音乐考研复习精要西方音乐史第2版杨九华音乐考研湖南文艺出版社正版教材9787540438111 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨九华 著

图书标签:

• 音乐史
• 西方音乐史
• 考研
• 杨九华
• 湖南文艺出版社
• 教材
• 音乐考研
• 复习资料
• 高等教育
• 9787540438111

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540438111

商品编码：29684837798

页数：181

图书基本信息
书名：	音乐考研复习精要：西方音乐史 第2版
丛书名：	公共课教材
作者/主编：	杨九华
出版社：	湖南文艺出版社
ISBN号：	9787540438111
出版年份：	2006年11月

版次：	第2版
总页数：	181页
开本：	1/16
图书定价：	28.00元
实际重量：	430 g
新旧程度：	正版全新

《音乐考研复习精要?西方音乐史(第2版)》由湖南文艺出版社出版。

前言章 古希腊古罗马音乐复习题 节 古希腊音乐第二节 古罗马音乐 第二章 中世纪音乐复习题节 教会音乐的发展第二节 复调音乐的兴起第三节 世俗音乐的发展第四节 中世纪乐器第五节 “新艺术”时期 第三章 文艺复兴时期音乐复习题节 佛兰德斯乐派与复调音乐的进一步发展第二节 宗教改革与反改革第三节 世俗性声乐体裁第四节 乐器与器乐的发展 第四章 巴罗克时期音乐复习题节 歌剧的起源与早期发展第二节 大型声乐套曲第三节 乐器与器乐的发展第四节 巴罗克时期的代表音乐家意大利代表音乐家法国的代表音乐家德国的代表音乐家 第五章 古典主义时期音乐复习题节 古典主义时期歌剧的发展第二节 古典主义时期器乐的发展第三节 维也纳古典乐派三杰的艺术贡献 第六章 浪漫主义时期音乐复习题节 浪漫主义歌剧的发展第二节 浪漫主义时期的德奥音乐家第三节 浪漫主义时期的法国音乐家第四节 浪漫主义时期的东欧音乐家……第七章 20世纪音乐复习题附录一 音乐家一览表附录二 西方音乐史断代简表附录三 巴罗克时期歌剧简释图附录四 古典主义时期歌剧简释图附录五 浪漫主义时期歌剧简释图附录六 民族乐派歌剧简释图附录七 20世纪歌剧简释图附录八 研究生西方音乐史考试试题集附录九 研究生西方音乐史考试试题集答案附录十 全国音乐招生院校网址及招生办电话参考书目

《公共课教材·音乐考研复习精要：西方音乐史》是“音乐考研复习精要”之《西方音乐史第2版》，全书共分7个章节，对西方音乐史的重点知识作了介绍，具体包括古希腊音乐、教会音乐的发展、复调音乐的兴起、法国的游吟诗人及其音乐特征等。该书可供各大专院校作为教材使用，也可供从事相关工作的人员作为参考用书使用。

