音樂的理性基礎與社會學基礎重慶西南師範大學齣版社考研大書9787562162728 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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[德] 馬剋斯·韋伯 著；李彥頻 譯 著

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齣版社： 重慶西南師範大學齣版社

ISBN：9787562162728

商品編碼：29684825819

頁數：257

書名：	音樂社會學：音樂的理性基礎與社會學基礎
作者/主編：	[德] 馬剋斯·韋伯 著；李彥頻 譯
齣版社：	西南師範大學齣版社
ISBN號：	9787562162728
齣版年份：	2014年5月

版次：	第1版
總頁數：	257頁
開本：	32
圖書定價：	28元
實際重量：	481g
新舊程度：	正版全新

 作者：（德國）馬剋斯·韋伯 譯者：李彥頻 

馬剋斯·韋伯（1864—1920）是現時代傑齣的社會學傢，被視為20世紀偉大的頭腦之一。他在政治社會學、法律社會學、宗教社會學等若乾領域的建樹，他的方法論體係，他的大規模比較研究，至今仍是無與倫比。德國的韋伯成為世界的韋伯，很大程度上是由於《新教倫理與資本主義精神》、《社會學文集》和《經濟與社會》的廣泛影響，而《社會學文集》自20世紀問世以來，對於初步但比較全麵地瞭解韋伯思想就一直是公認的讀本。

德文版序

章 音樂理性化中的和聲與鏇律因素
1.和弦體係的基本事實
2.屬七和弦的非理性屬性
3.和弦進行的鏇律確定性

第二章 音樂理性化的基礎：前自然音階和西方音階體係
1.C大調音階
2.整數7或較大質數的理性化
3.數字2、3的理性化
4.五聲性
5.五聲音階和半音問題
6.三度音程在原始音樂中的使用情況
7.五聲音階的基礎：四度
8.鏇律音程基礎上的音階形式
9.音樂改革和樂器對音階形式的影響

第三章 調性及其在古代鏇律中的對應物
1.鏇律移調而産生的音階與音程的均等化
2.赫爾姆霍爾茨的調性理論
3.調性的原始對應物
4.語言對古代鏇律的影響
5.原始鏇律範圍內的魔法因素和宗教因素
6.擴大的世俗民樂音域
7.與原始魔法形式不同的樂音序列
8.音樂的理性化、錶現化和化
9.現代調性的古代對應物

第四章 以五度和四度為基礎的音階理性化：近代調性的基礎
1.鏇律移調過程中四度和五度的作用
2.鏇律形式理性化的調式起源
3.其他音樂的平行發展
4.西方音樂發展中唱名法的作用
5.C大調音階的主音、屬音和下屬音

第五章 西方音樂的多聲性演化
1.多聲性的意義與形式
2.多音性
3.對位復調
4.和聲一單鏇律音樂
5.記譜法是和聲一單鏇律音樂發展的前提條件

第六章 樂音與律製的理性化
1.西方音樂嚮嚴格的自然音體係發展
2.對純自然音體係的態度
3.任意等音手段所實現的理性化
4.樂音體係中的理性化：樂律
5.西方樂律的特性

第七章 近代音樂與樂器之間的技術、經濟、社會關係
1.弦樂器的起源
2.遊吟詩人影響下的弦樂器改革
3.偉大的樂器製作者和近代管弦樂
4.樂器的社會地位
5.鍵盤樂器：管風琴
6.宗教的變化與管風琴功能的轉變
7.鋼琴
8.鋼琴的解放及其作為中産階級樂器的興起

附 英文版原文
附錄一 人名索引
附錄二 術語及其他用語索引
中譯本後記

《音樂社會學：音樂的理性基礎與社會學基礎》是引進的一本音樂社會學著作，為音樂社會學學科的奠基之作。分為七章，依次從以下四個方麵進行論證：與鏇律有關的和聲檢驗、與其他地區比較的西方音樂音階體製研究、對解決音樂體係中的多音性和多響性方案的評論、檢驗樂器作為音樂理性化載體的角色。

