現貨麯式學基礎教程謝功成編著人民音樂齣版社正版課本9787103016121 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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謝功成 著

圖書標籤:

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齣版社： 人民音樂齣版社

ISBN：9787103016121

商品編碼：29684824788

頁數：357

圖書基本信息 書名：   麯式學基礎教程 叢書名：   音樂自學叢書·作麯捲 齣版社：   人民音樂齣版社 ISBN號：   9787103016121 齣版年份：   1998年1月 版次：   第1版 總頁數：   357頁 開本：   1/32 圖書定價：   25.00元 實際重量：   320 g 新舊程度：  正版全新

《音樂自學叢書·作麯捲:麯式學基礎教程》既有一定的理論深度，又通俗易讀。除作為音樂函授大學以及衛星電視大學音樂理論作麯學科的教材外，亦可作為音樂院校和音樂範院校師生的輔導教材和參考書。 

章緒論 1—1關於“麯式”的概念 1—2關於內容與形式 1—3關於麯式與風格 1—4方傳統麯式與現代音樂及我國傳統音樂 1—5關於麯式與體裁 1—6關於麯式學與其他作麯技術理論的關係 1—7關於學習方法 第二章樂段（一） 2—2“樂段”的概念 2—2樂段的細部結構 2—3重復、變奏、模進、再現 2—4樂匯與動機 2—5樂匯的構成 2—6動機的運用 2—7樂節與樂句 第三章樂段（二） 3—1句方正型樂段——重復型 3—2句方正型樂段——延伸型與對比型 3—3兩句樂段的和聲結構與終止式 3—4音樂的句式結構——擴充、縮短、補充 3—5音樂的句式結構——進行的周期性、綜閤與分解 3—6高潮 3—7兩句不等長樂段 第四章樂段（三） 4—1三句樂段 4—2N句樂段 4—3不分句樂段 4—1復樂段 第五章一段麯式 5—1樂段結構與一段麯式 5—2實例分析一 5—3實例分析二 5—4實例分析三 5—5實例分析四 第六章二段麯式 6—1段麯式的結構原理 6—2帶再現的二段式 6—3聲樂麯與器樂麯麯式結構的異同 6—4二段式的歌麯——由分節歌和疊歌組成的二 段式歌麯 6—5二段式藝術歌麯 第七章三段麯式 7—1三段麯式的結構原理 7—2三段麯式的基本類型 7—3三段式的段和中段 7—4三段式的再現段 7—5三殷女的附加結構 7—6實例分析一 7—7實例分析二 7—8實例分析三 7—9實例分析四 7—10實例分析五 第八章多段結構 8—1關於“多段結構”的概念 8—2實例分析一 8—3實例分析二 第九章三部麯式 9—1麯式結構的層次劃分 9—2三部麯式的概念與基本結構 9—3三部麯式中部對比的性質 9—4三部麯式各部簡述 9—5“三聲中部” 9—6以插部為中部 9—7實例分析 9—8二部麯式 第十章迴鏇麯式 10—1鏇麯式的構成 10—2古迴鏇麯 10—3維也納古典時期的迴鏇麯 10—4浪漫時期以後迴鏇麯式的發展 第十一章變奏麯（一） 11—1關於主題與變奏 11—2固定低音——帕薩卡利亞 11—3實例分析一 11—4實例分析二 11—5夏空（chaconne） 第十二章變奏麯（二） 12—1裝飾變奏及其主題 12—2裝飾變奏的常用手法 12—3實例分析 12—4自由變奏 12—5實例分析 第十三章奏鳴麯式（一） 13—1奏鳴麯與奏鳴麯式 13—2奏鳴麯式的構成 13—3呈示部中的正主題 13—4連接 13—5副主題 13—6結束 第十四章奏嗚麯式（二） 14—1展示部 14—2主題材料的展開 14—3展開部的調性布局 14—4展開部的結構 14—5展開部範例分析 14—6再現部 14—7再現中的正主題 14—8再現中的副主題 14—9奏鳴麯式的引子與尾聲 14—10再現部範例分析 第十五章奏嗚麯式（三） 15—1奏鳴麯式的交體 15—2沒有展開部的奏鳴麯式 15—3帶插部的奏鳴麯式 15—4協奏麯樂章中的雙呈示部 第十六章奏鳴迴鏇麯式 16—1奏鳴迴鏇麯式的構成 16—2奏鳴迴鏇麯式的呈示部 16—3中間插部與再現部 16—4實例分析 第十七章套麯——組麯 17—1套麯的定義及種類 17—2古組麯 17—3古二段（部）麯式 17—4古組麯實例簡析 17—5新型組麯 17—6新型組麯實例分析 第十八章奏鳴（交響）套麯 18—1奏鳴（交響）套麯的運用範圍 18—2奏鳴（交響）套麯的構成 18—3交響套麯實例分析 第十九章聲樂套麯與大閤唱 19—1聲樂套麯 19—2舒柏特的《美麗的磨坊女》 19—3大閤唱與清唱劇 19—4大閤唱中的主導主題 19—5星海的《黃河大閤唱》 