音乐理论与创作基础：面向高校及专业学习者的系统指南 本书旨在为音乐专业学生、研究生以及致力于提升音乐素养的音乐爱好者，提供一套全面、深入且实用的音乐理论与创作基础知识体系。 本书内容横跨音乐的基石要素、和声的逻辑构建、曲式的分析解构，以及向创作实践的过渡，力求在理论的严谨性与实践的可操作性之间找到完美的平衡点。 --- 第一部分：音乐的结构与要素（The Building Blocks of Music） 本部分作为理解一切复杂音乐现象的起点，系统梳理了构成音乐的最小单位及其组织规律。 1. 音高、音级与调性系统： 详细阐述了西方十二平均律体系下的音高概念，包括音名、唱名、国际标准音高等。深入探讨了调式（Modes）的起源与演变，从教会调式（教会调式）到大小调体系（Tonal System）的确立过程。特别分析了大小调的色彩差异、功能性以及调性中心的建立与保持机制。引入了自然音阶、和声小调与旋律小调的结构与听感对比。 2. 节奏与节拍的精微分析： 区别于一般乐理书对节奏的简单罗列，本书着重探讨时间感的塑造。详细解析了拍号的结构（如复合拍号、变音拍号），并着重分析了节奏型在不同风格音乐中的具体应用，例如巴洛克时期的“持续低音”节奏驱动力，以及浪漫主义时期对自由节奏（Tempo Rubato）的运用。探讨了复节奏（Polyrhythm）和复合节拍（Compound Meter）的记谱与演奏难点。 3. 旋律的构建与审美： 旋律是音乐的灵魂。本书超越了基础的级进与跳进规则，深入探讨了乐汇（Motif）的提炼与发展。分析了主题材料的选择、音程关系的张力构建、旋律线的轮廓设计（Profile）以及如何在模写中保持旋律的连贯性与逻辑性。讨论了不同历史时期对旋律优美的定义，例如古典主义时期的清晰性与歌唱性，以及现代音乐对碎片化旋律的处理。 4. 音色与织体：（Timbre and Texture） 音色不再被视为一个简单的技术指标，而是被视为重要的表现手段。本书详细考察了不同乐器族群的音域、发声原理及其在管弦乐队配置中的功能定位。在织体方面，系统区分了单音音乐、主调音乐（Homophony）、复调音乐（Polyphony）的定义、特征与相互转化关系。重点剖析了卡农（Canon）、赋格（Fugue）等复调形式的写作技法。 --- 第二部分：和声的逻辑与发展（The Logic and Evolution of Harmony） 本部分是全书的理论核心，旨在培养读者对和声进行严谨分析和自主创作的能力。 1. 三和弦与七和弦的严谨分析： 从功能和声学（Functional Harmony）的角度出发，系统梳理了主、属、下属三和弦（Tonic, Dominant, Subdominant）的本质功能和替代关系。深入讲解了属七和弦的解决（Resolution）规则及其例外。详细解析了导七和弦（Leading-Tone Seventh Chord）在小调中的特殊处理。 2. 二次和弦与扩展和声： 着重分析了副属和弦（Secondary Dominants）在调性色彩增强中的作用，以及它们如何精确地导向非主和弦。系统阐述了减七和弦（Diminished Seventh Chord）的多功能性、转位使用及其在制造色彩张力时的关键地位。对九和弦、十一和弦等扩展和声的实际使用情境进行了案例分析。 3. 调性外和声与半音和声： 探讨了突破传统功能和声限制的技术，包括：等音处理（Enharmonic Reinterpretation）、和弦的转位与借用（Modal Mixture）。详细介绍了半音进行（Chromatic Mediants）对和声色彩的瞬间改变，以及李斯特、瓦格纳等作曲家在追求更丰富和声色彩时所采用的先进手法。 4. 调性转换（Modulation）的技法： 本书提供了多种成熟的转调方法，不仅仅是简单的共同和弦转调。重点讲解了平均音级转调法（Common Chord Modulation）的精确选点、半音阶转调法（Chromatic Modulation）的流畅过渡，以及更具挑战性的属和弦链转调法（Dominant Chain）。 --- 第三部分：曲式与结构分析（Form and Structural Analysis） 本部分旨在提供一把解剖乐曲结构的“手术刀”，从宏观上理解音乐的布局。 1. 基础曲式单位的解析： 详尽分析了乐段（Period）的结构，包括对称与非对称乐段、问答句的构建。深入讲解呈示部、发展部与再现部的内在逻辑，以及复合三部曲式（Compound Ternary Form）的灵活性。 2. 古典奏鸣曲式与变奏曲： 对奏鸣曲式（Sonata Form）的呈示部、展开部（特别关注调性运作和主题材料的碎片化处理）与再现部进行了细致入微的剖析。探讨了古典主义时期（海顿、莫扎特）与浪漫主义时期（贝多芬后期的扩展）奏鸣曲式的演变趋势。变奏曲部分，系统梳理了固定低音变奏（Basso Ostinato）、主题与副属和弦变奏，以及自由变奏的写作特点。 3. 宏大曲式与循环结构： 分析了回旋曲式（Rondo Form）的A-B-A-C-A结构及其在协奏曲和交响乐中的应用。重点探讨了三部曲式（Ternary Form）在歌曲、器乐小品中的广泛应用，并引申至奏鸣曲式内部的三部性结构。 --- 第四部分：实践与创作导向（Practice and Composition Orientation） 本部分将理论知识与实际应用紧密结合，为学生向自主创作迈进提供桥梁。 1. 写作规范与配器常识： 指导学生如何正确地进行四部和声写作，强调声部的合法进行、导音的正确处理以及跨越声部的限制。简要介绍管弦乐队中主要声部的实用音域和常用织体配置，为未来进行配器编曲打下基础。 2. 主题发展与材料转化： 详细介绍主题发展（Thematic Development）的经典手法，如：模仿、移位、节奏变形、扩大与缩减。通过对经典范例的逆向工程分析，引导学习者掌握如何将一个简单的音乐动机转化为一个完整的、结构严谨的乐章。 3. 风格的模仿与创新： 探讨在学习古典作曲法的基础上，如何审慎地引入浪漫主义晚期或印象主义的和声色彩，强调在模仿特定风格时，必须准确把握该风格的核心“语法”。 本书通过大量的乐谱实例分析、详尽的练习题设计和清晰的逻辑推导，旨在帮助学习者建立一个坚实、可迁移的音乐思维框架，为进入更高级的专业学习或独立艺术实践做好充分准备。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“精要”二字名不副实，它在选取重要信息和冗余信息之间的平衡把握得非常差劲。一方面，许多非常重要的、在历年真题中反复出现的音乐家和作品分析，给出的篇幅短得可怜，点到为止，让人意犹未尽；另一方面，却花费了大量的篇幅去介绍一些对考试几乎没有直接帮助的、相对边缘的音乐家或者次要的流派介绍。这种详略不当，直接影响了复习效率。我需要的是一个高效的筛选器，能告诉我哪些是“必须掌握”的，哪些是“了解即可”的。但这本书似乎是平均用力，结果就是重点不突出，次要信息又占用了宝贵的阅读时间。我不得不自己制作一个精简版的知识框架，把书本上的内容重新梳理一遍，这无疑是本末倒置，浪费了我大量本该用于刷题和记忆的时间。

