴趣。过去，面对一些前卫的作品，我常常因为缺乏背景知识而望而却步，总觉得那只是噪音的堆砌。然而，在阅读了关于具体作曲家（比如巴托克或梅西安）的创作背景和其对传统音高系统的革新意图后，我带着新的视角去重听了他们的作品。惊喜地发现，那些曾经令我困惑的音响结构，现在听来竟然充满了逻辑和张力。这种“激活听觉”的体验是任何纯粹的音乐欣赏指南都无法比拟的。作者的文字像是一把钥匙，帮我打开了理解这些“陌生”音乐的大门，让我明白欣赏现代音乐的关键不在于去“喜欢”它的旋律，而在于去“理解”它的动机和追求。这让我的音乐体验深度得到了显著提升，从被动的接受者转变为主动的探索者。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的广博视野和深刻洞察力，着实让我对西方音乐的演变历程有了一个全新的认识。作者的叙述逻辑严密，从早期对传统调性的解构，到后来的序列主义、偶然音乐，乃至电子音乐的兴起，每一个阶段的过渡都处理得极为自然流畅，仿佛带领读者走进了一条清晰的历史长廊。尤其值得称赞的是，书中对于那些关键性音乐家及其作品的分析，并非简单的罗列事实，而是深入挖掘了他们创作背后的哲学思辨和社会语境。比如，在谈到德彪西的印象主义时，作者并没有停留在和声色彩的描绘上，而是联系到了当时的绘画艺术和文学思潮，构建了一个立体的文化背景，这使得音乐的“意义”更加鲜活可感。我感觉自己不仅仅是在学习音乐史，更是在与那个时代最富创造力的头脑进行对话。那些复杂的理论概念，在作者的笔下变得触手可及，即便是音乐科班背景不深的人，也能抓住核心脉络。这种将深奥学术内容转化为易于理解的阐释能力，是衡量一部优秀教材的关键指标，而这本书无疑做到了这一点，它为我打开了理解现代音乐复杂性的一个重要窗口。

评分☆☆☆☆☆

读完此书，我最大的感受是作者在学术严谨性与文本可读性之间找到了一个近乎完美的平衡点。它绝非那种故作高深的学术著作，佶屈聱牙的术语堆砌并不会出现，但同时，它也远非那种肤浅的音乐普及读物，其对音乐思潮的辨析和历史节点的把握，体现了扎实的学理功底。我特别欣赏书中对于“现代性”这一核心概念的持续追问。什么是现代，音乐如何回应这种现代性的焦虑与解放？作者没有给出单一的答案，而是通过展示不同学派、不同作曲家在面对传统崩溃时的不同应对策略，引导读者自行思考。例如，勋伯格的十二音体系与斯特拉文斯基的新古典主义，表面上看似南辕北辙，但在作者的梳理下，它们都指向了对既有秩序的重构需求，只是路径不同。这种辩证式的叙述，极大地拓宽了我的思维边界，不再将现代音乐视为一堆破碎的、难以欣赏的音响集合，而是将其视为人类精神探索的一系列重要文本。