《音樂自學叢書·作麯捲：麯式學基礎教程》由謝功成所著，為“音樂自學叢書”之一。全書共分十九章，主要介紹瞭樂段、一段麯式、二段麯式、三段麯式、多段結構、迴鏇麯式、變奏麯、奏嗚麯式、奏鳴迴鏇麯式、奏鳴(交響)套麯、聲樂套麯與大閤唱等知識。《音樂自學叢書·作麯捲：麯式學基礎教程》既有一定的理論深度，又通俗易讀。除作為音樂函授大學以及衛星電視大學音樂理論作麯學科的教材外，亦可作為音樂院校和音樂範院校師生的輔導教材和參考書。  

《西方音樂史綱：從古代到浪漫主義》 內容提要 本書旨在為音樂愛好者、學生及專業人士提供一份全麵而深入的西方音樂發展曆程的導覽。我們聚焦於音樂本體的演變，細緻梳理瞭從古希臘的音樂理論萌芽，到中世紀的宗教音樂主導，經由文藝復興的復調藝術興盛，巴洛剋時期的精湛技巧與情感張力，古典主義的結構完美與清晰，直至浪漫主義的個性解放與情感的無限拓展。全書力求以清晰的脈絡，結閤重要的音樂作品、代錶作麯傢及其創新之處，勾勒齣西方音樂思想與實踐相互影響、不斷迭代的曆史圖景。 第一部分：音樂的搖籃與童年——古代至中世紀 第一章 古希臘音樂的遺産與理論基石 西方音樂的源頭可追溯至古希臘。本章將探討古希臘人對音樂的哲學理解，即“慕西剋”（Mousikē），它不僅僅是聽覺藝術，更是數學、天文學和倫理學的綜閤體現。我們將詳細介紹畢達哥拉斯對音程的數學發現及其在音階構建上的影響。重點分析瞭古希臘調式（如多利安、弗裏吉安調式）的特徵，並解析瞭柏拉圖和亞裏士多德在《理想國》中對音樂“倫理效應”（Ethos）的論述。盡管留存的樂譜稀少，但其理論體係，特彆是關於調性、和諧與韻律的思考，構成瞭西方音樂學不可磨滅的基礎。 第二章 早期基督教音樂與格裏高利聖詠的形成 隨著羅馬帝國的衰落與基督教的興起，音樂的中心轉嚮教會。本章詳述瞭中世紀早期音樂生活的核心——禮拜儀式音樂。重點闡述瞭格裏高利聖詠（Gregorian Chant）的特徵：單音性（Monophonic）、無固定節拍、以及其作為教會官方音樂所經曆的規範化過程。我們將分析這一時期記譜法的初步發展，特彆是紐姆（Neumes）的齣現，如何使口傳心授的音樂得以初步記錄，並探討其在歐洲不同地區（如米蘭的安布羅斯聖詠）的地方差異。 第三章 歐洲音樂的復調覺醒：奧爾加農到經文歌的探索 中世紀盛期的最大突破在於復調音樂的誕生與發展。本章深入探討瞭對位法（Counterpoint）的早期實踐。首先介紹的是聖加樓德修道院的萊奧寜（Léonin）和佩羅坦（Pérotin）所代錶的巴黎聖母院樂派，他們如何發展齣早期的奧爾加農（Organum），尤其是“自由奧爾加農”和“規律奧爾加農”。隨後，我們將聚焦於“三聲部”（Troparia）和“四聲部”的復雜交織，以及重要的世俗音樂形式——法國的遊吟詩人（Trouvères）和德國的吟遊詩人（Minnesinger）的作品，這些作品為後來的世俗音樂體裁奠定瞭基礎。 第二部分：結構與情感的精進——文藝復興與巴洛剋 第四章 文藝復興的“人文主義之聲”：均衡與情感的結閤 文藝復興時期（約1400-1600年）標誌著對古典主義理想的迴歸以及人文主義思想對藝術的滲透。本章著重分析瞭復調音樂的成熟。重點研究法蘭德斯樂派（如杜費、雅剋·德佩）如何確立瞭均衡、清晰的五度音階體係和成熟的模仿對位技法。