音樂的理性維度與社會結構：跨學科的探究 內容提要： 本書旨在係統梳理音樂現象背後的深層邏輯，從聽覺的生理基礎齣發，逐步拓展至音樂結構、美學判斷、文化建構以及社會實踐等多個維度。它並非專注於某一特定音樂流派或曆史時期的敘事，而是力求構建一個宏大的分析框架，用以理解音樂如何成為一種普遍而又獨特的、兼具數學精度與情感深度的錶達方式。本書將著重探討音高、節奏、和聲等基本要素的物理學與心理學基礎，並深入分析這些基礎如何在不同文明和時代中被轉化為復雜的音樂語言。同時，書中將引入社會學視角，考察音樂在群體認同、權力分配、儀式建構中的作用，揭示音樂與社會肌理之間密不可分的互動關係。 --- 第一部分：聽覺的幾何學——音樂的理性基礎探源 第一章：聲音的物理世界與感知的起點 本章聚焦於音樂的物質載體——聲波。我們將從波動理論齣發，解析頻率、振幅、波形等物理參數如何直接決定瞭我們所聽到的音高、響度和音色。詳細闡述傅裏葉分析在音樂理論中的基礎性地位，解釋復雜音色如何分解為一係列諧波的疊加，從而為理解音色的微妙差異提供瞭量化的工具。不同文化對“純音”的偏好，其背後隱藏的物理學約束與人類聽覺器官的生理限製之間的復雜博弈，將是本章探討的核心議題之一。 第二章：音高係統的建構與數學的必然性 人類對音高的組織並非隨意的，而是深深植根於簡單的整數比例之中。本章將追溯畢達哥拉斯學派對音程的發現曆程，重點剖析以五度相生為核心的調律係統。我們將詳細對比純律、中庸全音律（如畢達哥拉斯音律）與十二平均律之間的數學差異及其聽覺後果。十二平均律作為現代音樂的基石，其“理性”之處在於其完美的對稱性與可操作性，但其犧牲的“和聲純度”又在多大程度上影響瞭音樂情感的錶達，這是需要辯證看待的問題。本章還將引入超越西方體係的音高組織方式，如五聲音階、微分音，以拓寬對“閤理音高組織”的理解邊界。 第三章：節奏的結構與時間的組織 節奏是音樂中最基礎的時間藝術。本書將超越簡單的節拍概念，深入探究節奏的層次結構，包括小節、樂句、段落乃至宏觀的結構感。我們將分析時間分割在不同文化中如何被編碼和感知——從古希臘對節奏單元的劃分，到巴赫復調音樂中嚴謹的節拍位移，再到二十世紀復雜復節奏（Polyrhythm）的運用。節奏的“理性”不僅體現在其可計算性上，更體現在它如何通過預設的模式與聽者的期待形成張力與釋放，從而産生運動感和驅動力。 第四章：和聲學的演進與功能的邏輯 和聲——多個音符同時發聲所産生的復閤體——是音樂錶達力的重要來源。本章將梳理和聲學從三和弦的齣現到功能和聲體係的建立這一漫長過程。深入分析調性功能（主和弦、屬和弦、下屬和弦）的力學原理，即它們如何在聽覺上構成一個明確的“趨嚮性”結構。我們將討論和弦進行（Chord Progression）的語法規則，並對比晚期浪漫主義及印象派音樂中和聲語言的鬆動與模糊化趨勢，探討這種“理性邊界”的拓展對音樂情感錶達的意義。 --- 第二部分：音樂的闡釋與社會的存在論 第五章：音樂形式與美學的認知基礎 本章轉嚮聽者主體，探討音樂形式（如奏鳴麯式、迴鏇麯式、賦格麯式）為何被認為是“良好”或“有效”的組織方式。我們將結閤認知心理學原理，討論模式識彆、預期建立與偏差修正如何在聽覺體驗中構建起審美的愉悅感。音樂的結構如何模仿甚至引導人類思維的邏輯過程，是本章探討的關鍵。同時，我們將審視“客觀美”與“主觀感受”之間的張力，分析形式的“理性”在不同審美範式下的地位變化。 第六章：符號學視野下的音樂意義 音樂語言如何承載意義？本章運用符號學工具，將音高、節奏等元素視為具有指涉性的符號。我們將區分音樂中“絕對意義”（如純粹的聽覺結構）與“約定意義”（如特定的鏇律動機在特定情境中的指代性）。通過分析導引主題（Leitmotif）在歌劇中的運用，展示音樂符號如何在敘事框架內進行復雜的組閤與轉化，揭示音樂“闡釋學”的深度。 第七章：音樂的社會實踐與群體認同 音樂並非在真空中的純粹審美活動，而是深刻嵌入社會結構之中。本章從社會學角度分析音樂是如何成為劃分社會階層、構建群體身份的工具。探討禮儀音樂（如宗教儀式、國傢慶典）中音樂的“強製性”和規範性作用。通過分析特定音樂風格（如爵士樂、搖滾樂、民間音樂）在特定曆史時期對青年文化、反主流運動的塑造力，展現音樂作為社會動員和文化抵抗力量的潛能。 第八章：權力的聲場：音樂的意識形態功能 本章將聚焦於音樂在意識形態傳播中的作用。分析國傢意識形態如何通過官方音樂的推廣來鞏固其閤法性，以及資本邏輯如何塑造音樂的生産、分銷和消費模式。探討音樂産業在標準化和異化過程中的角色，以及獨立音樂運動如何試圖在既有的權力聲場中開闢齣新的錶達空間。本章旨在揭示在聽覺體驗的背後，始終存在著復雜的社會關係與權力博弈。 --- 結語：跨越理性與經驗的橋梁 本書最終嘗試證明，音樂的魅力恰恰在於其在嚴格的數學邏輯（理性基礎）與流動的社會經驗（社會學基礎）之間的微妙平衡。任何偉大的音樂作品，都是在既定的物理約束和文化規範內，完成瞭最大程度的創造性突破。本書提供瞭一套分析工具，旨在幫助讀者更深入、更全麵地理解這一人類最古老、最復雜的藝術形式。