评分☆☆☆☆☆

内容上来说，这本书的叙事逻辑简直是让人摸不着头脑，感觉像是把不同时期的知识点东拼西凑起来的。它试图涵盖从古至今的西方音乐发展脉络，但在关键转折点的处理上显得极其粗糙和跳跃。比如从中世纪到文艺复兴的过渡部分，作者似乎默认读者已经具备了相当的背景知识，很多重要的社会文化背景对音乐变革的影响没有得到充分的阐释。读起来感觉像是在看一个非常简略的知识点罗列，而不是一个连贯的历史叙事。我花费了大量时间去查阅其他资料来填补这些逻辑上的断层，这极大地增加了我的复习负担。对于初次接触西方音乐史的考生来说，这本书的引导性非常弱，它更像是一本给已经很熟练的人用来查漏补缺的工具书，而不是一本扎实的入门教材。希望作者在后续的版本中能加强对历史背景与音乐风格之间内在联系的深度挖掘，让读者真正理解“为什么”会发生这样的音乐变革，而不是仅仅“是什么”。

评分☆☆☆☆☆

从考研应试的角度来看，这本书与历年真题的结合度太低了。它更像是一本标准的大学音乐史教科书的精简版，缺乏针对性地指导如何将知识点转化为答题语言。例如，对于一些需要进行风格比较或时代特征总结的论述题，这本书提供的模板和思路非常僵硬和老套，远不如市面上其他专门的“押题”或“应试技巧”类辅导材料来得直接有效。它告诉你“是什么”，但没有明确教你“怎么考”，也没有提供足够多的例题解析来展示如何运用书中的知识去构建一个逻辑严密、论据充分的考研答案。对于那些时间紧张、需要快速提高答题得分率的考生来说，这本书提供的“营养”不够“浓缩”，需要大量额外的外部补充才能真正转化为考场上的战斗力。希望未来的版本能够更紧密地结合最新的考试大纲和真题趋势，提供更具实战价值的指导。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计简直是灾难，尤其是对于需要长时间阅读和查找资料的考研党来说，简直是折磨。字体大小的设置很不合理，有些地方显得过于拥挤，有些地方又空得让人摸不着头脑，完全没有考虑到读者的视觉疲劳问题。更别提那些关键概念的突出显示了，几乎是随心所欲，想找个重点标记都费劲。有时候为了理解某个复杂的历史时期，我需要反复对照着书本和笔记，但这本书的索引系统做得非常糟糕，想快速定位到某个作曲家或者某个乐派的详细介绍，简直是一场寻宝游戏。要知道，考研时间宝贵，我们需要的应该是高效的学习工具，而不是这种让人抓狂的阅读体验。很多插图和乐谱示例也模糊不清，分辨率低得让人怀疑是不是扫描的盗版书，这对于学习音乐史这种需要直观感受的学科来说，是致命的缺陷。我真希望出版社在再版时能重视一下这些基本的用户体验问题，不然再好的内容也会被这些糟糕的细节给埋没了。

评分☆☆☆☆☆

关于细节的准确性和深度，这本书的表现只能用“勉强合格”来形容。很多核心的、高频考点，比如巴赫的对位法特点、贝多芬的“中期英雄”风格的具体体现、德彪西和声的革新等，都被一带而过，提供的分析深度远远达不到硕士研究生考试的要求。更令人担忧的是，我发现了一些明显的知识性错误或者过于陈旧的观点，这在考研这种要求精确性的领域是绝对不能容忍的。比如在对某个浪漫主义晚期作曲家生平的描述中，居然引用了已经被学术界修正的数据。这让我对整本书的可信度产生了深深的怀疑，每次标记重点的时候都小心翼翼，生怕记下了错误的东西。考研的竞争已经足够激烈了，我们不能因为教材本身的问题而在考场上吃亏。我期待的是一本能够站在学术前沿、准确无误的参考书，而不是一本充满“待确认”信息的复习资料。