我們將詳細考察彌撒麯和經文歌的結構演變，特彆是若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）的作品，他以精妙的織體變化和對文本的深刻理解，將復調藝術推嚮瞭高峰。同時，本章也會涵蓋世俗音樂的繁榮，如意大利的牧歌（Madrigal）如何通過“文字樂”（Word Painting）手法來描繪歌詞意境。 第五章 巴洛剋時代的輝煌：戲劇性、對比與狂熱的激情 巴洛剋時期（約1600-1750年）是西方音樂史上最具活力和裝飾性的階段之一。本章首先探討瞭“第二實踐”的齣現，即為追求戲劇性效果而打破純粹復調規則的早期歌劇（如濛泰威爾第的《奧爾費奧》）。我們將詳細剖析巴赫和亨德爾等大師的成就。重點分析瞭以巴赫為代錶的對位法集大成，包括賦格麯（Fugue）的精妙結構，以及他如何完善瞭大小調體係的調性功能。同時，對協奏麯（Concerto Grosso和獨奏協奏麯）、清唱劇（Oratorio）等器樂和聲樂新體裁的發展脈絡進行瞭係統梳理。 第三部分：理性與典雅的巔峰——古典主義時期 第六章 維也納古典樂派的形成與“形式的完善” 古典主義時期（約1730-1820年）強調清晰、平衡、清晰的鏇律綫條和嚴謹的結構。本章著重介紹這一時期音樂的理性精神。重點分析瞭奏鳴麯式（Sonata Form）的結構原理，它成為交響麯、奏鳴麯和室內樂的通用藍圖。我們將細緻考察海頓如何被譽為“交響麯之父”，奠定四樂章結構；莫紮特如何將歌劇藝術推嚮人性的深度，並在協奏麯中展現齣無與倫比的鏇律天賦。 第七章 貝多芬：古典的終結者與浪漫的先驅 本章將貝多芬置於古典主義與浪漫主義的交匯點。他的早期作品遵循古典規範，但中期開始，通過對力度對比的極端運用、主題的動機性發展，以及對傳統麯式的拉伸與改造，注入瞭前所未有的英雄主義和個人意誌。重點分析瞭其晚期作品中對形式的突破以及對自由錶達的追求，為十九世紀的音樂發展鋪平瞭道路。 第四部分：情感的解放與個性的呐喊——浪漫主義時期 第八章 浪漫主義的浪潮：主觀性、幻想與民族色彩 浪漫主義時期（約1820-1910年）的音樂傢將情感、想象力和個體經驗置於首位。本章探討瞭這種轉變如何體現在音樂語言上：和聲變得更為復雜（增三和弦、減七和弦的廣泛運用），鏇律更加自由奔放，配器法更為豐富，以追求極緻的音色變化。我們將分析舒伯特的藝術歌麯（Lied）如何將詩歌與音樂完美融閤，以及肖邦如何將鋼琴這種樂器推嚮瞭新的錶現力極限。 第九章 民族樂派的興起與管弦樂隊的革新 隨著民族意識的覺醒，許多作麯傢開始從本國的民間音樂、曆史傳說和民族風俗中汲取靈感。本章將介紹俄國的“五人強力集團”、捷剋的德沃夏剋和斯美塔那，以及北歐的西貝柳斯等作麯傢，他們如何將本民族的音樂元素融入到西方傳統的麯式結構中，豐富瞭音樂的錶現語匯。此外，本章還將審視十九世紀管弦樂隊規模的空前擴大，以及李斯特等人在交響詩（Symphonic Poem）這一全新體裁中的開創性貢獻，這種體裁徹底打破瞭傳統交響麯的結構束縛，完全服務於敘事性內容。 第十章 晚期浪漫主義的戲劇化與瓦格納的影響 晚期浪漫主義的特徵是追求宏大敘事和極度的情感錶達。本章重點分析理查·瓦格納對音樂戲劇的徹底改造，包括“主導動機”（Leitmotif）的係統運用、調性色彩的模糊化，以及他對歌劇院體驗的整體構建。同時，我們也考察瞭如布魯剋納和馬勒等作麯傢如何通過近乎無窮盡的交響麯篇幅，探索人類生存的終極哲學命題，將這部西方音樂史的宏大敘事推嚮瞭古典體係的最後邊界。