評分☆☆☆☆☆

翻開這本厚重的書，首先映入眼簾的是那種撲麵而來的學術氣息，紙張的質感和排版都透著一股嚴謹和專業。我本來是帶著一種探索音樂本質的好奇心來的，想看看那些看似玄妙的音符背後，到底隱藏著怎樣一套可以被邏輯拆解的框架。這本書的開篇部分，對於西方音樂理論的梳理，簡直是教科書級彆的詳盡。它沒有那種故作高深的故弄玄虛，而是用一種近乎數學推導的方式，把和聲、對位這些核心概念掰開揉碎瞭講。特彆是它對調式演變的曆史脈絡梳理，讓人清晰地看到，我們今天習以為常的十二平均律，並非憑空齣現，而是一路摸索、衝突與妥協的産物。我記得特彆清楚，書中關於“純律”和“平均律”的辯證分析，引用瞭大量的曆史文獻和物理學原理，讀起來酣暢淋灕，仿佛親自參與瞭那場跨越幾個世紀的音樂“信仰”之爭。這種由淺入深、層層遞進的敘述結構，極大地增強瞭閱讀的代入感，讓人感覺自己不僅僅是在看書，而是在進行一場嚴肅的智力攀登。對於任何想係統構建自己音樂知識體係的初學者或進階者來說，光是前幾章對基礎理論的夯實，就值迴票價瞭。

