和声学新编沈一鸣附CD上海音乐出版社正版课本教材音乐理论史9787552302585 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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沈一鸣 著

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• 沈一鸣
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• 9787552302585

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552302585

商品编码：29684836721

页数：337

图书基本信息
书名：	和声学新编(附CD光盘)
丛书名：	作曲技术理论丛书
作者/主编：	沈一鸣
出版社：	上海音乐出版社   上海文艺音像电子出版社
ISBN号：	9787552302585
出版年份：	2015年1月

版次：	第1版
总页数：	337页
开本：	1/16
图书定价：	88元
实际重量：	422g
新旧程度：	正版全新

 《和声学新编》内容简介：变和弦本是自然和弦演变出来的，它是自然和弦的变化形态。因此两者之间无论在和弦结构、功能属性、和声进行以及声部处理等诸方面均存在着相当大的一致性与共同点，关系十分密切。 自然音和弦与变音和弦的同步进行，可以使人们大大提前对变音体系的接触与运用，从而能及早地开阔他们的视野，增强他们的和声思维能力，丰富他们的和声语汇。 编辑《和声学新编》主要是为音乐学院作曲系本科的和声课而写，但是也可作为师范院校的和声参考书。

前言 增订本前言 章 绪论 第二章 和声功能与和弦连接 第三章 原位正三和弦 第四章 正三和弦的转位六和弦 第五章 正三和弦的第二转位——四六和弦 第六章 原位属七和弦 第七章 转位属七和弦 第八章 大、小调功能体系、和弦的基本结构与变化形态 第九章 下属功能组和弦（一） 第十章 下属功能组和弦（二） 第十一章 下属功能组和弦（三） 第十二章 属功能组和弦（一） 第十三章 属功能组和弦（二） 第十四章 属功能组和弦（三） 第十五章 其他自然音副七和弦 第十六章 调内变和弦的扩展 第十七章 大、小调交替变和弦综述 第十八章 模进 第十九章 和弦外音（一） 强和弦外音——留音、倚音 第二十章 和弦外音（二） 弱和弦外音一经过音、助音、先现音、换音 第二十一章 和弦外音（三） 多重和弦外音与和弦外音的复杂化 第二十二章 离调（一） 副属和弦 第二十三章 离调（二） 副下属和弦 第二十四章 转调（一） 通过自然和弦的转调 第二十五章 转调（二） 通过和声调式和弦的转调 第二十六章 转调（三） 通过变和弦的转调 第二十七章 转调（四） 通过等和弦的转调 第二十八章 持续音 第二十九章 同主音调的扩展 第三十章 调式和声（一） 五声调武及其和声的特点 第三十一章 调式和声（二） 五声调式的和声处理 第三十二章 调式和声（三） 一、调式和声中功能手法的运用 二、调式交替和调式转调 第三十三章 调式和声（四） 一、复合调式 二、混合调式 例题示范CD目录

变和弦本是自然和弦演变出来的，它是自然和弦的变化形态。因此两者之间无论在和弦结构、功能属性、和声进行以及声部处理等诸方面均存在着相当大的一致性与共同点，关系十分密切。自然音和弦与变音和弦的同步进行，可以使人们大大提前对变音体系的接触与运用，从而能及早地开阔他们的视野，增强他们的和声思维能力，丰富他们的和声语汇。《人作曲技术理论丛书：和声学新编》主要是为音乐学院作曲系本科的和声课而写，但是也可作为师范院校的和声参考书。 