評分☆☆☆☆☆

我最近在研讀這本《二十世紀作麯技法前沿探索》，說實話，讀完之後感覺自己的音樂視野被徹底拓寬瞭。這本書的深度和廣度都超乎我的想象，它沒有停留在傳統的調性體係內打轉，而是大膽地將無調性音樂、十二音體係，乃至微分音、噪音音樂等多種現代作麯手法進行瞭係統性的梳理和介紹。作者在闡述像“序列主義”或“隨機音樂”這些前衛概念時，並沒有采用高高在上的學術腔調，而是非常務實地分析瞭每一流派的邏輯基礎和錶現力意圖。我特彆喜歡其中關於“音色作為結構元素”的章節，它讓我意識到音樂不僅僅是音高的排列組閤，聲音的質感本身也可以成為組織音樂的骨架。這本書的參考文獻部分也做得極為紮實，提供瞭大量德文、法文的原著索引，對於想要深挖曆史背景和理論源頭的學習者來說，無疑是一座寶庫。它更像是一部研究報告，而不是簡單的教程，非常適閤已經有一定基礎，想要嚮專業作麯研究方嚮邁進的讀者。

評分☆☆☆☆☆

這本《音樂理論基礎精講》真是讓我茅塞頓開！作者的講解方式非常生活化，不像有些教材那樣晦澀難懂，而是能讓人很快抓住核心概念。特彆是關於和聲進行的推導過程，他用瞭很多生活中的例子來類比，比如把大小調的色彩比作不同天氣下的心境變化，這種細膩的描述一下子就拉近瞭我們和枯燥理論之間的距離。我尤其欣賞的是，書中不僅講瞭“是什麼”，更深入地探討瞭“為什麼”，比如為什麼某些音程聽起來和諧，某些又顯得緊張，這些背後的物理學和心理學原理都被梳理得井井有條。這本書對於我這種零基礎入門者來說，簡直是量身定做，它沒有上來就堆砌專業的術語，而是循序漸進地搭建知識框架，每學完一個章節都感覺自己離真正的音樂傢又近瞭一步。而且，書中的習題設計得非常巧妙，它們不是簡單的機械重復，而是需要你真正運用所學知識去分析和解決實際的音樂片段，這極大地鍛煉瞭我的樂感和分析能力。這本書的裝幀設計也很考究，紙張的質感很好，長時間閱讀也不會感到疲勞，看得齣來齣版社在細節上也是下足瞭功夫。

評分☆☆☆☆☆

我是在一個偶然的機會接觸到《巴洛剋時期鍵盤音樂風格分析》的，這本書的齣現，徹底改變瞭我對巴赫和亨德爾作品的理解。它聚焦於一個相對狹窄但極其重要的時期，通過深入研究早期的演奏實踐和音樂裝飾法，來反推當時作麯傢的真正意圖。作者對“即興創作”在巴洛剋音樂中的核心地位的強調，給瞭我極大的震撼。以前我總覺得那些復雜的對位是“寫死”的，但讀完這本書，我纔明白，很多華麗的音型和裝飾音，其實是演奏者在尊重麯式框架下的二次創作。書中對“古鋼琴（Clavichord）”和“羽管鍵琴（Harpsichord）”音色差異如何影響作麯的細微之處，也有精闢的論述。閱讀過程需要極大的專注力，因為它要求你不僅要會看五綫譜，還要能想象齣那個時代樂器的真實音響效果。這本著作，更像是一把精密的考古鏟，幫助我們將那些古老的樂譜從塵封的紙張中解放齣來，還原其應有的生命力與光彩。

評分☆☆☆☆☆

最近為準備一個關於民族音樂學的課題，我購買瞭這本《世界傳統音樂的符號學解讀》。坦白說，它挑戰瞭我固有的“西方中心”的音樂觀。這本書的視角非常獨特，它不關注鏇律、和聲這些“可量化”的元素，而是將不同地域的音樂——從非洲的鼓語，到亞洲的五聲音階敘事——視為一種完整的文化符號係統進行剖析。作者運用瞭大量的符號學理論，來解釋為什麼某些節奏型在特定文化中具有神聖或世俗的意義，以及它們是如何與社會結構、宗教儀式緊密聯係在一起的。我印象最深的是它對“口頭傳統”的記錄和分析方法，這對於習慣瞭書麵樂譜的我們來說，提供瞭一種全新的記錄和思考框架。這本書的文字密度很高，需要反復咀嚼纔能體會其深意，它更像是一本思想啓發的讀物，而非技能傳授手冊。它成功地讓我意識到，音樂的本質遠比我們想象的要宏大和復雜，它關乎人類文明的深層錶達。

評分☆☆☆☆☆

拿到這本《管弦樂配器大師手記》時，我其實有點擔心它會變成一本乾巴巴的樂器介紹大全，但事實證明我的擔憂是多餘的。這本書的魅力在於它的“實戰性”。作者似乎是直接將自己幾十年的樂隊指揮和配器經驗傾囊相授，書中大量的配器實例分析，都是從最頂尖的交響樂作品中截取的，配有清晰的五綫譜段落和作者的批注。最讓我受益匪淺的是關於“樂器間的平衡和層次感”的探討。他詳細講解瞭不同樂器組（比如木管組、銅管組）在不同力度下如何相互交織而不互相掩蓋，以及如何利用和聲的織體密度來營造空間感。比如，書中對比瞭理查·施特勞斯和馬勒在處理小提琴高音區時的不同策略，這種對比分析的力度極強。這本書更像是我的“配器顧問”，每當我對著總譜發愁時，翻開它，總能找到立竿見影的啓發。對於希望快速提升配器水平，特彆是想讓自己的作品聽起來“豐滿”而不是“擁擠”的音樂工作者來說，這本書的價值無可估量。