評分☆☆☆☆☆

我嘗試著從一個純粹的“欣賞者”角度來評價它。過去聽音樂，很多時候是憑著感覺走，覺得某個段落好聽，某個鏇律動人，但往往說不齣“所以然”。這本書提供瞭一套成熟的工具箱，讓你能夠“看見”音樂的構造，進而深化欣賞體驗。比如，書中對奏鳴麯式發展部處理手法的細緻分析，讓我重新審視瞭許多耳熟能詳的交響樂片段，理解瞭作麯傢是如何通過主題的變形、衝突的激化，最終達成情感的高潮與和解。這不再是盲目的崇拜，而是一種基於理解的敬佩。更難得的是，它並未將聽眾塑造成一個被動的接受者，而是鼓勵讀者主動參與到音樂的“解碼”過程中來。閱讀過程中，我多次停下來，拿齣舊的唱片或播放器，重新去聽那些分析過的樂段，那種“茅塞頓開”的體驗，是任何其他形式的音樂普及讀物都難以提供的。它真正做到瞭理論與實踐的完美融閤。

評分☆☆☆☆☆

再者，這本書的學術引用和參考文獻部分，做得非常紮實，這對於任何希望進行後續研究的讀者來說，都是一個巨大的加分項。它所構建的知識體係，明顯是建立在一係列重要學者的研究成果之上的，體現瞭作者深厚的學養和嚴謹的治學態度。我注意到，它不僅涵蓋瞭音樂學院派的經典理論，也兼顧瞭當代音樂學界對於非西方音樂體係的探討，雖然篇幅不占主體，但這種包容性顯示齣作者的學術視野的開闊。閱讀過程中，經常會因為書中的某個論斷而引發連鎖反應，促使我立刻去查找書中提及的某位理論傢的原著，這是一種非常高效且愉悅的知識滾雪球過程。總而言之，這是一部結構嚴謹、論證有力，並且成功地將硬核的理論分析與宏大的社會文化觀察相結閤的重量級作品，它無疑是音樂學領域內值得反復研讀的經典之作。

評分☆☆☆☆☆

這本書的行文風格，我得說，是極其剋製和精準的。它很少使用那種煽情的、口語化的錶達，一切都建立在嚴謹的論證和清晰的邏輯鏈條之上。我花瞭不少時間去消化那些關於“音樂本體論”的章節，坦白講，初讀時會感到一定的認知負荷，因為它涉及到一些哲學思辨，比如音樂的時間性、空間性如何被人類感知，以及節奏如何與生物節律發生關聯。但一旦跟上作者的思路，你會發現，那些看似抽象的概念，其實都是試圖捕捉音樂最本質屬性的努力。作者的敘述就像一位經驗豐富的手術醫生，精確地切割、分離，然後重新組閤，讓你看到隱藏在鏇律之下的“骨架”。這種對學術嚴謹性的堅守，使得這本書的論述具有極強的說服力，也意味著它要求讀者付齣相應的專注度。它不是一本可以隨便翻閱的消遣讀物，而是一本需要你帶著筆和筆記本，反復咀嚼纔能真正領悟其深意的案頭寶典。

評分☆☆☆☆☆

更讓我眼前一亮的是，這本書並沒有止步於傳統的“技法分析”，它很巧妙地將視角轉嚮瞭音樂的“社會建構性”。這種跳脫齣樂譜本身，去審視音樂在不同社會環境中的角色轉變，是這本書的靈魂所在。例如，書中探討巴赫時代的“為上帝而作樂”的審美範式，如何與啓濛運動時期“為理性服務”的市民音樂需求産生碰撞，這部分分析得極其入骨。它不是簡單地羅列曆史事件，而是通過具體的作品實例，展示瞭社會思潮是如何潛移默化地塑造瞭作麯傢的創作意圖和聽眾的接受美學的。我尤其欣賞作者在處理這一部分時所展現齣的批判性思維，他們沒有將任何一種音樂形態浪漫化或神聖化，而是將其置於其産生的特定曆史土壤中進行考察。這種社會學視野的引入，使得原本冰冷的音樂結構分析，突然鮮活瞭起來，充滿瞭人性和曆史的張力。對於那些渴望理解“為什麼在那個時代，人們會欣賞這樣的音樂”的思考者來說，這部分內容提供瞭極其堅實的理論支撐和廣闊的思維空間。