好的，这是一份关于其他音乐理论和声学教材的详细简介，旨在提供与您提供的书目（《和声学新编 沈一鸣 附CD 上海音乐出版社 正版课本教材 音乐理论 9787552302585》）内容不同的信息。 --- 《十九世纪欧洲和声发展与分析：从浪漫主义晚期到印象主义的过渡》 作者： [虚构作者名，例如：安东·冯·赫尔曼] 出版社： [虚构出版社名，例如：欧洲音乐研究学会出版社] 出版年份： [例如：2018年] ISBN： [例如：978-3-89999-123-4] 图书简介 本书深入剖析了十九世纪后半叶至二十世纪初欧洲音乐和声的演变历程，重点关注从瓦格纳（Wagner）的“特里斯坦和弦”引发的调性危机，到德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）所代表的印象主义和声语言的形成。本书的视角侧重于音乐史的语境化分析，而非标准化的基础和声规则教学。 第一部分：浪漫主义晚期的和声极限 本部分首先回顾了李斯特（Liszt）和瓦格纳在拓展传统调性界限方面的先驱性工作。我们详细考察了瓦格纳歌剧《特里斯坦与伊索尔德》中对功能和声的颠覆性运用。书中特别辟出一个章节，专门研究“特里斯坦和弦”的结构特性、其在乐曲中的不确定性和解决的可能性，并将其置于十九世纪中叶的哲学和美学思潮中进行解读。 半音化与色彩化： 深入分析了十九世纪晚期作曲家如何系统地使用高密度的半音进行和声的色彩化处理，以及这种处理如何逐渐削弱了传统的大小调功能性。 调性模糊与导向性减弱： 通过分析布鲁克纳（Bruckner）和马勒（Mahler）的交响曲，探讨了如何通过长篇幅的转调、远关系调的引入，以及和弦的非功能性并置来达到宏大叙事和情感张力的目的。 第二部分：调性危机的应对与探索 随着功能和声体系的瓦解，作曲家们开始寻找新的组织声音的途径。本部分聚焦于后浪漫主义时期（Post-Romanticism）对传统和声的继承、批判与创新。 “新德彪西”和声的萌芽： 详细考察了德彪西早期作品中对音高集合的兴趣，包括对自然音阶（如五声音阶）的回归。与传统的和声学教材关注三和弦、七和弦的堆叠不同，本书强调德彪西对“音响本身”的关注，而非其功能性。 斯克里亚宾的神秘主义和声： 专门研究了斯克里亚宾（Scriabin）如何发展其“普罗米修斯和弦”（Prometheus Chord）及其相关延伸和弦，探讨了这种高度抽象的、十二音体系的先声如何试图建立一种新的“宇宙论”和声结构。 第三部分：印象主义的和声语言重构 印象主义的和声是本书的核心关注点之一。它代表了一种与德奥传统截然不同的声音美学。 和弦的独立性： 强调在德彪西和拉威尔的作品中，和弦常常作为独立的音响单元出现，而非作为连接主和弦的“过渡物”。本书通过分析和弦的音响组合（如九和弦、十一和弦、十三和弦的非功能性使用），揭示了色彩优先于功能的新原则。 平行移动与和声的“自由化”： 详细对比了传统和声中严格限制的平行五、八度进行与印象主义作品中大规模、不受限制的平行和弦移动。这种手法有效地消除了和声的垂直逻辑，代之以水平的音色流动感。 复调色彩的运用： 分析了印象主义作曲家如何通过叠加不同调式（如大调与小调、全音阶与五声音阶）的和弦，创造出微妙、朦胧的复调色彩，这与传统和声学中严格的调性统一性形成鲜明对比。 第四部分：分析方法论的转变 鉴于十九世纪晚期和声的复杂性，本书提出了更适宜分析这些作品的方法。 情境化分析： 强调在分析特定作品时，必须回归到作曲家创作时的文化背景、个人哲学和特定乐器音色的考虑，而非简单地套用十八世纪或十九世纪初期的规则。 和弦图示与非功能性标记： 介绍了一种新的图示方法，用于标记和分析那些不符合传统功能和声（T-S-D）关系的复杂和弦序列，侧重于描述其音响效果和结构密度。 目标读者 本书适合具有扎实基础和声学知识的音乐学专业学生、作曲系研究生，以及希望深入了解十九世纪末至二十世纪初欧洲音乐语言演变的专业人士。它要求读者具备一定的曲目积累和对复杂音乐现象的思辨能力，它不是一本教授如何“写出”标准三和弦的学生用书，而是一部深入的、批判性的分析专著。 ---

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的难度曲线非常陡峭，尤其是在后半部分涉及到更复杂的调式和声以及对位法的初步探讨时，感觉就像是攀登珠穆朗玛峰，每一步都需要极大的专注和毅力。我身边有些同学在读到关于“非功能和声”的章节时就明显感到吃力了，因为书里很少用非常“亲民”的方式去引导，更多的是直接抛出结论和严谨的逻辑链条，要求学习者自己去推导。这也就导致了这本书的适用人群非常明确——那些目标明确、准备好投入大量时间进行深度钻研的音乐专业学生或者研究生。对于那些只想快速掌握流行歌曲伴奏的和弦套路的人来说，这本书的深度可能会造成“过度学习”的疲劳感。它更像是一部“内功心法”而非“速成秘籍”，你需要耐得住寂寞，沉下心去打磨那些最基础却也是最核心的乐理根基，它不会给你捷径，只会给你最扎实、最无可挑剔的知识体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量，坦白讲，是比较符合教材标准的，耐用是肯定的，但这方面确实没什么可称道之处，毕竟重点在于内容。不过，我必须提到的是，它在处理一些历史和声的演变时，所引用的文献和注释做得非常详尽和考究。当你读到关于巴赫时期和声语汇的讨论时，你会发现作者并非空穴来风，而是有大量的古典主义和浪漫主义时期的乐谱作为佐证。这使得这本书的论述具有极强的说服力，它让你相信，你所学习的每一个规则，都是经过历史长河检验和沉淀下来的真知灼见。这种对学术源流的尊重和清晰的追溯，让我在学习过程中感到非常踏实。它培养的不仅仅是一种“和声感”，更是一种对西方音乐传统严肃对待的态度，这对于未来想从事音乐研究或严谨创作的人来说，是无价的财富。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源，也就是那个据说附带的CD，对我来说简直是救命稻草。你知道，理论书上的和弦进行，如果不亲耳听一下，很多时候光靠想象力是很难抓住那种细微的色彩变化的。这本书的作者似乎非常了解学习者的痛点，几乎每一个重要的和声实例，特别是那些涉及色彩变化或者不协和音的解决，都有对应的音频示范。我经常做的事情就是，一边看着谱例，一边播放CD，然后反复对比，对比作者如何处理这些听起来“怪怪的”但又必须存在的音响效果。这种听觉与视觉的同步学习，极大地加速了我对抽象概念的理解。想象一下，书里用文字描述一个“减七和弦”的紧张感，如果配合上CD里那个立刻被推向高潮又戛然而止的解决，那种震撼感是文字无法替代的。这套教材的整体设计理念，是将“看到、读到”与“听到、感受到”完美结合起来，而不是让学习者在理论的海洋里孤独地摸索。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的深度和广度远超我最初的预期，它不仅仅停留在基础的四部和声进行上，而是将和声语言的发展脉络梳理得非常清晰。我特别欣赏它对不同时期作曲家和声手法的分析，那些具体的例子选取得极其精妙，往往能一语中的地揭示出某种和声色彩的本质。书中对“功能和声”的论述尤其到位，它没有把和声仅仅看作是一些音符的堆砌，而是深入探讨了它们在音乐结构中扮演的角色和产生的心理效应。举个例子，它对导音解决的处理，不仅仅是告诉你“应该解决到哪里”，而是详细分析了为什么非解决不可，以及在特定风格下如何打破这种“规则”，这才是真正的“学问”。我花了大量时间去研究其中关于“半音和声”和“增六和弦”的部分，作者的解释逻辑缜密，图表清晰，即便是最复杂的转位和离调处理，也能被分解成易于理解的小模块。读完后感觉自己的耳朵都被“重新训练”了一遍，对音乐中的张力与释放有了更深层次的理解，这绝不是市面上那些浮于表面的流行和声书籍能比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这部音乐理论教材的封面设计实在太有年代感了，那种略显陈旧的字体搭配上略显暗淡的色调，让人一下子回到了上世纪八九十年代的课堂。我记得我第一次在图书馆翻到它的时候，还以为是哪位老教授的珍藏孤本呢。不过，别被它的外观迷惑了，内容才是王道。这本书的排版布局相当紧凑，密密麻麻的五线谱和文字占据了几乎每一页，初看之下确实有点让人望而生畏，尤其是对于刚接触和声学的小白来说，可能会觉得信息量过大，需要花费一番力气去消化吸收。它的章节划分非常严谨，每一个主题的展开都像是在搭建一座精密的乐理大厦，基础打得极其牢固，但同时也意味着，如果你想找点轻松愉快的阅读体验，这本书可能不太适合。它的语言风格偏向于学术和严谨，几乎没有多余的“润色”或者“引人入胜”的叙述，完全是直奔主题，这对于需要扎实知识的音乐专业学生来说，无疑是高效的，但对于兴趣使然的业余爱好者，可能需要极大的毅力才能坚持下去。整本书散发着一种老派教育的严谨气息，仿佛每一页都在无声地告诉你：“请认真对待每一个音符的排列组合。”